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E recordei-me também que nunca tinha visto o blu-ray que havia comprado na altura (a preço espectacular diga-se) porque pouco se tinha passado desde que o havia visto no cinema. Assim, juntei o útil ao agradável quando este domingo à tarde me acomodei no sofá para revisitar esta obra.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E‘Argo’ venceu apenas 3 Óscares: Melhor Filme, Melhor Argumento e Melhor Montagem, num ano em que \u003Cb\u003E‘Life of Pi’\u003C\/b\u003E venceu 4 e \u003Cb\u003E‘Les Miserables’\u003C\/b\u003E também 3. Mas ao contrário de outros vencedores recentes, não podemos dizer que a vitória foi inteiramente imerecida. Este não é propriamente um filme de actores, antes uma obra cuja cadência argumental é extremamente conveniente para enfatizar a veia inspiracional e patriótica do drama político que narra. Sabemos perfeitamente que foi esse aspecto – um \u003Ci\u003Eturn off\u003C\/i\u003E para muitos cinéfilos mais puristas – que lhe valeu o prémio mais do que qualquer outra coisa. Mas felizmente o filme não vale apenas por isso.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"Este não é propriamente um filme de actores, antes uma obra cuja cadência argumental é extremamente conveniente para enfatizar a veia inspiracional e patriótica do drama político que narra (...) Mas felizmente o filme não vale apenas por isso (...) É um filme muito bem montado e que consegue unir, quase paradoxalmente, a ligeireza do entretenimento de Hollywood com um acutilante realismo histórico\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-9n0SeCAd1cE\/WrOJycvZYQI\/AAAAAAAALp0\/RF46IKY1J7c-9NgrZ9qhxEevHWP0j6NqACEwYBhgL\/s1600\/12ARGO-jumbo.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"424\" data-original-width=\"1024\" height=\"165\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-9n0SeCAd1cE\/WrOJycvZYQI\/AAAAAAAALp0\/RF46IKY1J7c-9NgrZ9qhxEevHWP0j6NqACEwYBhgL\/s400\/12ARGO-jumbo.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EDe facto, ‘Argo’ é um filme muito bem montado (o seu Óscar mais merecido, sem dúvida alguma) e que consegue unir, quase paradoxalmente, a ligeireza do entretenimento de Hollywood com um acutilante realismo histórico. Esta mistura não é incomum na Hollywood moderna, especialmente em obras que retratam o clima de tensão entre os Estados Unidos e vários países do Médio Oriente (ou que se viveu outrora, nos anos 1970). Filmes recentes como \u003Cb\u003E‘Munique’ (2005)\u003C\/b\u003E ou \u003Cb\u003E‘Syriana’ (2005)\u003C\/b\u003E fizeram-no, mas ‘Argo’ destaca-se porque recupera a chama há muito perdida dos \u003Ci\u003Ethrillers \u003C\/i\u003Eou filmes-missão dos próprios anos 1970, onde a acção se passa. O mítico \u003Cb\u003E‘Day of the Jackall’ (1973)\u003C\/b\u003E vem-me à memória; é um drama político é certo, mas a sua imortalidade foi garantida pela sua extraordinária veia de \u003Ci\u003Ethriller\u003C\/i\u003E. Passa-se exactamente o mesmo com ‘Argo’.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003ENunca considerei \u003Cb\u003EBen Affleck\u003C\/b\u003E particularmente um grande actor (nunca o foi, realmente). Mas desde cedo aprendeu que menos era mais, ou seja, que ganhava muito mais com a sua presença do que com a sua capacidade de actuação. Os filmes em que lhe dão a liberdade para estar mais contido resultam sempre em melhores trabalhos, e quando se voltou para a realização fez exactamente a mesma coisa. Ao contrário de \u003Cb\u003EGeorge Clooney\u003C\/b\u003E, que tentou logo ser ‘artístico’ e chamar a atenção para si próprio, \u003Cb\u003EAffleck\u003C\/b\u003E escolheu criteriosamente as suas histórias para as contar com a passada ponderada com que ele próprio actua. Quer \u003Cb\u003E‘Gone Baby Gone’ (2007)\u003C\/b\u003E quer \u003Cb\u003E‘The Town’ (2010)\u003C\/b\u003E são sólidos \u003Ci\u003Ethrillers \u003C\/i\u003Epoliciais, mas nenhum tinha aquela temática social ou política relevante para almejar com seriedade um Óscar. ‘Argo’ tem-na.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-D5wh3oFHmEE\/WrOJy3UR-bI\/AAAAAAAALqA\/Tg2jdAsWftMw7Ws5M_3ySz3LDmc_W_BQwCEwYBhgL\/s1600\/Argo-980950100-large.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"1067\" data-original-width=\"1600\" height=\"266\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-D5wh3oFHmEE\/WrOJy3UR-bI\/AAAAAAAALqA\/Tg2jdAsWftMw7Ws5M_3ySz3LDmc_W_BQwCEwYBhgL\/s400\/Argo-980950100-large.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EBaseada em factos reais, a história não podia ser mais simples ou linear. Num misto de imagens reais com muito bem executadas reconstituições históricas (num estilo fotográfico mais granulado e de cores abatidas), somos enquadrados com os eventos que levaram à invasão da Embaixada Americana no Irão em 1979. Como disse, a intercalação das fontes reais e fictícias é sempre feita de forma extraordinária, mas não podemos dar todo o mérito ao editor. \u003Cb\u003EAffleck \u003C\/b\u003Epode não ser um grande actor, mas já deu mostras de ter grande sensibilidade como realizador. A ausência de uma nomeação para Melhor Realizador (algo injusto, na minha opinião) é mais uma prova de que a Academia valoriza muito mais “temáticas” do que “técnica”, e que, apesar de lutar (ou dizer que luta) contra estereótipos, tem ela própria bastantes. \u003Cb\u003EAffleck\u003C\/b\u003E, ex-galã romântico e estrela de filmes de acção, não tem aos olhos da Academia o nível para ser nomeado para Melhor Realizador (é uma questão de \u003Ci\u003Edécalage\u003C\/i\u003E)…\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"‘Argo’ destaca-se porque recupera a chama há muito perdida dos \u003Ci\u003Ethrillers \u003C\/i\u003Eou filmes-missão dos próprios anos 1970, onde a acção se passa (...) A\u0026nbsp;intercalação das fontes reais e fictícias é sempre feita de forma extraordinária, mas não podemos dar todo o mérito ao editor. Affleck pode não ser um grande actor, mas já deu mostras de ter grande sensibilidade como realizador.\"\u0026nbsp;\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EMas é só desfrutar da fascinante longa sequência de abertura para percebermos o quão errada a Academia esteve em ignorar \u003Cb\u003EAffleck\u003C\/b\u003E. Sentimos a tensão dos funcionários, sentimos a fúria cega da multidão, sentimos os minutos a fugirem enquanto os americanos tentam queimar todos os papéis e destruir tudo aquilo que possa ser usado pelos Iranianos contra os Estados Unidos. Contudo, a multidão é um animal potente e incontrolável. Invadem o complexo e fazem reféns mais de cinquenta prisioneiros, para que possam exigir o retorno, para o matar, do seu ex-ditador agora exilado na América. Mas o que estes revolucionários não sabem, nem tão pouco os meios de comunicação social, é que seis americanos conseguiram fugir durante a invasão e estão escondidos na casa do embaixador canadiano.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-avE_y7Xrnp0\/WrOJzjZy3sI\/AAAAAAAALqM\/GZL5aoSHlxAN5QYeIaNJ6I87bwKaum_twCEwYBhgL\/s1600\/argo-warner08.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"671\" data-original-width=\"1600\" height=\"167\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-avE_y7Xrnp0\/WrOJzjZy3sI\/AAAAAAAALqM\/GZL5aoSHlxAN5QYeIaNJ6I87bwKaum_twCEwYBhgL\/s400\/argo-warner08.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EObviamente, as mais altas patentes do governo americano procuram uma solução para este impasse e assistimos a uma série de reuniões secretas. Resgatar os cinquenta parece impossível, mas talvez haja uma esperança para salvar os seis foragidos. Assim, eis que entra em cena o agente da CIA Tony Mendez (em cuja autobiografia o filme é baseado), interpretado por \u003Cb\u003EBen Affleck\u003C\/b\u003E com a sua introspecção habitual quanto tenta fazer papéis “sérios”. Mendez é um especialista em extrações que, após ouvir os absurdos planos propostos pelo comité, decide conceber ele próprio um.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EE o plano que ele concebe é basicamente este: viajar até ao Irão mascarado de produtor de cinema, sob o pretexto de estar à procura de localizações desérticas e “exóticas” para a filmagem do seu próximo filme de ficção científica (\u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2015\/12\/star-wars-episode-iv-new-hope.html\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E‘Star Wars’\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/a\u003E havia estreado dois anos antes). A ideia é conseguir trazer de volta os seis americanos como membros da equipa de filmagem. Incredível? Bastante, mas parece bem melhor que todos os outros planos que ouvimos. Assim, o plano de Mendez é aprovado e para tornar tudo mais convincente viaja até Hollywood para recrutar um velho amigo, o oscarizado especialista em maquilhagem John Chambers (\u003Cb\u003EJohn Goodman\u003C\/b\u003E). Este por sua vez introduz Mendez ao produtor Lester Siegel, interpretado por \u003Cb\u003EAlan Arkin\u003C\/b\u003E que foi nomeado para o Óscar de Melhor Actor Secundário. Percebe-se porquê. É o típico velho rezingão de bom coração que passa o tempo a dizer \u003Ci\u003Epunchlines\u003C\/i\u003E, quer cómicas quer dramáticas, incluindo a célebre frase-chave do filme: “\u003Ci\u003EArgo, f**k yourself\u003C\/i\u003E”. Argo, já agora, é o nome do filme fictício.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"A história é real mas tão mirabolante que Affleck não resiste dar-lhe o toque fantasioso de Hollywood. Como podia não o fazer, se a história é, em parte, sobre a própria Hollywood? (...) Isso aligeira o filme (talvez em demasia) e torna-o um produto vendável como peça de entretenimento, ou por outras palavras, muito mais acessível ao público em geral. A triste verdade é que se não tivesse este folclore dificilmente chegaria ao Óscar de Melhor Filme.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-XB_xN5EoVGQ\/WrOJ0m1cUXI\/AAAAAAAALqc\/KlEquP4ks3Y8DNJkLyHr_pGzUa99F31vwCEwYBhgL\/s1600\/gallery_movies_argo_still_2.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"511\" data-original-width=\"768\" height=\"265\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-XB_xN5EoVGQ\/WrOJ0m1cUXI\/AAAAAAAALqc\/KlEquP4ks3Y8DNJkLyHr_pGzUa99F31vwCEwYBhgL\/s400\/gallery_movies_argo_still_2.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EMas é aqui que entram as primeiras falhas deste filme. A história é real mas tão mirabolante que \u003Cb\u003EAffleck \u003C\/b\u003Enão resiste dar-lhe o toque fantasioso de Hollywood. Como podia não o fazer, se a história é, em parte, sobre a própria Hollywood? Assim, as cenas no Irão, com os cinquenta reféns a sofrerem às mãos dos seus captores (embora, saliente-se, sem qualquer cena de violência gratuita) ou com os seis escondidos na embaixada canadiana, contrastam com as cenas mais espampanantes em Hollywood, em que Siegel, Chambers e Mendez tentam convencer o mundo de que estão realmente a produzir um filme para que o governo iraniano também acredite. O contraste é ainda mais notório já que todas estas cenas, do \u003Ci\u003Ecasting \u003C\/i\u003Eà criação dos posters à festa de lançamento da produção, estão cheias de piadinhas e bocas ao \u003Ci\u003Estatus quo \u003C\/i\u003Ede Hollywood. Cor local? Certamente. Mas é também aquilo que aligeira o filme (talvez em demasia) e o torna um produto vendável como peça de entretenimento, ou por outras palavras, muito mais acessível ao público em geral. A triste verdade é que se não tivesse este folclore dificilmente chegaria ao Óscar de Melhor Filme.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EÉ nestas sequências também que se tenta construir um retrato emocional da personagem de Mendez. Está separado da mulher (uma até interessante \u003Cb\u003ETaylor Schilling\u003C\/b\u003E) e do filho de dez anos, com quem fala recorrentemente ao telefone por entre as várias fases de preparação da missão. Contudo, estas cenas nunca conseguem ganhar dimensão suficiente. O filme retira muito mais da presença pontual de actores carismáticos como \u003Cb\u003EGoodman \u003C\/b\u003Eou \u003Cb\u003EBrian Cranston\u003C\/b\u003E (o melhor amigo e superior de Mendez na CIA) que debitam o que eu chamo “frases-trailer” umas atrás das outras (soam bem mas querem dizer pouco), do que destas breves e pouco trabalhadas cenas emocionais. O mesmo acontece quando acompanhamos a situação dos seis americanos escondidos. Sabemos os seus nomes e de vez em quando revelam o que sentem. Mas realmente nunca existem como individualidades no arco dramático deste filme. São “os seis americanos” relativamente indistintos uns dos outros.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-bjHRA1ctQGY\/WrOJzETeHhI\/AAAAAAAALqI\/xE13dUTUrfgxVbYld2HYbeyexZ6N6c1OQCEwYBhgL\/s1600\/argo-image02.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"630\" data-original-width=\"945\" height=\"266\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-bjHRA1ctQGY\/WrOJzETeHhI\/AAAAAAAALqI\/xE13dUTUrfgxVbYld2HYbeyexZ6N6c1OQCEwYBhgL\/s400\/argo-image02.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EPor estes motivos é que comecei por dizer que este não é um filme de actores ou actuações, porque a humanidade destas personagens é pouco relevante para o desenrolar da história. O que está em jogo não são as emoções delas, são as nossas como espectadores. Não é o medo, o pavor ou os calafrios delas que interessam; são os nossos quando sustemos a respiração para saber se irão ou não ser apanhados. E no limite, não é a sua salvação, como pessoas reais, que o filme aborda; mas o simbolismo por detrás do resgate como forma de alimentar o ideal patriótico, humanitário e inspiracional do público-alvo desta produção. Por isso é que os seis são tão indistintos. E por isso é que \u003Cb\u003EBen Affleck\u003C\/b\u003E é uma personagem tão \u003Ci\u003Elow profile\u003C\/i\u003E durante todo o filme, apesar de ser a principal. Não perdura na memória como perdura a missão em si. Essa é que é a verdadeira personagem principal do filme.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"O que está em jogo não são as emoções das personagens, são as nossas como espectadores. Não é o medo, o pavor ou os calafrios delas que interessam; são os nossos quando sustemos a respiração para saber se irão ou não ser apanhados. Não é a sua salvação que o filme aborda; mas o simbolismo por detrás do resgate como forma de alimentar o ideal patriótico, humanitário e inspiracional. (...) A missão em si é é a verdadeira personagem principal do filme.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EE isso ainda mais resulta porque a segunda parte do filme, o resgate, é tão excitante. Mendez entra no Irão e apenas tem um dia para ensinar aos americanos as suas novas identidades e convencer os iranianos de que são quem dizem que são. A visita ao mercado é extremamente tensa mas ainda mais é toda a sequência do aeroporto rumo ao avião. Estes são os momentos que fazem de ‘Argo’ um bom filme (a veia política fica para segundo plano e entramos em pleno no \u003Ci\u003Ethriller\u003C\/i\u003E), mas há algo que impede, para além do anonimato das personagens, de se tornar um grande filme. E isso é, como disse em cima, a extrema conveniência dos eventos dramáticos.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-pHklFQJEcbM\/WrOJzMweoFI\/AAAAAAAALqE\/OGkq876BlsAvj-fbOVVIP5gMV8LSAxF7wCEwYBhgL\/s1600\/argo-mv-23.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"426\" data-original-width=\"1040\" height=\"163\" src=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-pHklFQJEcbM\/WrOJzMweoFI\/AAAAAAAALqE\/OGkq876BlsAvj-fbOVVIP5gMV8LSAxF7wCEwYBhgL\/s400\/argo-mv-23.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E‘Argo’ é daquele tipo de filmes em que o encadeamento dos eventos é cronometrado ao segundo para tudo ser ainda mais intenso, mesmo que tais “coincidências” para obrigar o espectador a suster a respiração sejam obtidas de forma artificial e temporalmente incongruente. A dada altura o filme joga em quatro frentes: na base da CIA para a emissão a tempo dos sete bilhetes necessários; no aeroporto quando os sete tentam passar pelos vários controles de segurança sem dar nas vistas; numa qualquer base iraniana onde o alarme está prestes a soar; e por fim em Hollywood onde Siegel e Chambers aguardam no estúdio à beira de um telefone, caso algum agente iraniano ligue a tentar confirmar a história.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003ETudo bem, é de supor que estas quatro acções paralelas estivessem a acontecer mais ou menos ao mesmo tempo. Mas tanta coincidência é pura especulação fílmica que vale o que vale. Por exemplo, depois de horas à espera, é no preciso momento em que um agente iraniano liga para o estúdio de Hollywood que Siegel e Chambers decidiram fazer uma pausa para tomar café. Regressarão a tempo antes do telefone parar de tocar? Acho que todos os espectadores sabem a resposta a essa pergunta. O que nos leva a outra questão. Tendo em conta a diferença de horas entre os Estados Unidos e o Irão, e que é de noite na Califórnia, não poderia ser aceitável que não estivesse ninguém no estúdio? Ou a linha ocupada com outra chamada? Mas ‘Argo’ é um daqueles filmes que quer obrigar o espectador a acreditar que se cada pormenor não encaixar, os heróis vão morrer. Se ninguém atendesse o telefone, eles iriam ser descobertos. Ponto final. Não há cá linhas ocupadas. Não pode haver. E como este exemplo do telefone há outros, em cada uma das frentes que o filme equilibra na sua parte final…\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"A visita ao mercado é extremamente tensa mas ainda mais é toda a sequência do aeroporto rumo ao avião. Estes são os momentos que fazem de ‘Argo’ um bom filme (a veia política fica para segundo plano e entramos em pleno no \u003Ci\u003Ethriller\u003C\/i\u003E), mas há algo que impede, para além do anonimato das personagens, de se tornar um grande filme. E isso é\u0026nbsp; a extrema conveniência dos eventos dramáticos.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-mr-RBYEqga8\/WrOJz1A3rwI\/AAAAAAAALqU\/BcXug_Aj1742nYIqWmobToHk3--ZOkaXgCEwYBhgL\/s1600\/gallery_argo-xxxx-002_1.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"512\" data-original-width=\"768\" height=\"266\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-mr-RBYEqga8\/WrOJz1A3rwI\/AAAAAAAALqU\/BcXug_Aj1742nYIqWmobToHk3--ZOkaXgCEwYBhgL\/s400\/gallery_argo-xxxx-002_1.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003ETudo somado, ‘Argo’ apesar de no fundo ser “apenas” um filme de Hollywood, com muitos dos tiques e trejeitos que os cinéfilos tanto lamentam, acaba por ser muito mais do que apenas um filme chapa 5 para os Óscares. Todo o folclore semi-satírico nas cenas em Hollywood, o anonimato das personagens (a começar pela de \u003Cb\u003EAffleck\u003C\/b\u003E) e toda a artificial conveniência dos eventos na sequência final acabam por ser produtos previsíveis da natureza do filme e das pessoas que o produziram (\u003Cb\u003EGeorge Clooney \u003C\/b\u003Etambém levou para casa o Óscar de produção…). Mas felizmente, \u003Cb\u003EAffleck \u003C\/b\u003Eestudou bem a lição ou pelo menos, na sua ambição por seriedade (tal como quando tenta actuar dessa forma) optou por uma realização sóbria, subtil e pouco interventiva, que permite que o tenso clima político e o expansivo drama humano (aquele que não pertence a uma personagem, mas a uma nação) comande o tom e o ritmo do filme. Esse é, sem dúvida alguma, o segredo do seu sucesso.\u0026nbsp;\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EQuando esquece por momentos o seu típico americanismo (não há heróis, apenas patriotas com falhas que cumprem o seu dever pelo bem maior) ‘Argo’ consegue ter momentos de puro cinema, especialmente nas longas montagens onde as imagens reais (ou as exímias reconstituições) se entrecruzam com as cenas “fictícias” da missão. O seu ritmo acelerado (são duas horas que passam a correr para qualquer espectador) é obtido não por qualquer cena de acção com montagem frenética (não tem nenhuma) mas pela forma como o desenrolar dos eventos enfatizam o clima de tensão. Isso coloca ‘Argo’ no meio termo entre um grande \u003Ci\u003Ethriller \u003C\/i\u003Epolítico e o blockbuster de Hollywood. E é um meio-termo que resulta. Não lhe podemos chamar propriamente arte. Mas não é apenas mais um filme inspiracional com ambições de passar uma mensagem política. É um bem conseguido thriller baseado em factos reais que aproveita, e bem, ambas as suas componentes; a de filme-missão e a de sátira de Hollywood.\u0026nbsp;\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-Aip1s5BsfRw\/WrOJz1Ufn1I\/AAAAAAAALqQ\/e9ypHiKOmpoSmKB1h1tHutAzMVAsreqHwCEwYBhgL\/s1600\/file_95280_2_argo-front-003.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"417\" data-original-width=\"625\" height=\"266\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-Aip1s5BsfRw\/WrOJz1Ufn1I\/AAAAAAAALqQ\/e9ypHiKOmpoSmKB1h1tHutAzMVAsreqHwCEwYBhgL\/s400\/file_95280_2_argo-front-003.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EPedia-se uma maior ligação entre as personagens e a história, e como uma obra da qual se podem tirar paralelismos para as tensões políticas recentes ‘Argo’ também deixa algo a desejar porque apesar do rótulo “baseado em factos reais” não deixa de ser bastante fantasioso e conveniente. Mas como peça de entretenimento consciente neste género de cinema, ‘Argo’ é sem dúvida alguma uma das melhores, senão a melhor entrada que a Hollywood mais comercial produziu nos últimos anos. Não creio que alguma vez tenha a longevidade dos mais célebres filmes deste género como o já citado \u003Cb\u003E‘The Day of the Jackal’\u003C\/b\u003E ou \u003Cb\u003E‘Manchurian Candidate’ (1962)\u003C\/b\u003E. Mas tendo em conta a baixa fasquia das produções de Hollywood em geral e dos vencedores recentes dos Óscares em particular, ‘Argo’ não está nada mal. É algo que nunca pensaríamos que \u003Cb\u003EBen Aflleck\u003C\/b\u003E teria classe para fazer. Mas é sempre bom uma pessoa enganar-se, quando isso se reflecte numa boa experiência cinematográfica.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"Quando esquece por momentos o seu típico americanismo ‘Argo’ consegue ter momentos de puro cinema (...) O seu ritmo acelerado (...) é obtido não por qualquer cena de acção com montagem frenética (não tem nenhuma) mas pela forma como o desenrolar dos eventos enfatizam o clima de tensão. Isso coloca ‘Argo’ no meio termo entre um grande thriller político e o blockbuster de Hollywood. E é um meio-termo que resulta.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E‘Argo’ não é o meu filme favorito desse ano, nem mesmo dos nomeados (\u003Cb\u003E‘Lincoln’\u003C\/b\u003E e \u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2013\/03\/django-unchained.html\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E‘Django Unchained’\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/a\u003E são pedaços muito mais maduros de cinema). Contudo, não nos sentimos inteiramente enganados pela Academia. Percebemos que o cunho político da história se sobrepôs, aos olhos dos votantes, a outras questões técnicas e argumentais (recordemos que o vencedor foi anunciado a partir da Casa Branca por Michelle Obama -\u0026nbsp; como se não soubessem quem ia ganhar…). Mas o espectador comum pode desconsiderar perfeitamente quer o lado político quer o lado técnico da cinematografia, e sentar-se confortavelmente a desfrutar de um dos filmes-missão mais bem conseguidos dos últimos tempos com o selo de Hollywood. E isso tem o seu mérito indiscutível.\u003C\/div\u003E"},"link":[{"rel":"replies","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/feeds\/3316966605086840842\/comments\/default","title":"Enviar feedback"},{"rel":"replies","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2018\/03\/argo.html#comment-form","title":"1 Comentários"},{"rel":"edit","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/3316966605086840842"},{"rel":"self","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/3316966605086840842"},{"rel":"alternate","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2018\/03\/argo.html","title":"Argo"}],"author":[{"name":{"$t":"Eu Sou Cinema"},"uri":{"$t":"http:\/\/www.blogger.com\/profile\/10225016188761425774"},"email":{"$t":"noreply@blogger.com"},"gd$image":{"rel":"http://schemas.google.com/g/2005#thumbnail","width":"16","height":"16","src":"https:\/\/img1.blogblog.com\/img\/b16-rounded.gif"}}],"media$thumbnail":{"xmlns$media":"http://search.yahoo.com/mrss/","url":"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-BGm4jjQLExc\/WrOJymv4DeI\/AAAAAAAALp4\/0VXtyEov8GY8Rn2pTg23pCCl0_uSGeQugCLcBGAs\/s72-c\/20267232.jpg-r_1280_720-f_jpg-q_x-xxyxx.jpg","height":"72","width":"72"},"thr$total":{"$t":"1"}},{"id":{"$t":"tag:blogger.com,1999:blog-606086995628430165.post-8972861191831772223"},"published":{"$t":"2018-03-09T11:31:00.000+00:00"},"updated":{"$t":"2018-03-29T11:13:29.077+01:00"},"category":[{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"2017"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Crítica"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"delToro"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Óscar Melhor Filme"}],"title":{"type":"text","$t":"The Shape of Water"},"content":{"type":"html","$t":"\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-RagV0ZbQ9O8\/WqJmshlT6qI\/AAAAAAAALmM\/MYgu4yLwPkkdd65NRLcjMIX-LJG833VdACLcBGAs\/s1600\/885dabdc79a1e472ae30e8f7cb949b81_500x735.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"735\" data-original-width=\"500\" height=\"400\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-RagV0ZbQ9O8\/WqJmshlT6qI\/AAAAAAAALmM\/MYgu4yLwPkkdd65NRLcjMIX-LJG833VdACLcBGAs\/s400\/885dabdc79a1e472ae30e8f7cb949b81_500x735.jpg\" width=\"271\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cb\u003EAno:\u003C\/b\u003E 2017\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003ERealizador:\u0026nbsp;\u003C\/b\u003EGuillermo del Toro\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EActores principais:\u003C\/b\u003E\u0026nbsp;Sally Hawkins, Octavia Spencer, Michael Shannon\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EDuração:\u003C\/b\u003E 123 min\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cb\u003ECrítica:\u003C\/b\u003E Geralmente não me interesso por filmes de \u003Cb\u003EGuillermo del Toro\u003C\/b\u003E. Admito que até tem jeito para adaptações de banda desenhada (\u003Cb\u003E‘Blade II’, 2002\u003C\/b\u003E, e os dois \u003Cb\u003E‘Hellboy’, 2004 e 2008\u003C\/b\u003E) mas os seus filmes deixam sempre algo a desejar. Não propriamente porque não são bons filmes num nível técnico. Pelo contrário, nestes departamentos são geralmente imaculados, já que \u003Cb\u003Edel Toro\u003C\/b\u003E sempre se soube rodear de grandes artistas de fotografia, guarda-roupa ou \u003Ci\u003Edesign \u003C\/i\u003Ede produção. Mas os seus argumentos prometem muito e dão pouco, e a sua realização segue o mesmo caminho, quedando-se pela superficialidade, apesar da mestria, destas camadas técnicas, e tendo grande dificuldade em aprofundar as alegorias que concebe.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003ENos seus filmes mais artísticos, digamos assim, como \u003Cb\u003E‘El laberinto del fauno’ (2006)\u003C\/b\u003E, a força das imagens e da história consegue facilmente disfarçar estas falhas (é de facto o seu melhor filme), mas quando aborda o género mais oco dos \u003Ci\u003Eblockbusters \u003C\/i\u003Eobviamente não. A última vez que tinha ido ver um filme de \u003Cb\u003Edel Toro\u003C\/b\u003E ao cinema foi em 2013 e foi um desastre. \u003Ca href=\"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2013\/07\/pacific-rim.html\"\u003E‘\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E\u003Cb\u003EPacific Rim’\u003C\/b\u003E\u003C\/span\u003E\u003C\/a\u003E foi literalmente um dos piores filmes do ano, e um dos piores \u003Ci\u003Eblockbusters \u003C\/i\u003Eque eu já vi em toda a minha vida. Só fachada sem substância. Só efeitos especiais sem conteúdo. Só ambição artística sem uma pinga de expressividade. Pode culpar-me o leitor por não ter ido ver o seu filme seguinte: \u003Cb\u003E‘Crimson Peak’ (2015)\u003C\/b\u003E?\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"É o cinema que fica a perder quando se dá um prémio a um filme de menor qualidade só para demarcar uma posição social (...)\u0026nbsp;‘The Shape of Water’ é um filme morno em termos de realização, o \u003Ci\u003Edesign \u003C\/i\u003Ede produção está bem trabalhado mas não tem vida, a fotografia é rotineira, a dimensão alegórica é inacreditavelmente superficial e as suas homenagens à história do cinema são bastante preguiçosas. Mas ganhou. Dá que pensar.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-kfEtMu2ss0M\/WqJmtTGnnfI\/AAAAAAAALmc\/z5XPOlz1MOIruVXZROkZ9iQxsneFepcAACEwYBhgL\/s1600\/hawkins.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"843\" data-original-width=\"1596\" height=\"211\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-kfEtMu2ss0M\/WqJmtTGnnfI\/AAAAAAAALmc\/z5XPOlz1MOIruVXZROkZ9iQxsneFepcAACEwYBhgL\/s400\/hawkins.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EPois bem, como o leitor bem sabe chegamos à actual época de prémios e o novo filme de \u003Cb\u003Edel Toro\u003C\/b\u003E, ‘The Shape of Water’, começou a arrecadar galardões, principalmente ao nível da realização. Vê-lo tornou-se uma inevitabilidade de quem segue, cada vez com maior desdém, estas coisas e assim o fiz no passado sábado à tarde. Fiquei extremamente desapontado. Estava à espera das habituais falhas de \u003Cb\u003Edel Toro\u003C\/b\u003E, mas pelo menos algo do calibre de \u003Cb\u003E‘El laberinto del fauno’ (2006)\u003C\/b\u003E. Não foi o caso. E por isso ainda mais surpreendido fiquei quando no passado domingo bateu \u003Ca href=\"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2018\/02\/three-billboards-outside-ebbing-missouri.html\"\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E\u003Cb\u003E‘Three Billboards Outside Ebbing, Missouri’\u003C\/b\u003E\u003C\/span\u003E\u003C\/a\u003E para se tornar o grande vencedor da 90º cerimónia dos Óscares, com quatro estatuetas: Melhor Filme, Realizador, Design de Produção e Banda Sonora. Para mim, muito sinceramente, foi a maior parvoíce desde que deram o galardão a \u003Ca href=\"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2017\/12\/the-kings-speech.html\"\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E\u003Cb\u003E‘The King's Speech’\u003C\/b\u003E\u003C\/span\u003E\u003C\/a\u003E.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003ETodos sabemos que os Óscares se tornaram uma cerimónia que mistura interesses económicos (por isso só filmes de géneros populistas podem ganhar) com interesses sociais (é preciso apaziguar as minorias e abordar temas sociais da moda) e que está mais preocupado com a sua própria popularidade e a popularidade dos seus \u003Ci\u003Eboys \u003C\/i\u003Edo que com o verdadeiro cinema. Podemos dar exemplos daqui até depois de amanhã de como isto funciona assim. Não vale a pena. Todos sabemos isso. Tal como todos sabemos que um filme da Disney\/Pixar vai sempre ganhar Melhor Filme de Animação e Melhor Música seja ou não seja o melhor (como aconteceu este ano com \u003Cb\u003E‘Coco’\u003C\/b\u003E). Mas é o cinema que fica a perder.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-GDb9BbROMlo\/WqJmtLIlRAI\/AAAAAAAALmU\/8lYrj2x7INgvQNlXnFoZOb4n-oYUe0WKACEwYBhgL\/s1600\/014_ShapeOfWater_032121_185_23_1080p_ProResHQ_FWM-JacquelynSilverman-FSL-082417.00_15_34_19.Still001-1.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"865\" data-original-width=\"1600\" height=\"215\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-GDb9BbROMlo\/WqJmtLIlRAI\/AAAAAAAALmU\/8lYrj2x7INgvQNlXnFoZOb4n-oYUe0WKACEwYBhgL\/s400\/014_ShapeOfWater_032121_185_23_1080p_ProResHQ_FWM-JacquelynSilverman-FSL-082417.00_15_34_19.Still001-1.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EO maior problema para mim é precisamente esse. É o cinema que fica a perder quando se perpetua a mediocridade cinematográfica, ou seja, quando se dá um prémio a um filme de menor qualidade só para demarcar uma posição social. Os Óscares são prémios de CINEMA, não são prémios humanitários. E é o cinema que fica a perder quando se tenta evitar um preconceito para promover outro. A integração e a qualidade cinematográfica podem andar de mão dada, claro. Mas uma não pode ser obtida às custas da outra. Não se podem descriminar grandes filmes ou grandes interpretações só porque não correspondem à causa que nesse particular ano os Óscares e a comunicação social estão a defender, porque isso também é uma forma de descriminação. \u003Ci\u003ECaros realizadores não precisam de fazer grandes filmes\u003C\/i\u003E, parece a Academia dizer; \u003Ci\u003Enem nos interessa a vossa mestria. Só nos interessa se o tema da vossa obra coincide com o tema social do ano\u003C\/i\u003E…\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"À superfície o filme parece ser “artístico”, na forma pausada como o drama é construído, na suposta subtileza emocional, na diversificada cenografia, na simplicidade alegórica do seu romance. Mas um escrutínio atento revela que isso é apenas fachada. O maior problema que tenho com ‘The Shape of Water’ é precisamente que o filme não tem profundidade. Ela parece lá estar mas não está. (...) É só ambição artística sem uma pinga de expressividade\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EOra bem, ‘The Shape of Water’ cai um bocado nesta esparrela – se não caísse nunca poderia ter ganho o Óscar de Melhor Filme. O ano passado \u003Ca href=\"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2017\/02\/la-la-land.html\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E‘La La Land’\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/a\u003E era um filme com uma realização de mestre, um design de produção soberbo, uma fotografia incrível, um trabalho de câmara invejável, uma dimensão alegórica acutilante, para além de ser uma extraordinária homenagem à história do cinema. Não ganhou e o motivo principal foi “porque é um musical”, a desculpa mais patética que eu já ouvi. Já ‘The Shape of Water’ é um filme morno em termos de realização, o \u003Ci\u003Edesign \u003C\/i\u003Ede produção está bem trabalhado mas não tem vida, a fotografia é rotineira, a dimensão alegórica é inacreditavelmente superficial e as suas homenagens à história do cinema são bastante preguiçosas. Mas ganhou. Dá que pensar.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-KjCINY2rHHI\/WqJmtxr0DZI\/AAAAAAAALmg\/GcWIaeZ-ALMmewJMuGuGxvYHP_chs0NKgCEwYBhgL\/s1600\/lead_960.png\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"570\" data-original-width=\"960\" height=\"237\" src=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-KjCINY2rHHI\/WqJmtxr0DZI\/AAAAAAAALmg\/GcWIaeZ-ALMmewJMuGuGxvYHP_chs0NKgCEwYBhgL\/s400\/lead_960.png\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EClaro que o cinéfilo dedicado sabe perfeitamente como estas coisas são possíveis. \u003Cb\u003EDel Toro\u003C\/b\u003E é mexicano, e a Academia está a estabelecer relações fortes com o México numa posição contra a Casa Branca. Mas não é só isso. Os Óscares são integradores (nisso concedo) na medida em que os seus grandes vencedores apontam sempre para públicos alargados; esses que não sabem quem foi \u003Cb\u003EJacques Demy\u003C\/b\u003E e por isso não podem apreciar a beleza de\u0026nbsp;\u003Ca href=\"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2017\/02\/la-la-land.html\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E‘La La Land’\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/a\u003E\u0026nbsp;em pleno. Mas podem apreciar perfeitamente este ‘The Shape of Water’, enquanto se iludem que estão a ver arte cinematográfica de topo. Porque à superfície o filme parece ser “artístico”, na forma pausada como o drama é construído, na suposta subtileza emocional, na diversificada cenografia, na simplicidade alegórica do seu romance. Mas um escrutínio atento revela que isso é apenas fachada. O maior problema que tenho com ‘The Shape of Water’ é precisamente que o filme não tem profundidade. Ela parece lá estar mas não está. Retomo as palavras que usei em cima para descrever \u003Ca href=\"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2013\/07\/pacific-rim.html\"\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E\u003Cb\u003E‘Pacific Rim’\u003C\/b\u003E\u003C\/span\u003E\u003C\/a\u003E: “Só ambição artística sem uma pinga de expressividade”. Precisamente. Só não vê quem não quer.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E‘The Shape of Water’ começa com a cadência de \u003Cb\u003E‘Amelie’ (2001)\u003C\/b\u003E (que recorde-se não ganhou nenhum dos 5 Óscares para que esteve nomeado). A rotina cinematográfica é a mesma, na montagem, no \u003Ci\u003Edesign \u003C\/i\u003Ede produção, na música, na forma como a personagem principal, Elisa (mais uma latina) é introduzida. Coincidência? Não me parece. Homenagem? Também não. Aliás, o filme mostrará pouca classe (ao contrário de\u0026nbsp;\u003Ca href=\"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2017\/02\/la-la-land.html\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E‘La La Land’\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/a\u003E) na forma como inserirá as suas referências cinematográficas. Idem para as referências de época (os anos 1960) embora neste caso não me importe muito porque \u003Cb\u003Edel Toro\u003C\/b\u003E constrói uma espécie de realidade alternativa ilusória (típica dele) que enfatiza a alegoria. O facto de Elisa morar em cima de um cinema supostamente também contribuiria para isso, mas tal infelizmente não acontece, porque nunca se sente a relação dela com a sétima arte, nem esta verte no arco das suas emoções.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"A questão que imediatamente se coloca e que põe em causa a integridade do filme é porque é que uma base ultra-secreta do governo tem umas empregadas de limpeza absolutamente normais? Não podiam uns soldados raso tratar disso? E estas empregadas não estão sujeitas a nenhum tipo de controlo à entrada e à saída? Não assinaram nenhum protocolo de confidencialidade? É tudo demasiado, oh demasiado, conveniente.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-uziLMZ4JMPk\/WqJmt2kuahI\/AAAAAAAALmk\/fqeT8cAFIhsSpEuBUqv9rLnNJYk1RwJkgCEwYBhgL\/s1600\/jhlq3hkfgv3hidis0lbk.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"900\" data-original-width=\"1600\" height=\"225\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-uziLMZ4JMPk\/WqJmt2kuahI\/AAAAAAAALmk\/fqeT8cAFIhsSpEuBUqv9rLnNJYk1RwJkgCEwYBhgL\/s400\/jhlq3hkfgv3hidis0lbk.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EInterpretada com subtileza pela talentosa \u003Cb\u003ESally Hawkins\u003C\/b\u003E (embora o realizador pouco consiga captar, mais uma vez, para além da fachada), Elisa é uma empregada da limpeza muda que faz o turno da noite numa base secreta do governo. As primeiras cenas estabelecem a sua rotina solitária em casa; o acordar, o momento de auto-prazer na banheira (totalmente desnecessário para a personagem mas \u003Ci\u003Ehey\u003C\/i\u003E, é uma desculpa para nudez e o sexo – haverão outras), e a visita ao seu vizinho também solitário Giles, um pintor homossexual interpretado por \u003Cb\u003ERichard Jenkins\u003C\/b\u003E (o melhor actor do filme). Depois, Elisa desloca-se para o trabalho, que partilha com Zelda (\u003Cb\u003EOctavia Spencer\u003C\/b\u003E), uma mulher que tem palavreado suficiente para as duas. Noite após noite limpam o chão das instalações, e têm acesso livre e não controlado aos seus mais secretos recônditos.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EA questão que imediatamente se coloca e que põe em causa a integridade do filme é porque é que uma base ultra-secreta do governo tem umas empregadas de limpeza absolutamente normais? Não podiam uns soldados raso tratar disso? E estas empregadas não estão sujeitas a nenhum tipo de controlo à entrada e à saída? Não assinaram nenhum protocolo de confidencialidade? É tudo demasiado, oh demasiado, conveniente. Dessa forma, Elisa e Zelda rapidamente se vão aperceber que há algo de estranho nesta base. Elas estão lá, a limpar o chão de sangue e água e a ouvir tudo perfeitamente quando os agentes e os cientistas discutem assuntos confidenciais entre si. E estão lá quando uma criatura supostamente encontrada num rio da América do Sul (inspirada a 100% no monstro do clássico \u003Cb\u003E‘Creature from the Black Lagoon’, 1954\u003C\/b\u003E) é introduzida no complexo. Muito calmamente, à frente de todos, sem que ninguém a impeça, Elisa aproxima-se da caixa e vê-a. Depois, em segredo, de novo sem que ninguém a impeça, começa a ser visita frequente no compartimento onde a guardam e começa a interagir com ela. Repito, tudo demasiado, oh demasiado, conveniente.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-dTfjKK6nUVI\/WqJmtH4U5QI\/AAAAAAAALmY\/cndAaMiUozkHbtItMAnMl8kGMCKPHPdLwCEwYBhgL\/s1600\/The-Shape-of-Water-Still.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"523\" data-original-width=\"976\" height=\"213\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-dTfjKK6nUVI\/WqJmtH4U5QI\/AAAAAAAALmY\/cndAaMiUozkHbtItMAnMl8kGMCKPHPdLwCEwYBhgL\/s400\/The-Shape-of-Water-Still.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EMas o filme sabe que a relação entre Elisa e a criatura nunca será suficiente para suster a trama, pelo menos como está retratada, por isso procura uma maior dimensão emocional ao focar-se (em demasia) nas personagens secundárias. Assim, assistimos ao inconformismo de Zelda, uma afro-americana bastante emancipada (para a época). Assim, assistimos à paixão de Giles por um jovem empregado da cafetaria local e ao seu afastamento da agência publicitária onde trabalhava (insinua-se que por ser homossexual, mas nunca é especificado). Uma muda latina, uma afro-americana nos conturbados anos 1960 e um homossexual. O sonho de qualquer Óscar…\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\u003Cb\u003E\"O filme quer-nos fazer querer que (..) através de uma silenciosa compreensão mútua, Elisa e a criatura formam um elo emocional. Mas nós só sabemos isso porque é o que está na sinopse. Não há nada que o filme nos mostre que nos permita acreditar nisso. (...) Em 2 horas, Elisa partilha talvez 10 minutos de cenas com a criatura. Tudo é fugidio sob a máscara da “cena artística” (...) O espectador tem de ter mesmo o coração aberto para acreditar\"\u003C\/b\u003E\u003C\/span\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EE na base governamental seguimos mais dois homens. Strickland (um intenso, viril e multifacetado \u003Cb\u003EMichael Shannon\u003C\/b\u003E) é o agente enviado para supervisionar os procedimentos, algo que ele vê como uma forma de subir na vida. Também temos um vislumbre da sua vida pessoal; o típico homem violento que precisa de um grande carro para mostrar a sua virilidade mas depois só consegue corresponder sexualmente com certos estímulos. Por fim, o Dr. Hoffstetler (típica interpretação de \u003Cb\u003EMichael Stuhlbarg\u003C\/b\u003E), o cientista responsável pela criatura, é mais dedicado ao seu trabalho mas também ele esconde um segredo que supostamente adiciona uma camada de tensão embora, muito sinceramente, o filme não faça grande alarido sobre isso.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-ogeqQR9-9cc\/WqJmu54m5vI\/AAAAAAAALmw\/kTaHjf2hz6YQQ5kFc8Y9bIDyPkR3-8iogCEwYBhgL\/s1600\/shape-of-water-4-1024x554.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"554\" data-original-width=\"1024\" height=\"216\" src=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-ogeqQR9-9cc\/WqJmu54m5vI\/AAAAAAAALmw\/kTaHjf2hz6YQQ5kFc8Y9bIDyPkR3-8iogCEwYBhgL\/s400\/shape-of-water-4-1024x554.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EStrickland existe por um propósito claro: representar a violência e a ignorância do sistema contra o desconhecido. Vemo-lo a maltratar a criatura apenas para contrastar com a ligação que se estabelece entre esta e Elisa. O filme quer-nos dizer que ninguém mostrou compaixão pela criatura até Elisa aparecer, mas está a enganar tolos. Apesar de haver várias cenas da criatura a sofrer maus tratos de Strickland, não há uma única cena (uma única!) da criatura com o dr. Hoffstetler, que supostamente cuida bem dele (o seu interesse é científico). Obviamente, mostrar isso seria tirar poder às cenas em que Elisa surge como a salvadora compreensiva de uma criatura discriminada só porque é diferente (o sonho de qualquer Óscar…). E o filme está tão preocupado a estabelecer isso que nem se apercebe que a presença da criatura ali nunca é explicada. Que pretendem os cientistas americanos? Trouxeram-no de um rio da América do Sul apenas para a maltratar? Estilo \u003Cb\u003E‘Hostel’\u003C\/b\u003E?! Parece.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EMas note-se também outra coisa. A evolução da relação entre Elisa e a criatura está pessimamente gerida. O filme quer-nos fazer querer que primeiro através da comida, depois da música, e sempre através de uma silenciosa compreensão mútua, Elisa e a criatura formam um elo emocional, quiçá de amor. Mas nós, espectadores, só sabemos isso porque é o que está na sinopse. Não há nada, absolutamente nada, que o filme nos mostre que nos permita acreditar nisso. Essa é a sua principal falha, não só emocional, como em termos de obra de ficção artística. Num filme de duas horas, Elisa partilha talvez dez minutos de cenas com a criatura (não contei, posso estar enganado, mas é o que parece). Tudo é fugidio sob a máscara da “cena artística”; um leve olhar através do vidro, duas mãos que se tocam, uma dança fantasiosa a preto e branco que recorda \u003Cb\u003EFred \u0026amp; Ginger\u003C\/b\u003E, e mais tarde um encontro íntimo. Realmente, mais tempo é perdido na relação platónica de Giles com o empregado do café. O espectador tem de ter mesmo o coração aberto para acreditar neste conto de fadas, porque o filme, por si, não nos leva lá, o que é uma gigantesca decepção.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"No final a mesma falta de emoções permanece, embora o filme finja que não. As consequências emocionais nas outras personagens (...) são, paradoxalmente, mais trabalhadas do que o arco de Elisa, que se mantém monocórdica do início ao fim, ou da criatura que é apenas uma presença sem vida, uma desculpa, embora não se saiba bem uma desculpa para quê. Como tudo o resto neste filme só podemos supor.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-3cD4DYACg1U\/WqJmuDgndxI\/AAAAAAAALmo\/_lRBCYhDp08pDyQy9RIKLSbkQAT3SFSAACEwYBhgL\/s1600\/newsEngin.20612746_1Film_Review_The_Shape_of_Wa.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"422\" data-original-width=\"750\" height=\"225\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-3cD4DYACg1U\/WqJmuDgndxI\/AAAAAAAALmo\/_lRBCYhDp08pDyQy9RIKLSbkQAT3SFSAACEwYBhgL\/s400\/newsEngin.20612746_1Film_Review_The_Shape_of_Wa.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EDesta forma, Elisa decide resgatar a criatura das maléficas garras do governo americano. Então engendra um plano que terá, de forma planeada ou não planeada, a ajuda preciosa dos seus amigos Giles e Zelda mas também do Dr. Hoffstetler que tem as suas próprias razões. E se algumas vez achou, caro leitor, que no cinema os assaltos ou as fugas de prisão parecem sempre demasiado fáceis, espere até ver como duas empregadas da limpeza conseguem resgatar um extra-terrestre de uma base de alta segurança. Lindo.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EA partir daqui esperar-se-ia que a relação de Elisa com a criatura se tornasse mais profunda, mas não é o caso. A mesma falta de emoções permanece, embora o filme finja que não. As consequências emocionais nas outras personagens; a aceitação de Giles da sua condição; a redenção de Hoffstetler ou a sede vingativa de Strickland são, paradoxalmente, mais trabalhadas do que o arco de Elisa, que se mantém monocórdica do início ao fim, ou da criatura que é apenas uma presença sem vida, uma desculpa, embora não se saiba bem uma desculpa para quê. Como tudo o resto neste filme só podemos supor. Supomos que seja um paralelismo para a tolerância, para a compreensão humana, para a simplicidade do amor. Isso é o significado óbvio que entendemos que o filme supostamente deveria ter. E por ser tão óbvio supomos, quiçá até assumimos, que tem. Mas na realidade não tem. E este é que é o verdadeiro paradoxo aqui.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-mXUjvEoHD2I\/WqJmsz22LwI\/AAAAAAAALmQ\/3du3_IPOTY8qa1Qx0y5Bh2fnTzCIjKNswCEwYBhgL\/s1600\/094_ShapeOfWater_032121_185_23_1080p_ProResHQ_FWM-JacquelynSilverman-FSL-082417.mov.02_15_47_04.Still012_rgb.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"540\" data-original-width=\"1000\" height=\"215\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-mXUjvEoHD2I\/WqJmsz22LwI\/AAAAAAAALmQ\/3du3_IPOTY8qa1Qx0y5Bh2fnTzCIjKNswCEwYBhgL\/s400\/094_ShapeOfWater_032121_185_23_1080p_ProResHQ_FWM-JacquelynSilverman-FSL-082417.mov.02_15_47_04.Still012_rgb.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EIsto leva-nos ao terceiro acto: a fuga, a redenção, a busca de felicidade e da liberdade (de novo sabemos bem que liberdade é essa… mas o filme não!), que se constroem sem grande dinâmica até ao seu final de conto de fadas. Como o resto, o final soa bem; o plano é belo e idílico, a \u003Ci\u003Evoz off\u003C\/i\u003E complacente, a fotografia favorável e a oscarizada banda sonora de \u003Cb\u003EAlexander Desplat \u003C\/b\u003E(não o seu melhor trabalho) adequa-se ao tom que o filme pretende estabelecer. Mas é apenas isso: algo que soa bem. Ou pelo menos, é assim que eu o entendo. Acho que é preciso uma enorme fé para “acreditar” neste filme. Acreditar no conto de fadas. Acreditar na força desta história de amor. Acreditar que estes brevíssimos eventos que interligam as personagens, fracamente explorados, são suficientes para as redimir. Talvez seja um velho do Restelo. Talvez não tenha fé suficiente. Mas não consigo acreditar, não consigo ligar-me a esta simplória alegoria. Para mim até filmes de Disney com texturas semelhantes têm mais substância.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"'The Shape of Water’ não é um mau filme, mas não é, nem de perto nem de longe, um grande filme. É um filme de cinéfilos feito para quem não é realmente um cinéfilo. Bem-intencionado e feito com coração, é certo. Mas emocionalmente banal, estruturalmente previsível e sem chama (... ) É\u0026nbsp;um daqueles filmes que daqui a muitos anos alguém encontrará num caixote e perguntará incrédulo: “\u003Ci\u003EIsto ganhou o Óscar de Melhor Filme? Como foi possível…\u003C\/i\u003E”\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EPor isso de certa forma até invejo os espectadores que conseguem ter essa fé, essa abertura de espírito para abraçarem um filme destes. É condição absolutamente necessária para o conseguir desfrutar. Nesse sentido, lembrou-me muito \u003Ca href=\"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2013\/03\/hugo-decomposicao-de-um-dos-filmes-mais.html\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E‘Hugo’\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/a\u003E de \u003Cb\u003EScorsese\u003C\/b\u003E, um filme muito aclamado que critiquei da mesma forma. Ambos os filmes partilham uma simplicidade estrutural que é tão superficial que parecem feitos de crianças para crianças. Isto não é propriamente mau, e ‘The Shape of Water’ não é, para todos os efeitos, um mau filme, mas não é, nem de perto nem de longe, um grande filme. É um filme de cinéfilos feito para quem não é realmente um cinéfilo. Bem-intencionado, é certo. Feito com coração, é certo. Mas emocionalmente banal, estruturalmente previsível e sem chama.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-cEJnTwnQpGE\/WqJmu2XDaFI\/AAAAAAAALm0\/_mJTPFRCHDERfaQOrd5tSoM-OrqRjhBrQCEwYBhgL\/s1600\/shapecover.0.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"800\" data-original-width=\"1200\" height=\"266\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-cEJnTwnQpGE\/WqJmu2XDaFI\/AAAAAAAALm0\/_mJTPFRCHDERfaQOrd5tSoM-OrqRjhBrQCEwYBhgL\/s400\/shapecover.0.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EOs críticos geralmente são severos para os \u003Ci\u003Eblockbusters \u003C\/i\u003Esomente porque são \u003Ci\u003Eblockbusters\u003C\/i\u003E. Idem para os musicais, somente porque são musicais. Mas um drama romântico com leves referências cinematográficas não é imediatamente um bom filme só porque é um drama romântico com leves referências cinematográficas. E aqui está o busílis da questão. \u003Cb\u003EDel Toro\u003C\/b\u003E mencionou \u003Cb\u003EDouglas Sirk\u003C\/b\u003E no seu discurso nos Óscares. Pois, \u003Cb\u003ESirk \u003C\/b\u003Etambém fazia telenovelas cinematográficas, alegorias românticas sobre a tolerância, tal como ‘The Shape of Water’ pretende ser. Mas se os filmes de \u003Cb\u003ESirk \u003C\/b\u003Etivessem este nível de superficialidade emocional não se tinham tornado os objectos de culto que são hoje. Pelo contrário, ‘The Shape of Water’ dificilmente passará para a posteridade. Daqui a três meses será recordado porque sairá o DVD\/Blu-ray com o autocolante “Vencedor do Óscar de Melhor Filme”. Daqui a seis meses já toda a gente se esqueceu dele. Daqui a um ano será apenas uma memória distante, se é que será uma memória.\u0026nbsp;\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E‘The Shape of Water’ constitui um sucesso típico destes fugidios tempos modernos. É como um \u003Ci\u003Epost \u003C\/i\u003Eno facebook, é como um discurso nos Óscares. Soa bem porque aborda os temas em voga com uma camada de ostensivamente sentida dignidade e uma sonoridade esperançosa. O suficiente para ter muitos \u003Ci\u003Elikes\u003C\/i\u003E, o suficiente para ter muitos aplausos, o suficiente para ter muitos prémios. No momento, isto é. Daqui a nada será substituído pela “próxima nova coisa”, pela “próxima nova causa”. Ficará perdido num mural, numa lista. Não será recordado até ao fim dos tempos como obras-primas primas vencedoras do Óscar como \u003Cb\u003E‘Ben-Hur’\u003C\/b\u003E, \u003Cb\u003E‘Casablanca’\u003C\/b\u003E, \u003Cb\u003E‘Braveheart’\u003C\/b\u003E ou \u003Cb\u003E‘Lawrence of Arabia’\u003C\/b\u003E. Será um daqueles filmes que daqui a muitos, muitos anos alguém encontrará num caixote e perguntará incrédulo: “\u003Ci\u003EIsto ganhou o Óscar de Melhor Filme? A sério?! Como foi possível…\u003C\/i\u003E”\u003C\/div\u003E"},"link":[{"rel":"replies","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/feeds\/8972861191831772223\/comments\/default","title":"Enviar feedback"},{"rel":"replies","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2018\/03\/the-shape-of-water.html#comment-form","title":"1 Comentários"},{"rel":"edit","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/8972861191831772223"},{"rel":"self","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/8972861191831772223"},{"rel":"alternate","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2018\/03\/the-shape-of-water.html","title":"The Shape of Water"}],"author":[{"name":{"$t":"Eu Sou Cinema"},"uri":{"$t":"http:\/\/www.blogger.com\/profile\/10225016188761425774"},"email":{"$t":"noreply@blogger.com"},"gd$image":{"rel":"http://schemas.google.com/g/2005#thumbnail","width":"16","height":"16","src":"https:\/\/img1.blogblog.com\/img\/b16-rounded.gif"}}],"media$thumbnail":{"xmlns$media":"http://search.yahoo.com/mrss/","url":"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-RagV0ZbQ9O8\/WqJmshlT6qI\/AAAAAAAALmM\/MYgu4yLwPkkdd65NRLcjMIX-LJG833VdACLcBGAs\/s72-c\/885dabdc79a1e472ae30e8f7cb949b81_500x735.jpg","height":"72","width":"72"},"thr$total":{"$t":"1"}},{"id":{"$t":"tag:blogger.com,1999:blog-606086995628430165.post-8677777457167386341"},"published":{"$t":"2017-12-14T00:14:00.000+00:00"},"updated":{"$t":"2017-12-16T23:21:48.462+00:00"},"category":[{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"2010"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Crítica"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Hooper"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Óscar Melhor Filme"}],"title":{"type":"text","$t":"The King's Speech"},"content":{"type":"html","$t":"\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-JMKwsehZ1Y0\/WjDy7OiQQaI\/AAAAAAAALPo\/b25BL5PEOkc90mZ2n314YrPBa9Nd88yJwCLcBGAs\/s1600\/the-kings-speech-poster-5.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"1500\" data-original-width=\"1018\" height=\"400\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-JMKwsehZ1Y0\/WjDy7OiQQaI\/AAAAAAAALPo\/b25BL5PEOkc90mZ2n314YrPBa9Nd88yJwCLcBGAs\/s400\/the-kings-speech-poster-5.jpg\" width=\"271\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cb\u003EAno:\u003C\/b\u003E 2010\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003ERealizador:\u003C\/b\u003E\u0026nbsp;Tom Hooper\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EActores principais:\u003C\/b\u003E\u0026nbsp;Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EDuração: \u003C\/b\u003E118 min\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cb\u003ECrítica:\u003C\/b\u003E Na cerimónia dos Óscares de 27 de Fevereiro de 2011, ‘The King’s Speech’ (\u003Cu\u003Eem português ‘O Discurso do Rei’\u003C\/u\u003E), que levava 12 nomeações, venceu 4 estatuetas: Melhor Argumento Original, Melhor Realizador, Melhor Actor Principal e Melhor Filme (!!!). Num ano que incluía \u003Cb\u003E‘Inception’\u003C\/b\u003E, \u003Cb\u003E‘Black Swan’\u003C\/b\u003E, \u003Cb\u003E‘Blue Valentine’\u003C\/b\u003E ou \u003Cb\u003E‘Biutiful’\u003C\/b\u003E, o comum dos cinéfilos soltou uma valente gargalhada e depois abanou a cabeça descontente mas resignado pelo comercialismo superficial que a outrora altamente prestigiada cerimónia dos Óscares se tornou.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003ETodos sabemos o que é o filme-Óscar hoje em dia. Não pode ser um filme altamente artístico porque os Óscares querem chegar a um público alargado e nem todos os espectadores têm estofo para um \u003Cb\u003E‘The Tree of Life’\u003C\/b\u003E. Nem pode ser um filme que levante muitas questões (filosóficas, existenciais, sociais) para não gerar controvérsia nem muita polémica – não vá isso prejudicar a venda de bilhetes. Mas também não pode ser uma obra de um género “menor” (uma comédia por exemplo) porque os grandes filmes, de acordo com os padrões de alguns, só podem ser dramáticos. Assim, mantendo a ilusão de que a cerimónia continua a alimentar o prestígio e o glamour da arte cinematográfica, o filme-Óscar hoje em dia é um meio termo morno; um filme dramático com consciência social, mas que abdica de ser profundo e artístico para ser acessível e inspirador. Claro que um grande mestre como \u003Cb\u003EClint Eastwood \u003C\/b\u003Eou \u003Cb\u003EIñárritu\u003C\/b\u003E ainda pode fazer um grande filme dentro deste enquadramento, moldando-o aos seus propósitos. Mas nem todos têm esse talento.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"Não é que o filme seja propriamente mau. É preciso salientar que não é. Tem um argumento suficientemente bem escrito, boas interpretações, um exímio design de produção e uma realização sóbria que se ajusta ao material. Mas não é assim tão bom, mesmo tendo em conta que a fasquia do filme-Óscar está hoje bastante rebaixada. ‘The King’s Speech’ é um filme de época inglês “baseado em factos verídicos” totalmente rotineiro.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-Xf7TOiD7V-U\/WjDy34gO85I\/AAAAAAAALPU\/rqfNQ0tX1S47KZzZc6cuT8BAL3aU11v6wCLcBGAs\/s1600\/KS04.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"1067\" data-original-width=\"1600\" height=\"266\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-Xf7TOiD7V-U\/WjDy34gO85I\/AAAAAAAALPU\/rqfNQ0tX1S47KZzZc6cuT8BAL3aU11v6wCLcBGAs\/s400\/KS04.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EA cerimónia dos Óscares já desceu muito baixo em anos recentes, como quando deram o Óscar a \u003Cb\u003E‘Slumdog Millionaire’\u003C\/b\u003E. E hoje em dia está maioritariamente preocupada em refutar acusações de racismo para ser imparcial no seu julgamento. Mas nunca desceu tão baixo como neste ano de ‘The King’s Speech’, o vencedor mais injusto desde \u003Cb\u003E‘Going My Way’ \u003C\/b\u003Eem 1944 e um dos piores filmes a alguma vez ganhar o Óscar de Melhor Filme, na minha humilde opinião. Não é que o filme seja propriamente mau. É preciso salientar que não é. Tem um argumento suficientemente bem escrito, boas interpretações, um exímio design de produção e uma realização sóbria que se ajusta ao material. Mas não é assim tão bom, mesmo tendo em conta que a fasquia do filme-Óscar está hoje bastante rebaixada. ‘The King’s Speech’ é um filme de época inglês “baseado em factos verídicos” totalmente rotineiro. Portanto, é para mim um mistério porque é que foi este e não qualquer outro filme de época inglês “baseado em factos verídicos” a encontrar tamanho sucesso nas cerimónias de prémios.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EBem, na verdade não é assim um mistério tão grande. Claro que um bom marketing é sempre meio caminho andado, não houvessem pressões das distribuidoras internacionais (principalmente a Miramax) para ter sempre um filme de época inglês nomeado para os Óscares (pensemos só nos últimos anos em ‘The Queen’, 2006; \u003Ca href=\"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2014\/02\/philomena.html\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E‘Philomena’, 2013\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/a\u003E, ou \u003Ca href=\"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2015\/01\/the-imitation-game.html\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E‘The Imitation Game’, 2014\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/a\u003E, todos baseados em “personagens reais inspiradoras inglesas”). Mas mais do que o marketing, todo o enquadramento de ‘The King’s Speech’ encaixa como uma luva na definição do filme-Óscar e no tipo de história que leva o espectador comum às salas de cinema nesta época do ano. É uma “história de bastidores” sobre uma personagem famosa, ainda por cima da realeza, ainda por cima com uma deficiência, ainda por cima em tempo de Guerra. Só não explora questões de toxicodependência e homossexualidade, mas já explora o suficiente. E a Weinstein Company bem que aproveitou esta conjuntura, iniciando uma grande campanha para convencer o resto do Mundo (antes sequer do filme ter uma distribuição alargada) de que estava aqui uma obra-prima. A táctica do costume para pré-condicionar os espectadores. Mas a mim é que não me lavam o cérebro, porque eu vejo todo e cada filme por mim, não por aquilo que os outros dizem. E por mim, ‘The King’s Speech’ não é mais que um telefilme histórico inspirador no mesmo comprimento de onda de qualquer outro telefilme histórico inspirador. Nem mais, nem menos. E por isso não tem absolutamente nada que o faça ser “o melhor filme do ano”.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-qc187RkjNs4\/WjDy4qClmHI\/AAAAAAAALPY\/BY5WBCWUbQ8dwCloPzbKlOOo1zWUYWIpACLcBGAs\/s1600\/MV5BMjE4MTk5Mzk3MV5BMl5BanBnXkFtZTcwMTEzNjEzNA%2540%2540._V1_.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"933\" data-original-width=\"1400\" height=\"266\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-qc187RkjNs4\/WjDy4qClmHI\/AAAAAAAALPY\/BY5WBCWUbQ8dwCloPzbKlOOo1zWUYWIpACLcBGAs\/s400\/MV5BMjE4MTk5Mzk3MV5BMl5BanBnXkFtZTcwMTEzNjEzNA%2540%2540._V1_.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E‘The King’s Speech’ é realizado por \u003Cb\u003ETom Hooper\u003C\/b\u003E que até este ponto só practicamente havia feito televisão e dois filmes ingleses, \u003Cb\u003E'Red Dust’ (2004)\u003C\/b\u003E e \u003Cb\u003E‘The Damned United’ (2009)\u003C\/b\u003E. O seu mais que imerecido Óscar de Melhor Realizador (devia ter sido dado a \u003Cb\u003EChristopher Nolan\u003C\/b\u003E) permitiu-o iniciar uma carreira de realizador de filmes-Óscar (seguiram-se o péssimo \u003Cb\u003E‘Les Misérables’, 2012\u003C\/b\u003E, e \u003Cb\u003E‘The Danish Girl’, 2015\u003C\/b\u003E), mas se olharmos bem para ‘The King’s Speech’ vemos que ele se limita quase exclusivamente a filmar o argumento. A câmara move-se lentamente pelos cenários, quase sempre da mesma forma e sem se intrometer, enquanto as personagens conversam; uma lógica que praticamente só é quebrada pelos\u003Ci\u003E close-up \u003C\/i\u003Eintimistas e por vezes enviesados da personagem central: o rei George VI. Este monarca britânico (que reinou entre 1936 e a sua morte em 1952) é interpretado por \u003Cb\u003EColin Firth\u003C\/b\u003E, que adiciona ao seu estilo costumeiro uma persistente gaguez. Vale isso um Óscar? Talvez, apenas porque \u003Cb\u003EFirth\u003C\/b\u003E o faz com uma enorme mestria, tornando algo que é difícil para a personagem fácil para o actor e fazendo-o soar nada forçado para o espectador.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"O “drama” que susterá todo o filme parece-me sempre muito menos grave do que o filme faz crer. Tudo bem, é normal que um príncipe queira ultrapassar a sua inaptidão para falar em público. Mas é difícil de imaginar que a reputação da realeza britânica, e mais tarde os destinos de toda a nação, dependam deste facto exclusivo (....) Esta dualidade torna a premissa dramática pouco credível e consequentemente pouco forte.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EQuando o filme começa o futuro rei é apenas Albert, o segundo na sucessão ao trono atrás do seu irmão mais velho, o exuberante e \u003Ci\u003Ebon vivant\u003C\/i\u003E Edward (\u003Cb\u003EGuy Pearce\u003C\/b\u003E). Assim sendo, como eterno príncipe, a missão de Albert é fazer pequenos discursos e ajudar pequenas causas, como começa por fazer na cena de abertura, numa tarde enevoada em Wembley; a primeira vez que fala oficialmente na rádio. Mas Albert, para além de estar visivelmente nervoso e afectado, tem um problema de gaguez desde a infância, e portanto os seus discursos têm pouca força já que ele se atrapalha constantemente.\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EPara mim, logo nesta primeira cena há algo que não resulta. Parece haver uma reacção excessivamente negativa a mais um discurso “falhado”. Veja-se com a assistência olha para baixo e abana a cabeça, e como a própria família olha para ele com decepção. É este o “drama” que susterá todo o filme, mas parece-me sempre muito menos grave do que o filme faz crer. Tudo bem, é normal que um príncipe queira ultrapassar a sua inaptidão para falar em público. Mas é difícil de imaginar que a reputação da realeza britânica, e mais tarde os destinos de toda a nação, dependam deste facto exclusivo, como o filme passa o tempo inteiro a tentar convencer o espectador. Esta dualidade torna a premissa dramática pouco credível e consequentemente pouco forte.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-IzZ04QJ5MrI\/WjDyyzpHEUI\/AAAAAAAALPE\/ncaBDY8BPpY8SZg8ZwdiXbwC5wemTYcnQCLcBGAs\/s1600\/3fdeef0f7c97870fe7cc25fc784e94b8--kings-speech-film-stills.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"397\" data-original-width=\"736\" height=\"215\" src=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-IzZ04QJ5MrI\/WjDyyzpHEUI\/AAAAAAAALPE\/ncaBDY8BPpY8SZg8ZwdiXbwC5wemTYcnQCLcBGAs\/s400\/3fdeef0f7c97870fe7cc25fc784e94b8--kings-speech-film-stills.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EPara além do mais, é um daqueles filmes em que já sabemos o final antes de começar. Não estaríamos a ver esta história se Albert eventualmente não se tornasse rei, nem se Albert nunca tivesse ultrapassado o seu problema de gaguez antes do seu importante discurso no início da Segunda Guerra Mundial. Portanto, é o caminho até esse fim previsível (que surgirá sem qualquer tipo de \u003Ci\u003Esuspense\u003C\/i\u003E dramático) suficientemente interessante para prender o espectador à cadeira? Na minha opinião não. Principalmente porque o filme é monocórdico. As cenas sucedem-se umas atrás das outras sem grandes picos de emoção nos mais ou menos subtis elementos dramáticos. O filme é uma autêntica telenovela histórica, uma algo distorcida lição de história sobre uma nota de rodapé, com o intuito de dar humanidade a personagens famosas e daí tirar momentos inspiradores para o público actual. Cabe a cada espectador sentir se esse tipo de material lhe apela ou não.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EA história, como não podia deixar de ser, é imensamente simples. A esposa de Albert, a futura Rainha Isabel (se \u003Cb\u003EFirth\u003C\/b\u003E ganhou o Óscar, \u003Cb\u003EHelena Bonham Carter \u003C\/b\u003Etambém deveria ter ganho), farta de o ver a “falhar” constantemente desta maneira e dos empertigados especialistas da corte que há anos não resolvem o problema do marido, decide requisitar os serviços de um pouco ortodoxo terapeuta da fala, o australiano Lionel Logue (interpretado pelo australiano \u003Cb\u003EGeoffrey Rush\u003C\/b\u003E). Nós já vimos \u003Cb\u003ERush\u003C\/b\u003E a ser o “mentor” uma série de vezes, e aqui é simplesmente mais uma, embora com a sua fascinante classe costumeira e com um bom desenvolvimento da sua personagem (mais até que a de Albert, porque tem mais contexto e naturalidade).\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"O filme é monocórdico. As cenas sucedem-se umas atrás das outras sem grandes picos de emoção nos mais ou menos subtis elementos dramáticos. O filme é uma autêntica telenovela histórica, uma algo distorcida lição de história sobre uma nota de rodapé, com o intuito de dar humanidade a personagens famosas e daí tirar momentos inspiradores para o público actual. Cabe a cada espectador sentir se esse tipo de material lhe apela ou não.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-7Z5FytrNgw4\/WjDy6eVXeyI\/AAAAAAAALPk\/5O0r-tncb78SFPBoH3k-IQAlAwplX8IXwCLcBGAs\/s1600\/the-kings-speech-movie-photo-02.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"507\" data-original-width=\"1048\" height=\"192\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-7Z5FytrNgw4\/WjDy6eVXeyI\/AAAAAAAALPk\/5O0r-tncb78SFPBoH3k-IQAlAwplX8IXwCLcBGAs\/s400\/the-kings-speech-movie-photo-02.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EContudo, apesar do filme se esforçar para que a relação entre os dois homens constitua o cerne emocional da história, o seu conteúdo é cíclico, relativamente desinteressante e previsível. É verdade que as cenas das “aulas” entre o Albert e Lionel são das mais fascinantes do filme, pois há química entre os dois actores, os diálogos fluem e há pequenos momentos de humor que ajudam a passar o tempo. Aliás, há também algum trabalho em definir a ponte emocional entre os dois homens. Lionel, um ávido fã de Shakespeare, é excelente na sua profissão mas paradoxalmente péssimo a declamar em teatro amador. Já Albert, na intimidade da sua família, esquece a gaguez e torna-se um excelente contador de histórias. Contudo, apesar deste trabalho, quando é preciso ir mais além, o oscarizado argumento parece saído de uma aula de primeiro ano, primeiro semestre, do curso “como escrever um argumento”.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EPermitam-me que recorde \u003Cb\u003E‘My Fair Lady’ (1964)\u003C\/b\u003E e a relação entre outro terapeuta da fala, Henry Higgins, com a Eliza de \u003Cb\u003EAudrey Hepburn\u003C\/b\u003E. O crescimento da sua relação vai estando sempre intrinsecamente ligado ao sucesso das aulas e dos exercícios. Mas em ‘The King’s Speech’ só vemos os exercícios como mecânica para oferecer alguma comédia de situação, não para exacerbar a relação entre professor e aluno. Os momentos de crescimento entre ambos são obtidos quando estão os dois sentados no sofá durante as pausas, e portanto os grandes avanços na cura (pelo menos aqueles que o filme mostra) são conseguidos não através da terapia da fala, mas da terapia psicológica. Lionel transcenderá a sua função de terapeuta, para se tornar uma espécie de mentor do futuro rei, guiando-lhe os passos para se tornar um justo governante. Por esse motivo tudo soa, mais uma vez, forçado. Por exemplo, quando Albert finalmente confia o suficiente em Lionel para lhe revelar pormenores da sua infância, notamos claramente que o está a fazer não para Lionel, mas para benefício do espectador. Quando assim é, a ilusão perde-se.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-9Z_TwE3ai20\/WjDy37MrTTI\/AAAAAAAALPQ\/Kd2PoTtZV4U9X3wUJWCY8fm9ADsCh7O0QCLcBGAs\/s1600\/M0020027_feature3__3.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"552\" data-original-width=\"1024\" height=\"215\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-9Z_TwE3ai20\/WjDy37MrTTI\/AAAAAAAALPQ\/Kd2PoTtZV4U9X3wUJWCY8fm9ADsCh7O0QCLcBGAs\/s400\/M0020027_feature3__3.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EMas há algo que resulta ainda pior. Estas cenas têm uma circularidade enervante. Relutante em sujeitar-se aos exercícios e às sessões de psicologia, Albert acaba sempre por discutir com Lionel por uma razão ou por outra e decide ir-se embora com um enfático “\u003Ci\u003Eestas aulas terminaram\u003C\/i\u003E”. Ambos amuam por mais tempo do que seria normal, mas depois, por uma razão ou por outra, acabam sempre por fazer as pazes e retomar. Acho que os dois homens se acabam por ligar mais por cansaço desta rotina do que por outra coisa qualquer, a não ser talvez por um interesse algo interesseiro que o filme se esquece convenientemente de explorar (afinal Lionel está a trabalhar para um membro da realeza, não ganha nada em deixar de o fazer…). O espectador, esse, ainda mais cansado fica com tanto “\u003Ci\u003Ebreak-up\u003C\/i\u003E” e “\u003Ci\u003Emake-up\u003C\/i\u003E”, mas é praticamente só disso que vive o filme.\u0026nbsp;\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"E quando consegue fazer o discurso sem gaguejar (...), o filme fica com uma incompreensível sensação de dever cumprido e uma aura heróica. A Segunda Guerra Mundial está prestes a começar? Hitler está prestes a matar 6 milhões de Judeus? Não há crise meus amigos. O Rei fez um discurso sem gaguejar! Tudo ficará bem. Hip Hip… Hurray!… Patético.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EAté que de repente o filme encontra o seu outro propósito, quando Albert se vê de um momento para o outro na iminência de se tornar o próximo rei. Numa linha argumental secundária que o filme vai seguindo em paralelo, percebemos ao de leve a instabilidade política que o Reino Unido vive nas vésperas da Segunda Guerra Mundial. Estas cenas tipicamente de “romance histórico inglês” permitem-nos passar pela demência e morte do Rei George V (\u003Cb\u003EMichael Gambon\u003C\/b\u003E), a demissão do primeiro ministro e principalmente pelo autêntico melodrama em torno do príncipe herdeiro. Edward sempre viveu uma vida de ócio, festas e mulheres, e agora que é Rei pretende casar com uma mulher divorciada. Isso é demais para os padrões da realeza britânica e ocorre um ultimato interno; se quer casar com ela tem que abdicar do trono. É isso que acaba por fazer.\u0026nbsp;\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-1K7WDrB_LbI\/WjDy5rIog6I\/AAAAAAAALPc\/jEo7Ox9H34gxjGs2Sf3FfXM0hs9nZFocACLcBGAs\/s1600\/speech_1830638b.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"388\" data-original-width=\"620\" height=\"250\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-1K7WDrB_LbI\/WjDy5rIog6I\/AAAAAAAALPc\/jEo7Ox9H34gxjGs2Sf3FfXM0hs9nZFocACLcBGAs\/s400\/speech_1830638b.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EE é assim que Albert se encontra, quase de surpresa, no trono, no preciso momento em que a nação entra na Guerra contra os nazis. Escusado será dizer que este período coincide com um dos momentos em que está chateado com Lionel, pelo que o seu problema, com todo o stress desta situação, se agrava consideravelmente (\u003Ci\u003Eo drama, o horror!\u003C\/i\u003E). De novo, isto seria o menos importante, não chegasse o filme ao seu objectivo e ao seu suposto momento inspirador que eu, até hoje, não consigo perceber se é assim tão inspirador como nos dizem. Neste momento crítico para a nação, Albert, agora o Rei George VI, tem de fazer um discurso. Afinal de contas é o Rei, pelo que isso é mais do que esperado. Mas para mostrar força, para mostrar que a Inglaterra não se vai deter perante a ameaça nazi, que vai lutar até ao último homem, o Rei não pode gaguejar. Faz sentido… até certo ponto.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EConcordo que o Rei não possa hesitar, nem mostrar vulnerabilidade nem timidez como fazia inicialmente sempre que discursava. Agora se conseguisse mostrar força e confiança mesmo gaguejando numa ou noutra palavra, não creio que isso fosse muito grave ou fizesse grande diferença à nação inteira que o ouvia através do rádio. Portanto o real problema, para mim, não é o gaguejo. É a confiança que George demonstra a falar em público. Isso está implícito, claro, mas na maior parte do tempo o filme foca-se única e exclusivamente no gaguejo como se isso fosse a grande questão. A mais que esperada reentrada em cena de Lionel e até o drama interior de Albert são passados para segundo plano perante esta expectativa: gaguejará ou não gaguejará. E quando consegue fazer o discurso sem gaguejar (não há surpresa que o iria fazer, pois não?), o filme fica com uma incompreensível sensação de dever cumprido e uma aura heróica. A Segunda Guerra Mundial está prestes a começar? Hitler está prestes a matar 6 milhões de Judeus? Não há crise meus amigos. O Rei fez um discurso sem gaguejar! Tudo ficará bem. Hip Hip… Hurray!… Patético.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"Nos vários departamentos técnicos (design de produção, guarda roupa), nas interpretações (...), na excelente partitura (...) e na vertente de romance histórico (...) conseguirá satisfazer facilmente os fãs deste tipo de obras. Mas isso não é suficiente para tornar esta obra um grande filme, porque o enfoque não é esse. O enfoque é um drama íntimo de um homem que quer perder a gaguez por motivos, note-se, quase egocêntricos.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-hYGV_OzHYB4\/WjDy02cmn6I\/AAAAAAAALPM\/kCUbDiQgRRUp4B8TlYaX7hfACw7vc5r4wCLcBGAs\/s1600\/KS01.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"1000\" data-original-width=\"1500\" height=\"266\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-hYGV_OzHYB4\/WjDy02cmn6I\/AAAAAAAALPM\/kCUbDiQgRRUp4B8TlYaX7hfACw7vc5r4wCLcBGAs\/s400\/KS01.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003ESinceramente, e tendo em conta a atenção mediática que este filme teve, ‘The King’s Speech’ é uma grande decepção para o cinéfilo experienciado. Pode-se dizer que é um típico drama histórico inglês, e portanto nos vários departamentos técnicos (design de produção, guarda roupa), nas interpretações (ainda \u003Cb\u003ETimothy Spall\u003C\/b\u003E como um excelente Churchill e \u003Cb\u003EDerek Jacobi \u003C\/b\u003Ecomo o Arcebispo), na excelente partitura do compositor \u003Cb\u003EAlexandre Desplat\u003C\/b\u003E (que curiosamente não venceu o Óscar) e na vertente de romance histórico (principalmente nas “intrigas” da sucessão ao trono) conseguirá satisfazer facilmente os fãs deste tipo de obras. Mas isso não é suficiente para tornar esta obra um grande filme, porque o enfoque não é esse. O enfoque é um drama íntimo de um homem que quer perder a gaguez por motivos, note-se, quase egocêntricos. De facto, Albert nunca é visto a falar sobre os destinos da sua nação, apenas do seu dever e do desejo de o cumprir (leia-se deixar de gaguejar). Até o seu heroico discurso é escrito por um assessor, não por ele. A sua missão é apenas declamá-lo. Portanto não sabemos se será um bom rei. Só sabemos que deixou de gaguejar. Isso é suficiente? Dificilmente. Mas temos que o aceitar como condição \u003Ci\u003Esine qua non\u003C\/i\u003E deste tipo de filmes. Quem vê \u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2015\/01\/the-imitation-game.html\"\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E‘The Imitation Game’\u003C\/span\u003E\u003C\/a\u003E \u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003Etambém fica com a impressão que foi Alan Turing que venceu Guerra sozinho…\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003ENo fundo, acho que ‘The King’s Speech’ não sabe bem o que quer ser, para além de um inspirador filme-Óscar. É sobre a luta interna de um homem com um problema de fala? É sobre a relação de amizade entre dois homens? É sobre um período conturbado na história de um país e de um homem que, quase sem querer, se vê na liderança dos destinos da nação? Ou é sobre o próprio discurso, da história da sua concepção e da importância que teve, como outros discursos icónicos como o de Lincoln em Gettysburg, o “I Have a Dream” de Martin Luther King, ou o próprio “We Will Never Surrender” de Churchill que ainda teve recentemente um subtil destaque no final de \u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2017\/07\/dunkirk.html\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E‘Dunkirk’ (2017)\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/a\u003E? Qualquer um destes tópicos daria um filme consistente, mas este filme oscila instavelmente entre eles. Provavelmente porque sabe que suster-se no gaguejo não seria suficiente. Mas como não se decide, no final não há realmente um fio condutor sólido que seja apelativo e profundo.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-7Z5FytrNgw4\/WjDy6eVXeyI\/AAAAAAAALPk\/5O0r-tncb78SFPBoH3k-IQAlAwplX8IXwCLcBGAs\/s1600\/the-kings-speech-movie-photo-02.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"507\" data-original-width=\"1048\" height=\"192\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-7Z5FytrNgw4\/WjDy6eVXeyI\/AAAAAAAALPk\/5O0r-tncb78SFPBoH3k-IQAlAwplX8IXwCLcBGAs\/s400\/the-kings-speech-movie-photo-02.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EMas é curioso notar (ou não) que isso pouco interessa ao filme. Como não interessam as notórias liberdades poéticas tomadas nos diálogos entre Lionel e Albert. Passou-se assim? Claro que não. Mas a ilusão do romance histórico e do glamour lustroso destas personagens é assim mantida com um enorme sucesso (como aliás os prémios que recebeu comprovam). Tudo o que interessa é que esta “celebridade” obtenha o que quer, para que o filme possa vendê-lo como uma história de coragem com uma dúbia moral semi-inspiradora. Tudo o que interessa é que hajam ridículos apartes só para o espectador se poder sentir dentro da piada e em cumplicidade com o filme (como por exemplo a insistência em mostrar a pequena filha do Rei, a futura Rainha Isabel II).\u0026nbsp;\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"A sua ambição leva-o a entrar por um caminho de lugares comuns e incongruências q\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003Cspan style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\u003Cb\u003Eue o crítico experienciado abomina\u003C\/b\u003E\u003C\/span\u003E\u003C\/span\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E. Simplesmente não tem arcaboiço para tornar esta sua pequena historieta num elemento fulcral do drama político. Simplesmente, já vimos esta história não sei quantas vezes antes (...) Assim se transforma uma obra com uma visível qualidade técnica e argumental numa telenovela morna, enfadonha e previsível\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003ENa minha opinião ‘The King’s Speech’ teria ganho com uma abordagem muito mais simples. Ganho credibilidade, isto é, não prémios. Este pequeno aparte da história britânica podia ter gerado um filme engraçadito que brincasse com as convenções, mas fosse consciente da sua pouca importância. Podia estar aqui um triunfo como \u003Cb\u003E‘The Madness of King George’ (1994)\u003C\/b\u003E. Mas ‘The King’s Speech’ não quer ser uma comédia de costumes, quer ser um filme-Óscar, e esta sua ambição leva-o a entrar por um caminho de lugares comuns e incongruências que o crítico experienciado abomina. Simplesmente o filme não tem arcaboiço para tornar esta sua pequena historieta num elemento fulcral do drama político, como ambiciona. Simplesmente, já vimos esta história não sei quantas vezes antes com um desportista, um deficiente, um escritor, um pintor ou um político. Assim se transforma uma obra com uma visível qualidade técnica e argumental numa telenovela morna, enfadonha e previsível; uma nota de rodapé que se esquece ainda os créditos finais não chegaram ao fim.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-RHMeG8l1LaE\/WjDy5m9yeII\/AAAAAAAALPg\/v7WHcjyq0i4w8fIw4pNUgA4BnlGfe0zWgCLcBGAs\/s1600\/The-Kings-Speech.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" data-original-height=\"629\" data-original-width=\"1100\" height=\"227\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-RHMeG8l1LaE\/WjDy5m9yeII\/AAAAAAAALPg\/v7WHcjyq0i4w8fIw4pNUgA4BnlGfe0zWgCLcBGAs\/s400\/The-Kings-Speech.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EInspira? Talvez, se acharmos inspirador ver um rei a lutar para ultrapassar um trauma de infância só para fazer boa figura em público, sem interesse por nada ou mais ninguém senão isso (mesmo!). Óscar de Melhor Filme? Claro que não. É uma aceitável telenovela histórica da BBC que resultaria muito melhor como telefilme, boa para ver num sábado à tarde sentado no sofá. Não merece nada estar na mesma lista que \u003Cb\u003E‘Lawrence of Arabia’\u003C\/b\u003E, \u003Cb\u003E‘Gone With the Wind’\u003C\/b\u003E ou \u003Cb\u003E‘Schindler’s List’\u003C\/b\u003E. Mas para mal dos nossos pecados, sempre estará. Para sempre uma marca dos mecanismos de marketing e aceitação pública que agora movem os Óscares, longe, bem longe, do premiar da excelência no qual se fundou a cerimónia.\u0026nbsp;\u003C\/div\u003E"},"link":[{"rel":"replies","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/feeds\/8677777457167386341\/comments\/default","title":"Enviar feedback"},{"rel":"replies","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2017\/12\/the-kings-speech.html#comment-form","title":"0 Comentários"},{"rel":"edit","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/8677777457167386341"},{"rel":"self","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/8677777457167386341"},{"rel":"alternate","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2017\/12\/the-kings-speech.html","title":"The King's Speech"}],"author":[{"name":{"$t":"Eu Sou Cinema"},"uri":{"$t":"http:\/\/www.blogger.com\/profile\/10225016188761425774"},"email":{"$t":"noreply@blogger.com"},"gd$image":{"rel":"http://schemas.google.com/g/2005#thumbnail","width":"16","height":"16","src":"https:\/\/img1.blogblog.com\/img\/b16-rounded.gif"}}],"media$thumbnail":{"xmlns$media":"http://search.yahoo.com/mrss/","url":"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-JMKwsehZ1Y0\/WjDy7OiQQaI\/AAAAAAAALPo\/b25BL5PEOkc90mZ2n314YrPBa9Nd88yJwCLcBGAs\/s72-c\/the-kings-speech-poster-5.jpg","height":"72","width":"72"},"thr$total":{"$t":"0"}},{"id":{"$t":"tag:blogger.com,1999:blog-606086995628430165.post-1954584763387626744"},"published":{"$t":"2016-11-05T23:09:00.000+00:00"},"updated":{"$t":"2017-09-14T15:46:35.948+01:00"},"category":[{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"1960"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Crítica"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Wilder"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Óscar Melhor Filme"}],"title":{"type":"text","$t":"The Apartment"},"content":{"type":"html","$t":"\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-COzUb-fuK8s\/WB2zsMmRN1I\/AAAAAAAAJEE\/Gc9lbl4mkmUGqhG5_oQknNyPcSAavz-vgCLcB\/s1600\/apartment_ver2.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"400\" src=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-COzUb-fuK8s\/WB2zsMmRN1I\/AAAAAAAAJEE\/Gc9lbl4mkmUGqhG5_oQknNyPcSAavz-vgCLcB\/s400\/apartment_ver2.jpg\" width=\"300\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cb\u003EAno:\u003C\/b\u003E 1960\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/b\u003E\u003Cb\u003ERealizador:\u003C\/b\u003E\u0026nbsp;Billy Wilder\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EActores principais:\u003C\/b\u003E\u0026nbsp;Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Fred MacMurray\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EDuração: \u003C\/b\u003E125 min\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cb\u003ECrítica:\u003C\/b\u003E Na cerimónia dos Óscares que se realizou em Abril de 1961, ‘The Apartment’ foi o grande, e na minha perspectiva o surpreendente, vencedor. De um total de dez nomeações, arrecadou cinco estatuetas, incluindo Melhor Filme, Melhor Realizador para \u003Cb\u003EBilly Wilder\u003C\/b\u003E, que também partilhou o prémio de Melhor Argumento Original com o seu colaborador de longa data \u003Cb\u003EI.A.L. Diamond\u003C\/b\u003E; Melhor Montagem e Melhor Direcção Artística.\u0026nbsp;\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EFoi a segunda vez que \u003Cb\u003EWilder \u003C\/b\u003Efez a tripleta, depois de em 1945 ter arrecadado os prémios de Melhor Filme, Realizador e Argumento por \u003Cb\u003E‘The Lost Weekend’\u003C\/b\u003E, o pungente retrato de um alcoólico, extraordinariamente protagonizado por \u003Cb\u003ERay Milland\u003C\/b\u003E. Nos quinze anos entre um e outro filme, \u003Cb\u003EBilly Wilder\u003C\/b\u003E, o argumentista alemão que na década de 1930 fugiu ao Nazismo e refugiou-se em Hollywood, tornando-se realizador no início da década de 1940, foi lentamente alterando o seu estilo. Os filmes de \u003Cb\u003EWilder \u003C\/b\u003Esempre primaram por argumentos exímios e uma linguagem cinematográfica soberba, extremamente consciente dos grandes mestres que o antecederam, como \u003Cb\u003ELang\u003C\/b\u003E, \u003Cb\u003ELubitsch \u003C\/b\u003Eou \u003Cb\u003EChaplin\u003C\/b\u003E. O seu cinema sempre foi o cinema da inteligente sátira social misturada com grandes homenagens à história da sétima arte, mas a forma temática como \u003Cb\u003EWilder \u003C\/b\u003Eexplorava esta dupla vertente do seu estilo sempre foi diversificada e, provavelmente por causa disso, inconstante.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"Os filmes de Wilder sempre primaram por argumentos exímios e uma linguagem cinematográfica soberba, extremamente consciente dos grandes mestres que o antecederam, como Lang, Lubitsch ou Chaplin.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-Ln85-nyGGTM\/WB2zvT2-86I\/AAAAAAAAJEQ\/NlREt7xR-icKlymzIgFi-NkATF-GFpZwwCEw\/s1600\/image.png\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"225\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-Ln85-nyGGTM\/WB2zvT2-86I\/AAAAAAAAJEQ\/NlREt7xR-icKlymzIgFi-NkATF-GFpZwwCEw\/s400\/image.png\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EO melhor \u003Cb\u003EWilder \u003C\/b\u003Eé o dos anos 1940 e 1950, quando atingiu o pico do seu estilo no cinema mais ‘negro’, onde estava como peixe na água. Podem-se citar grandes obras como os filmes de guerra \u003Cb\u003E‘Five Graves to Cairo’ (1943)\u003C\/b\u003E e \u003Cb\u003E‘Stalag 17’ (1952)\u003C\/b\u003E; o fantástico \u003Ci\u003Enoir \u003C\/i\u003E\u003Cb\u003E‘Double Indemnity’ (1944)\u003C\/b\u003E; \u003Cb\u003E‘Sunset Boulevard’ (1950)\u003C\/b\u003E, provavelmente o melhor filme de Hollywood sobre ela própria; \u003Cb\u003E‘Ace in the Hole’ (1951)\u003C\/b\u003E, uma incrível sátira jornalística; ou \u003Cb\u003E‘Witness for the Prossecution’ (1957)\u003C\/b\u003E, um dos melhores filmes, senão o melhor, baseado numa obra de Agatha Christie. Mas a meio da época de 1950, \u003Cb\u003EWilder \u003C\/b\u003Ecomeçou a balouçar lentamente primeiro para um tom mais romântico (trabalharia com \u003Cb\u003EAudrey Hepburn\u003C\/b\u003E em \u003Cb\u003E‘Sabrina’, 1954\u003C\/b\u003E, e \u003Cb\u003E‘Love in the Afternoon’, 1957\u003C\/b\u003E) e depois um tom mais abertamente cómico, que nos seus piores anos, nas décadas de 1960 e 1970, chegaria a ser quase brejeiro, pouco digno do homem que faria \u003Cb\u003E‘Some Like it Hot’ (1959)\u003C\/b\u003E, o filme definitivo com \u003Cb\u003EMarylin Monroe\u003C\/b\u003E (com que havia inicialmente trabalhado em \u003Cb\u003E‘Seven Year Itch’, 1955\u003C\/b\u003E) ou o absolutamente hilariante \u003Cb\u003E‘One, Two, Three’ (1961)\u003C\/b\u003E.\u0026nbsp;E foi precisamente entre estas duas geniais comédias, em 1960, que \u003Cb\u003EWilder \u003C\/b\u003Etirou da cartola um filme completamente diferente, mas não inesperado: ‘The Apartment’.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-YOL2k9wawro\/WB2zrmqA6jI\/AAAAAAAAJEY\/vtv4pMwAiLENRbPP3PvhAxW9a8gZ3bhugCEw\/s1600\/apartment1960.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"301\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-YOL2k9wawro\/WB2zrmqA6jI\/AAAAAAAAJEY\/vtv4pMwAiLENRbPP3PvhAxW9a8gZ3bhugCEw\/s400\/apartment1960.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EMelhor dizendo, ‘The Apartment’ não é bem um filme à parte no cânone de \u003Cb\u003EWilder\u003C\/b\u003E. Todas as grandes temáticas do seu cinema estão aqui: a crítica social subentendida numa história com fortes componentes humanas, diálogos extremamente bem trabalhados, escapes humorísticos inteligentes e actuações naturais que brincam com a convenção de um determinado perfil para ganharem força e identidade próprias. Mas o que distingue ‘The Apartment’ é o seu tom. Longe da exuberância de por exemplo \u003Cb\u003E‘Some Like it Hot’\u003C\/b\u003E, ‘The Apartment’ está em linha com um novo sentimento que invadiu a sociedade americana no final da década de 1950. Já em 1955, o vencedor surpresa do Óscar de Melhor Filme havia sido \u003Ca href=\"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2013\/05\/marty.html\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E‘Marty’ (já criticado)\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/a\u003E, uma história singela sobre um simples talhante que se apaixona por uma professora e anseia ter o seu quinhão de felicidade. ‘The Apartment’ existe nesse cumprimento de onda. Nenhum dos filmes teria ganho o Óscar uma década antes ou depois. Mas nesse momento, num mundo em que a exuberância da expansão social e económica dos anos 1950 (a época dourada dos subúrbios e dos Mad Man) havia amainado, em que a paranóia Mccarthista e da Guerra Fria havia deixado as suas marcas, e nas vésperas do \u003Ci\u003Eflower power\u003C\/i\u003E, a sociedade americana encontrava-se num cruzamento, desencantada, perdida, alheada num meio descaracterizado de rotina, expansão despersonalizada, corporativismo e anonimato.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"Todas as grandes temáticas do seu cinema estão aqui: a crítica social subentendida numa história com fortes componentes humanas, diálogos extremamente bem trabalhados, escapes humorísticos inteligentes e actuações naturais que brincam com a convenção de um determinado perfil para ganharem força e identidade próprias. Mas o que distingue o filme é o seu tom.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EEra neste meio que o tímido Marty queria encontrar um lugar ao Sol. E é neste meio que C.C. Baxter (interpretado por \u003Cb\u003EJack Lemmon\u003C\/b\u003E, na sua segunda de cinco colaborações com \u003Cb\u003EWilder \u003C\/b\u003Ee que perderia o Óscar para \u003Cb\u003EBurt Lancaster\u003C\/b\u003E) se movimenta, perdido na grande cidade, sozinho, vivendo um vazio existencial, mecânico e anónimo, que \u003Cb\u003EWilder \u003C\/b\u003Etão bem capta nas primeiras cenas. Embalados pela \u003Ci\u003Evoz off\u003C\/i\u003E de \u003Cb\u003ELemmon\u003C\/b\u003E, entramos no mundo da empresa de seguros onde Baxter trabalha, o gigantesco prédio de escritórios de salas enormes cheias de mesas dispostas geometricamente onde seres despersonalizados realizam um infindável trabalho mecânico – é a \u003Cb\u003E‘Metropolis’ (1927)\u003C\/b\u003E de \u003Cb\u003ELang \u003C\/b\u003Ena América empresarial dos anos 1950.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-7ZN0AR5-Z0E\/WB2zqYhJK2I\/AAAAAAAAJEY\/s6uHlHeiEVQxJbHfdLHoD_S5z1PvSFBFgCEw\/s1600\/34c6ac_fb1fe886f37648fca526e6fc5abed6ae.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"170\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-7ZN0AR5-Z0E\/WB2zqYhJK2I\/AAAAAAAAJEY\/s6uHlHeiEVQxJbHfdLHoD_S5z1PvSFBFgCEw\/s400\/34c6ac_fb1fe886f37648fca526e6fc5abed6ae.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EDepois de mais um dia de infindável rotina, todos vão para casa excepto Baxter. A sua \u003Ci\u003Evoz off\u003C\/i\u003E continua a dizer-nos que inúmeras vezes fica no escritório depois do horário de expediente. Não porque tem necessariamente trabalho para fazer, mas porque não pode voltar para casa. O motivo é simples. O seu apartamento está a ser usado por um dos seus superiores para um encontro amoroso extraconjugal. Esta temática do pobre homem que empresta o seu apartamento a amantes é inspirada numa pequena situação em \u003Cb\u003E‘Brief Encounter’ (1945)\u003C\/b\u003E, o clássico de\u003Cb\u003E David Lean\u003C\/b\u003E, mas \u003Cb\u003EWilder \u003C\/b\u003Efaz o que faz melhor; homenageia esse legado dando-lhe o seu próprio \u003Ci\u003Etwist\u003C\/i\u003E. Os “amantes” transformam-se assim num conjunto de quatro executivos da empresa que, na onda do que \u003Cb\u003EWilder \u003C\/b\u003Ehavia parodiado em \u003Cb\u003E‘The Seven Year Itch’\u003C\/b\u003E, aproveitam qualquer oportunidade para trair as mulheres usando o apartamento de Baxter. De notar que uma das ‘bimbas’ levadas por um dos executivos ao apartamento é uma paródia a \u003Cb\u003EMarylin Monroe\u003C\/b\u003E – o humor pervertido de \u003Cb\u003EWilder \u003C\/b\u003Ea funcionar um ano depois de ter trabalhado com ela pela última vez….\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EMas o \u003Ci\u003Etwist \u003C\/i\u003Emais interessante neste conceito é a concepção do próprio Baxter. Inicialmente parece ser apenas um empregado sem espinha que tem receio de dizer “não” aos chefes. Mas depois apercebemo-nos, tal como havia acontecido em \u003Cb\u003E‘Some Like it Hot’\u003C\/b\u003E, que \u003Cb\u003ELemmon \u003C\/b\u003Edemonstra uma enganadora vulnerabilidade. Baxter pode ser um zé-ninguém num mundo descaracterizado, mas tem também alguma perversidade intrínseca, quer em termos de pensamentos sexuais (veja-se a facilidade com que engata uma mulher casada num momento de desespero a meio do filme), quer na forma como usa as várias situações em seu próprio proveito. Sente-se lisonjeado quando os vizinhos pensam que é ele que leva mulheres para o apartamento praticamente todas as noites e nunca os desdiz (\u003Cb\u003EWilder \u003C\/b\u003Eirá brincar com esse mal entendido mais do que uma vez). E sem escrúpulos, pelo menos até pouco antes do final, troca o uso do apartamento por cunhas para subir nas fileiras da empresa. Ao contrário de Marty, nada há de inocente nesta atitude, e esta é talvez a declaração mais pungente de todas; como o próprio sistema há muito corrompeu Baxter, sem na realidade ele ter ganho alguma coisa com isso, porque nunca deixou de ser quem é. Está num limbo, preso, suficientemente desencantado com a vida para aceitar ser corrompido mas suficientemente honesto para não\u0026nbsp;colher as respectivas recompensas.\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"Esta é talvez a declaração mais pungente de todas; como o próprio sistema há muito corrompeu Baxter, sem na realidade ele ter ganho alguma coisa com isso, porque nunca deixou de ser quem é. Está num limbo, preso, suficientemente desencantado com a vida para aceitar ser corrompido mas suficientemente honesto para não\u0026nbsp;colher as respectivas recompensas.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-1-Fxvz7nvgI\/WB2zpz2YLBI\/AAAAAAAAJEY\/cVlSTwL1uPQuOQUlRIaWK7nOEs82vlHugCEw\/s1600\/3898176102_3f342e7a02.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"220\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-1-Fxvz7nvgI\/WB2zpz2YLBI\/AAAAAAAAJEY\/cVlSTwL1uPQuOQUlRIaWK7nOEs82vlHugCEw\/s400\/3898176102_3f342e7a02.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EUm dia Baxter é chamado ao gabinete do chefe da empresa, Sheldrake\u0026nbsp;\u003Cb\u003E(Fred MacMurray \u003C\/b\u003Eno seu último grande papel), pensando que irá ser promovido graças às cunhas da sua ‘clientela’. Mas tudo o que Sheldrake quer é usar o seu apartamento para um encontro extraconjugal. Sem opção de recusar o chefe, Baxter capitula, e recebe em troca dois bilhetes para o teatro que o patrão lhe dá para que se ocupe nessa noite. Imediatamente Baxter ganha coragem para convidar a ascensorista da empresa, a delicada Fran (\u003Cb\u003EShirley MacLaine\u003C\/b\u003E num papel usual nesta época; perderia o Óscar para \u003Cb\u003EElizabeth Taylor\u003C\/b\u003E), outra inadaptada que, como de costume, tem um bom coração mas nunca é bafejada pela sorte, nem na vida nem nos amores. Ela gosta de Baxter (como lhe diz, é o único trabalhador que nunca a tentou engatar) mas recusa o convite porque tem outros planos. O que o filme nos revela, num pedaço de lírica ironia, é que ela se dirige, sem o saber, precisamente para o apartamento de Baxter. É ela a amante do patrão.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EO filme brinca com este triângulo ainda durante algum tempo, onde a típica tragicomédia de Wilder tem aqui contornos mais pesados, associado ao drama sentimental e, mais tarde, ao romance desajeitado que desabrocha entre Baxter e Fran. Na realidade, o filme não tem muito mais história. Depois de Sheldrake acabar o caso com Fran (mais tarde descobrimos que Fran não é a primeira trabalhadora da empresa que Sheldrake seduz e deixa), esta tenta suicidar-se. Baxter encontra-a quando regressa a casa e é graças aos seus esforços e aos do seu vizinho médico (o patusco \u003Cb\u003EJack Kruschen\u003C\/b\u003E que perderia o Óscar para \u003Cb\u003EPeter Ustinov\u003C\/b\u003E) que se consegue salvar. Receoso de um escândalo, Sheldrake recusa-se a aparecer e dá ordens a Baxter para que fique a cuidar dela. A cura dela será a catarse de ambos, de ele para se fazer homem e dela para descobrir a verdadeira riqueza da vida num amor simples.\u0026nbsp;\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-g-NZYdthjVM\/WB2zsfBqXvI\/AAAAAAAAJEY\/uh_86zHEhrsEHNjy_o18bWAaUQAYd2znQCEw\/s1600\/apartment-3.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"225\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-g-NZYdthjVM\/WB2zsfBqXvI\/AAAAAAAAJEY\/uh_86zHEhrsEHNjy_o18bWAaUQAYd2znQCEw\/s400\/apartment-3.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003ESe é aqui que o filme realmente começa, é paradoxalmente aqui também que praticamente estagna, e pouco mais é mostrado do que esta lenta marcha para a autodescoberta de cada um. Sustendo esta linha argumental simples durante umas (demasiado longas) duas horas, \u003Cb\u003EWilder \u003C\/b\u003Eenche o filme, não propriamente de tramas secundárias, mas de pequenas ramificações, onde várias tentações vão por à prova o casal, puxando-os para um lado ou para o outro do marasmo letárgico da sua existência. Baxter tem à sua frente uma meteórica ascensão aos quadros principais da empresa, desde que continue a deixar os seus superiores usar o seu apartamento (na realidade isto é um pouco incredível; não podiam arranjar outro sítio?!). Já Fran, depois de recuperada, é de novo tentada pelas promessas vãs de Sheldrake, que afirma que em breve irá deixar a sua esposa para que fiquem juntos. E Fran sente que tem de aceitar essa proposta, simplesmente porque tem tão pouca confiança em si mesma, está tão desencantada com as cartas que a vida lhe deu, que não sabe que pode haver, que pode ter, outra vida.\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\u003Cb\u003E\"Como retrato sociológico de uma década, não há dúvidas nenhumas que se pode apelidar ‘The Apartment’ de magnífico, capturando na perfeição o sentimento de solidão, vazio e inadaptação que percorria a sociedade média americana do final da década de 1950 (...) Mas como peça cinematográfica, não acho que ‘The Apartment’ possa ser considerado assim tão excelente, provavelmente, é curioso notar, pelos mesmos motivos.\"\u003C\/b\u003E\u003C\/span\u003E\u003C\/div\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EEm singelas cenas de diálogos, passadas ao longo do período natalício que contextualiza o filme, Baxter e Fran vão procurar chegar ao âmago um do outro e vão tentar encontrar a força para sair desta sua condição. E um dia pode ser que se consigam tornar naquilo que o vizinho alemão de Baxter chama “\u003Ci\u003Emench\u003C\/i\u003E” – seres humanos, boas pessoas; e assim tomarem conta das suas próprias vidas de uma vez por todas e encontrarem a tão ansiada felicidade.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-bN2H5vZuLDM\/WB2zrPx0rxI\/AAAAAAAAJEY\/T4NKARoc1r4WmE9Dwjv4g0w_vFEa-isJQCEw\/s1600\/The.Apartment.1960.CE.DVDRip.XviD-OS.iLUMiNADOS%255B%2528045669%252923-49-34%255D.png\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"168\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-bN2H5vZuLDM\/WB2zrPx0rxI\/AAAAAAAAJEY\/T4NKARoc1r4WmE9Dwjv4g0w_vFEa-isJQCEw\/s400\/The.Apartment.1960.CE.DVDRip.XviD-OS.iLUMiNADOS%255B%2528045669%252923-49-34%255D.png\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EComo retrato sociológico de uma década, não há dúvidas nenhumas que se pode apelidar ‘The Apartment’ de magnífico, capturando na perfeição o sentimento de solidão, vazio e inadaptação que percorria a sociedade média americana do final da década de 1950, para quem os valores supérfluos da era há muito tinham deixado de fazer sentido. A sua vitória nos Óscares e o seu sucesso crítico e comercial só pode, na minha óptica, ser explicado assim. Mas como peça cinematográfica, não acho que ‘The Apartment’ possa ser considerado assim tão excelente, provavelmente, é curioso notar, pelos mesmos motivos. Sente-se a falta do magistral humor satírico de \u003Cb\u003EWilder\u003C\/b\u003E, e o lirismo subtil que o substitui, muito muito embora se adeqúe ao casal de inadaptados, é emocionalmente vago precisamente porque é um retrato tão fiel do sentimento contemporâneo prevalente. Do mesmo modo, a realização, que inicia de forma tão metafórica nas primeiras cenas, em termos de escolha de planos e \u003Ci\u003Emise-en-scène\u003C\/i\u003E, contrasta fortemente com o restante filme, onde tudo se passa num tom desgarrado e monocórdico, alternando sem grande sabor praticamente só entre os espaços confinados e descaracterizados do escritório e do apartamento. Por fim, o ritmo do filme é lento e circular, esticando uma história que se contaria perfeitamente em 90 minutos até 2 horas, sem que isso implique um aumento de profundidade no retrato das personagens.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003ETudo somado, ‘The Apartment’ é, creio ser essa a explicação, um drama social demasiado preso a um determinado momento no tempo. Não é propriamente datado em termos de emoções (Fran e principalmente Baxter são seres universais) mas é-o em termos de tom. Inúmeras vezes o filme é frio na sua fotografia a preto e branco (que contraste com o calor de \u003Cb\u003E‘Some Like it Hot’\u003C\/b\u003E!), e a sua indecisa divisão entre o satírico e o depressivo impede que o filme se torne dramaticamente pungente, ou em contrapartida, um hino esperançoso. Só no final podemos ter um pequeno vislumbre de luz, de calor, com uma das frases de fecho que ficaria gravada nos anais do cinema, quando Fran diz a Baxter “\u003Ci\u003EShut up and deal\u003C\/i\u003E”. Ou seja, vamos jogar as nossas cartas, vamos fazer as nossas apostas, e depois logo se vê como a sorte nos bafeja…\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"‘The Apartment’ é, creio ser essa a explicação, um drama social demasiado preso a um determinado momento no tempo. Não é propriamente datado em termos de emoções (Fran e principalmente Baxter são seres universais) mas é-o em termos de tom.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-wP3TRJi7pzg\/WB2zvfR-dJI\/AAAAAAAAJEY\/d9V3WTtqZ1E03K54C8YAag1avKJ4_lviwCEw\/s1600\/the-apartment-30.png\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"250\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-wP3TRJi7pzg\/WB2zvfR-dJI\/AAAAAAAAJEY\/d9V3WTtqZ1E03K54C8YAag1avKJ4_lviwCEw\/s400\/the-apartment-30.png\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E‘The Apartment’ pode ter marcado o final de uma época com o seu retrato social incisivo mas subtil, e pode ganhar pontos por se debruçar, não no facilmente criticável todo (veja-se como os chefes seguem apenas um padrão estereotipado de comportamento), mas sobre o íntimo; a história das duas inadaptadas personagens que o filme acaba por enaltecer como os heróis pouco louvados de uma nova sociedade. Mas um filme nunca pode ser só mensagem social e por isso é que o teste do tempo levou ‘The Aparment’, apesar dos prémios que arrecadou, a uma posição secundária na extensa filmografia de \u003Cb\u003EWilder\u003C\/b\u003E. Falta-lhe chama, paixão, magnetismo cinematográfico. Mas no fundo, poder-se-á argumentar, pode ser esse o grande objectivo metafórico desta obra. A ser verdade, isso provaria sem dúvida a marca do génio de \u003Cb\u003EWilder\u003C\/b\u003E. Portanto cabe ao espectador, e não ao crítico, decidir se assim é. Suponho que seja uma questão de predisposição emocional. E isso vai muito além da linguagem cinematográfica. Já entra no campo da intimidade com o espectador. ‘The Apartment’ nunca conseguiu entrar muito bem na minha, mas pode ser que entre na do leitor.\u003C\/div\u003E"},"link":[{"rel":"replies","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/feeds\/1954584763387626744\/comments\/default","title":"Enviar feedback"},{"rel":"replies","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2016\/11\/the-apartment.html#comment-form","title":"0 Comentários"},{"rel":"edit","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/1954584763387626744"},{"rel":"self","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/1954584763387626744"},{"rel":"alternate","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2016\/11\/the-apartment.html","title":"The Apartment"}],"author":[{"name":{"$t":"Eu Sou Cinema"},"uri":{"$t":"http:\/\/www.blogger.com\/profile\/10225016188761425774"},"email":{"$t":"noreply@blogger.com"},"gd$image":{"rel":"http://schemas.google.com/g/2005#thumbnail","width":"16","height":"16","src":"https:\/\/img1.blogblog.com\/img\/b16-rounded.gif"}}],"media$thumbnail":{"xmlns$media":"http://search.yahoo.com/mrss/","url":"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-COzUb-fuK8s\/WB2zsMmRN1I\/AAAAAAAAJEE\/Gc9lbl4mkmUGqhG5_oQknNyPcSAavz-vgCLcB\/s72-c\/apartment_ver2.jpg","height":"72","width":"72"},"thr$total":{"$t":"0"}},{"id":{"$t":"tag:blogger.com,1999:blog-606086995628430165.post-4807685472493887082"},"published":{"$t":"2016-02-14T10:29:00.001+00:00"},"updated":{"$t":"2017-02-14T16:15:35.083+00:00"},"category":[{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"2015"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Crítica"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"TMcCarthy"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Óscar Melhor Filme"}],"title":{"type":"text","$t":"Spotlight"},"content":{"type":"html","$t":"\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-T8rKHX0BlwY\/Vr_JE6YYFzI\/AAAAAAAAHaY\/BvvNXTgx8aQ\/s1600\/spotlight_xlg.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"400\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-T8rKHX0BlwY\/Vr_JE6YYFzI\/AAAAAAAAHaY\/BvvNXTgx8aQ\/s400\/spotlight_xlg.jpg\" width=\"270\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cb\u003EAno:\u003C\/b\u003E 2015\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003ERealizador:\u003C\/b\u003E\u0026nbsp;Tom McCarthy\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EActores principais:\u003C\/b\u003E\u0026nbsp;Mark Ruffalo, Michael Keaton, Rachel McAdams\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EDuração:\u003C\/b\u003E 128 min\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cb\u003ECrítica:\u003C\/b\u003E De há uns tempos a esta parte comecei a ficar com expectativa relativamente a ‘Spotlight’, o novo filme de \u003Cb\u003ETom McCarthy\u003C\/b\u003E que tem tido grande aceitação crítica e que ostenta 6 nomeações para os Óscares. Todos sabemos o que são os filmes dos Óscares recentemente, e infelizmente já pude constatar que obras como \u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2016\/01\/the-revenant.html\"\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E\u003Cb\u003E‘The Revenant’\u003C\/b\u003E\u003C\/span\u003E\u003C\/a\u003E e \u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2016\/02\/the-martian.html\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E‘The Martian’\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/a\u003E não são os grandes filmes que prometiam ser, mas antes acabam por encaixar, em maior ou menor grau, naquele típico perfil estereotipado que hoje é condição necessária para ser reconhecido pela Academia. Mas ‘Spotlight’ sempre me pareceu diferente, talvez pelo que se mostrou no trailer, talvez por um entusiasmo crítico que não se revelou propriamente num entusiasmo comercial, talvez porque anda a ganhar prémios mais prestigiados e é sempre rotulado como ‘uma surpresa’ pela classe jornalística que na maior parte dos casos não sabe o que está a dizer e aplaude obras banais. Todos esses motivos me fizeram pensar que havia aqui qualquer coisa. E, muito felizmente, tinha razão.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-E9_BPjJtwQ0\/Vr_JBJUTWKI\/AAAAAAAAHaE\/r4OJHp1SnJQ\/s1600\/Spotlight-909301873-large.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"223\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-E9_BPjJtwQ0\/Vr_JBJUTWKI\/AAAAAAAAHaE\/r4OJHp1SnJQ\/s400\/Spotlight-909301873-large.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EMas havia mais um motivo para o meu interesse. Um filme de jornalistas bem feito e bem interpretado será sempre um bom filme, pela inevitável energia associada à investigação da busca pela verdade. Já tivemos em Hollywood um longo historial de obras-primas passadas no seio do jornalismo, como a genial comédia \u003Cb\u003E‘His Girl Friday’ (1941)\u003C\/b\u003E, comédias-românticas como \u003Cb\u003E‘Broadcast News’ (1987)\u003C\/b\u003E, pungentes histórias de ambição como \u003Cb\u003E‘Ace in the Hole’ (1951)\u003C\/b\u003E ou \u003Cb\u003E‘Sweet Smell of Success’ (1957)\u003C\/b\u003E, ou fabulosas alegorias como \u003Cb\u003E‘Network’ (1976)\u003C\/b\u003E. E se formos mais focados e pensarmos no processo de investigação\/reportagem jornalística em si, é impossível não recordar a obra de 1976 sobre o escândalo de Watergate \u003Cb\u003E‘All the Presindent’s Men’\u003C\/b\u003E. Filmes como este, e outros até como o mais recente \u003Cb\u003E‘Frost\/Nixon’ (2008)\u003C\/b\u003E resultam porque não se preocupam muito em introduzir na sua mistura os ingredientes mais rotineiros do filme de Hollywood, como o romance de escritório, para supostamente encher as medidas das personagens, e centram-se no que realmente é importante; encontrar a sua dinâmica na forma como a própria investigação é conduzida, como a corrupção é revelada, como a verdade vai parar, comprovada, à página do jornal.\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/b\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"Um bom filme de jornalistas tem que ser como uma boa reportagem jornalística. Simples, directo e cativante, contando os factos e não se perdendo na crítica ao sistema pela crítica em si. (...)\u0026nbsp;E é precisamente aqui que entra o génio de ‘Spotlight’. Este filme nega toda esta tentação de atacar aquilo que é facilmente atacável e faz um ‘\u003Ci\u003Eback to basics\u003C\/i\u003E’, centrando-se na tensão da investigação e na dedicação dos jornalistas.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EUm bom filme de jornalistas tem que ser como uma boa reportagem jornalística. Simples, directo e cativante, contando os factos e não se perdendo na crítica ao sistema pela crítica em si. Este é precisamente o pau de dois bicos destes filmes, especialmente os que apontam para os grandes prémios como os Óscares. Se tão frequentemente vemos o interesse e o fascínio do bom jornalismo a ser atirado para segundo plano para contar uma história romântica (\u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2015\/07\/morning-glory.html\"\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E\u003Cb\u003E‘Morning Glory’, 2010\u003C\/b\u003E\u003C\/span\u003E\u003C\/a\u003E), ou focar-se na componente mais de suspense e \u003Ci\u003Ethriller \u003C\/i\u003E(\u003Cb\u003E‘Zodiac’, 2007\u003C\/b\u003E) – algo aceitável porque estes filmes pertencem, realmente, a outro género – os filmes realmente jornalísticos dos anos recentes, por mais bem-feitos que sejam (por exemplo \u003Cb\u003E‘State of Play’, 2009\u003C\/b\u003E) têm na minha perspectiva de certa forma desapontado porque têm procurado apimentar as suas histórias com um constante apontar de armas ao sistema, à sociedade, e porque possuem uma necessidade premente de arranjar culpados nas mais altas esferas políticas. São filmes de movimento social que podem ser importantes, mas acabam por não ser satisfatórios para o espectador e até podem perder o seu relevo, pois cedem em demasia à fantasia cinematográfica.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-nbb7GR2-jiw\/Vr_JEr_F8wI\/AAAAAAAAHaU\/znvzuPly4TU\/s1600\/spotlight02.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"266\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-nbb7GR2-jiw\/Vr_JEr_F8wI\/AAAAAAAAHaU\/znvzuPly4TU\/s400\/spotlight02.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EE é precisamente aqui que entra o génio de ‘Spotlight’. Este filme nega toda esta tentação de atacar aquilo que é facilmente atacável e faz um ‘\u003Ci\u003Eback to basics\u003C\/i\u003E’, centrando-se na tensão da investigação e na dedicação dos jornalistas. A certo ponto do filme a personagem de \u003Cb\u003ERachel McAdams\u003C\/b\u003E, Sacha, diz algo como “\u003Ci\u003EEstou aqui porque me preocupo. Nós vamos contar esta história, mas vamos contá-la bem\u003C\/i\u003E”. E é precisamente isso que ‘Spotlight’ faz, como se de uma grande peça jornalística se tratasse. O tema controverso que retrata (a pedofilia no seio do clero) é importante, claro, e tem aquela pontinha de escândalo social necessária para ser aceite nos Óscares (há que admitir que se fosse sobre outro tema ficaria a ver navios), mas é preciso reforçar, uma e outra vez, que o filme, destramente, não cede a tentações de embelezamento da sua história e não cede a tentações de atacar confortavelmente o sistema (e tão facilmente podia fazê-lo). Em vez disso tem uma história directa, focada, eficaz e oferece factos, deixando o espectador fazer os seus julgamentos. Há muito tempo que não via um filme assim com a classe A de Hollywood.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E‘Spotlight’ chega-nos pela mão do realizador \u003Cb\u003ETom McCarthy\u003C\/b\u003E que até poderá ser mais conhecido do grande público pelas suas pequenas aparições como actor em filmes de\u003Cb\u003E George Clooney\u003C\/b\u003E (\u003Cb\u003E‘Syriana’\u003C\/b\u003E, \u003Cb\u003E‘Good Night and Good Luck’\u003C\/b\u003E, \u003Cb\u003E‘Michael Clayton’\u003C\/b\u003E), \u003Cb\u003E‘Flags of Our Fathers’\u003C\/b\u003E de \u003Cb\u003EClint Eastwood\u003C\/b\u003E ou até comédias recentes (\u003Cb\u003E‘Pixels’\u003C\/b\u003E), do que propriamente pelos quatro filmes que havia realizado até hoje. Por acaso vi o primeiro, \u003Cb\u003E‘The Station Agent’ (2003)\u003C\/b\u003E, que achei uma interessante história com o sabor do cinema independente e forte em termos de personagens, mas todos os outros; \u003Cb\u003E‘The Visitor’ (2007)\u003C\/b\u003E, \u003Cb\u003E‘Win Win’ (2011)\u003C\/b\u003E e\u003Cb\u003E ‘The Cobbler’ (2014)\u003C\/b\u003E com \u003Cb\u003EAdam Sandler\u003C\/b\u003E, passaram-me ao lado, como aliás passaram do grande público. Com ‘Spotlight’ \u003Cb\u003EMcCarthy \u003C\/b\u003Ecatapulta-se para a ribalta da sua profissão, e há que dizer, baseado apenas em \u003Cb\u003E‘The Station Agent’\u003C\/b\u003E e ‘Spotlight’, que para mim é um salto inteiramente justificado.\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"É preciso reforçar, uma e outra vez, que o filme, destramente, não cede a tentações de embelezamento da sua história e não cede a tentações de atacar confortavelmente o sistema (...). Em vez disso tem uma história directa, focada, eficaz e oferece factos, deixando o espectador fazer os seus julgamentos. Há muito tempo que não via um filme assim com a classe A de Hollywood.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-m_l8wQ4YgR4\/Vr_JBc7aTeI\/AAAAAAAAHaI\/4Zbn4OeqL8A\/s1600\/Spotlight-Trailer-01.png\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"225\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-m_l8wQ4YgR4\/Vr_JBc7aTeI\/AAAAAAAAHaI\/4Zbn4OeqL8A\/s400\/Spotlight-Trailer-01.png\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EEstamos no início da década de 2000 e Spotlight é uma pequena unidade de investigação jornalística de um dos mais influentes jornais de Boston: o Boston Globe, que trabalha de forma independente do resto do jornal e aborda temas controversos. A equipa é liderada por Robby (\u003Cb\u003EMichael Keaton\u003C\/b\u003E, compreensivelmente mais apagado que em \u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2015\/01\/birdman.html\"\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E\u003Cb\u003E‘Birdman’\u003C\/b\u003E\u003C\/span\u003E\u003C\/a\u003E) e inclui mais três membros: Mike Rezendes (excelente interpretação de \u003Cb\u003EMark Ruffalo\u003C\/b\u003E, a fazer de descendente de portugueses, o que infelizmente poderá justificar o cabelo e o sotaque esquisitos…); Sacha (como disse na minha crítica de \u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2015\/05\/passion.html\"\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E\u003Cb\u003E‘Passion’\u003C\/b\u003E\u003C\/span\u003E\u003C\/a\u003E, \u003Cb\u003EMcAdams \u003C\/b\u003Eestá finalmente a desabrochar como uma boa actriz) e Matt (\u003Cb\u003EBrian d'Arcy James\u003C\/b\u003E, que é aquele que tem menos destaque no filme, mas cumpre, quando é preciso). Quando os encontramos pela primeira vez acabaram de publicar mais uma reportagem e estão agora à procura de um novo tema para investigar. Ao mesmo tempo, o jornal está em alterações de chefia, e um novo editor é contratado, Baron, interpretado com um misto de adormecimento e poder por \u003Cb\u003ELiev Schreiber\u003C\/b\u003E (por qualquer motivo fez-me lembrar a personagem de \u003Cb\u003EEdward James Olmos\u003C\/b\u003E na série de \u003Cb\u003E‘Miami Vice’\u003C\/b\u003E). É Baron que vai incentivar a equipa de Spotlight a explorar um tema controverso e até então extremamente tabu em Boston; o dos padres pedófilos.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EJá na primeira cena havíamos visto um pequeno episódio numa esquadra da polícia, em que uma queixa contra um padre é rapidamente abafada. A breve menção desta queixa nos jornais, sem destaque e sem aprofundamento, fomenta a curiosidade de Baron e é o ponto de partida. Isto porque este é um tema que de vez em quando surge à baila em Boston, que todos se recordam de ouvir mencionado, mas ninguém faz caso, porque as queixas são rapidamente esquecidas e descreditadas, e todos assumem que os padres envolvidos são poucos e casos isolados. Mas e se não forem? Instigados pelo seu novo chefe, e usando todos os seus recursos e contactos, a equipa da Spotlight vai ser a primeira a aprofundar verdadeiramente este tema, e começa a desfiar o longo novelo dos seus segredos. Com uma estrutura muito bem erguida, o filme vai-nos dando o passo a passo da investigação; as pequenas pistas que levam a grandes revelações; o depoimento dos tímidos jovens, agora adultos, outrora violados; e o constante atrito contra as mais altas esferas da Igreja e o seu \u003Ci\u003Elobby \u003C\/i\u003Einstalado na cidade, intento em abafar o caso e sonegar as mais importantes pistas.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-ACT4T7gbsWo\/Vr_JEQ_cBvI\/AAAAAAAAHaQ\/mApSJArEibw\/s1600\/spotlight2.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"281\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-ACT4T7gbsWo\/Vr_JEQ_cBvI\/AAAAAAAAHaQ\/mApSJArEibw\/s400\/spotlight2.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EAliás, o filme demonstra ser extremamente inteligente na forma como interliga todas estas vertentes, construindo o seu puzzle a par e par com o espectador, sem nunca perder o seu interesse, embora ambos já saibam de antemão o desfecho. O realizador parece saber bem que se o caminho para chegar ao final for bom, isso também conta para incutir qualidade na película. E neste caso bem que conta. Igualmente, o filme gere muito bem a forma como distribuiu o seu \u003Ci\u003Ecast\u003C\/i\u003E estelar pela investigação, interligando as várias ramificações da história. Sacha entrevista as vítimas e \u003Cb\u003EMcAdams \u003C\/b\u003Eusa o seu charme natural para as convencer a contar as suas histórias. Mike (\u003Cb\u003ERuffalo\u003C\/b\u003E) investiga o rasto da papelada, e isso mete-o em contacto com o advogado das vítimas, que há muito anda sozinho nesta cruzada (\u003Cb\u003EStanley Tucci\u003C\/b\u003E numa excelente interpretação). E Robby (\u003Cb\u003EKeaton\u003C\/b\u003E), como chefe da Spotlight e proeminente figura da sociedade bostoniana, vai estar taco a taco com a alta sociedade, numa quase ‘batalha de egos’, sofrendo pressões do cardeal e do seu representante (o actor \u003Cb\u003EPaul Guilfoyle\u003C\/b\u003E, da série CSI) e a presunção do advogado dos padres, interpretado por \u003Cb\u003EBilly Crudup\u003C\/b\u003E.\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"O filme demonstra ser extremamente inteligente na forma como interliga todas estas vertentes, construindo o seu puzzle a par e par com o espectador, sem nunca perder o seu interesse, embora ambos já saibam de antemão o desfecho. (...) Igualmente, o filme gere muito bem a forma como distribuiu o seu cast estelar pela investigação, interligando as várias ramificações da história\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EMas há outro grande trunfo, talvez o mais importante de todos: a maneira como se decide contar a própria história. Esta é uma história de investigação jornalística, centrada nos factos, centrada na própria investigação, e voltada para a causa maior, digamos assim. Mas isso não implica, como disse em cima, que haja ataques fáceis e cegos ao sistema e à Igreja, nem cenas para puxar à controvérsia. Por exemplo, não há \u003Ci\u003Eflashbacks\u003C\/i\u003E das violações, e há cortes estratégicos nos diálogos para as vítimas não descreverem os abusos para a câmara. Os culpados não têm destaque nesta história, nem são vistos a ser “deitados abaixo” no final. Os ‘vilões’, chamemos-lhe assim, são o advogado e o representante da Igreja, não padres específicos, que raramente aparecem. Esta enorme subtileza não implica que o filme tenha menos poder ou que tenha medo de ser incisivo. Isto é jornalismo, não é sensacionalismo. É o revelar dos factos para se contar a verdade, para que a voz das vítimas seja ouvida e para que os culpados, e quem os encobre, possam ser realmente trazidos à justiça como merecem. Não é, de todo, um confortável ataque para vender mais jornais ou bilhetes de cinema. E é por isso que ‘Spotlight’ é especial entre os filmes de jornalistas, e entre os filmes da época dos Óscares.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-A3C31fKmkew\/Vr_JFqknkNI\/AAAAAAAAHac\/owH1imd_0VM\/s1600\/still-of-michael-keaton-and-rachel-mcadams-in-spotlight-%25282015%2529-large-picture.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"260\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-A3C31fKmkew\/Vr_JFqknkNI\/AAAAAAAAHac\/owH1imd_0VM\/s400\/still-of-michael-keaton-and-rachel-mcadams-in-spotlight-%25282015%2529-large-picture.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EE poderia ser de supor que, para compensar, o filme apostaria numa visão pessoal e mais íntima das personagens, que tão frequentemente em filmes com este tema são vistos como cruzados heróicos, contra tudo e contra todos. Mas não é isso que acontece aqui e ‘Spotlight’ mantém-se fiel, sempre, à sua integridade jornalística. Raramente temos um momento de introspecção emocional das personagens, e se geralmente isso seria uma falha neste caso resulta, pois as personalidades e os sentimentos dos jornalistas vão transparecendo na forma, mais ou menos intensa, como investigam. Ao dar tudo o que têm, ao ficar afectados pela própria história que estão a investigar mas conseguindo encontrar a força para continuar a fazê-lo, estão-nos a revelar mais sobre eles próprios do que o poderiam fazer nas habituais cenas lamechas com diálogos ao estilo “\u003Ci\u003Eo que eu estou a sentir é…\u003C\/i\u003E”. E mesmo quando há uma ou outra cena mais forçada (como quando Mike vai a casa de Sacha desabafar, ou quando Matt descobre que uma das casas para padres ‘em recuperação’ é na sua própria rua ou, quando todos questionam os seus valores católicos), são feitas de forma subtil e natural, o que só acresce ao fascínio do filme. Os jornalistas reais que inspiraram esta história já deram muitas entrevistas a dizer o quão incrivelmente semelhantes a si próprios são as interpretações dos actores, como se estivessem a olhar para um espelho, e como até quase se sentiram desconfortáveis por causa disso. Isto pode ser verdade ou só publicidade, mas não me interessa minimamente. Pois não é a fidelidade das personagens à realidade que julgamos. É a sua própria realidade e credibilidade no meio fílmico. E nesse departamento ‘Spotlight’ passa o teste com notas máximas.\u0026nbsp;\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EGostei de ‘Spotlight’. Gostei bastante, porque há muito tempo que não via um filme de jornalismo tão bom como este. Jornalismo “à antiga” como lhe chamou alguém numa crítica que li na internet. Num ano de filmes \u003Ci\u003Eold school\u003C\/i\u003E em vários géneros, principalmente no da espionagem (\u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2015\/09\/the-man-from-uncle.html\"\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E\u003Cb\u003E‘The Man from U.N.C.L.E.’\u003C\/b\u003E\u003C\/span\u003E\u003C\/a\u003E, \u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2015\/08\/mission-impossible-rogue-nation.html\"\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E\u003Cb\u003E‘Mission: Impossible – Rogue Nation’\u003C\/b\u003E\u003C\/span\u003E\u003C\/a\u003E, \u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2015\/11\/spectre.html\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E‘Spectre’\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/a\u003E), ‘Spotlight’ é igualmente um filme\u0026nbsp;\u003Ci\u003Eold school \u003C\/i\u003Eno seu género, que domina bem a sua arte, e que conta honestamente a sua história, com boas interpretações e um rumo bem definido, sem se deixar perder pelo pormenor sensacionalista dos factos importantes que está a contar. Até o 11 de Setembro (que ocorre durante o tempo fílmico) é introduzido na história com descrição. Se os jornalistas continuaram o seu trabalho depois disso (como aliás todos nós), então não seria credível se o filme desviasse as atenções da sua linha principal.\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/b\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"Mas há outro grande trunfo: a maneira como se decide contar a própria história. (...) Por exemplo, não há flashbacks das violações, e há cortes estratégicos nos diálogos para as vítimas não descreverem os abusos para a câmara. (...) Esta enorme subtileza não implica que o filme tenha menos poder ou que tenha medo de ser incisivo. Isto é jornalismo, não é sensacionalismo. É o revelar dos factos para se contar a verdade, para que a voz das vítimas seja ouvida (...) Não é, de todo, um confortável ataque para vender mais jornais ou bilhetes de cinema.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-cYE3PGEDkyo\/Vr_JGI9We_I\/AAAAAAAAHag\/_MoG2q2Mm64\/s1600\/still-of-stanley-tucci-and-mark-ruffalo-in-spotlight-%25282015%2529-large-picture.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"266\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-cYE3PGEDkyo\/Vr_JGI9We_I\/AAAAAAAAHag\/_MoG2q2Mm64\/s400\/still-of-stanley-tucci-and-mark-ruffalo-in-spotlight-%25282015%2529-large-picture.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EClaro que podemos argumentar o mérito de um filme destes, que é uma \"mera\" reprodução (muitas aspas) do processo jornalístico que foi vencedor do prémio Pulitzer. Para responder a esta pergunta podemos voltar à frase de \u003Cb\u003EMcAdams \u003C\/b\u003E“\u003Ci\u003ENós vamos contar esta história, mas vamos conta-la bem\u003C\/i\u003E”. Como todos estamos a par do escândalo da pedofilia no clero no Mundo (e também em Portugal), não é esse facto que nos vai chocar quando vemos o filme, e é precisamente por esse motivo que não se insiste continuamente nessa tecla. Mas o que muitos espectadores não saberiam, mesmo com tanta atenção mediática dada ao assunto, é quem era esta equipa jornalística que fez explodir o caso nos Estados Unidos. Mas agora sabemos. O filme assume esse papel nas entrelinhas, o de honrar estas personagens, mas não o faz com aquela presunção de inúmeros filmes da época dos Óscares baseados em ‘heróis verídicos’ (e.g. \u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2014\/02\/philomena.html\"\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E\u003Cb\u003E‘Philomena’\u003C\/b\u003E\u003C\/span\u003E\u003C\/a\u003E ou \u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2015\/01\/the-imitation-game.html\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E‘The Imitation Game’\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/a\u003E). Um exemplo notório é não ter qualquer texto no final a dizer-nos ‘onde estão eles agora’. O filme acaba quando a investigação acaba e a reportagem é publicada. E mais não é preciso. É essa a recompensa de um trabalho bem feito. Para além de honrar subtilmente as personalidades, o filme honra, acima de tudo, esse trabalho, e honra-o bem.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-O_MfLzWq_DU\/Vr_JBHCSJFI\/AAAAAAAAHaA\/hvD2RcJKOi0\/s1600\/spotlight-2015-004-robby-bar-interview-ORIGINAL.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"266\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-O_MfLzWq_DU\/Vr_JBHCSJFI\/AAAAAAAAHaA\/hvD2RcJKOi0\/s400\/spotlight-2015-004-robby-bar-interview-ORIGINAL.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EHá uns anos não diria que este era um filme para Óscar. É inevitavelmente focado, de dimensão contida e tal como outros filmes deste realizador, tem a chama simples da obra independente. Mas tendo em conta o que andamos a ver nas últimas cerimónias, aplaudo que um filme destes tenha tantas nomeações. Teve-as só por causa do seu tema ‘socialmente relevante’? É provável, mas tomara todos os filmes ‘socialmente relevantes’ terem a sobriedade e a qualidade de ‘Spotlight’, que mistura uma boa realização, boas interpretações e uma história com significado que se desenrola e desenvolve com inteligência e bom ritmo, e que portanto mantém sempre o interesse do espectador, nunca se acomodando à sombra da sua ‘história real’. Se contra \u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2016\/01\/the-revenant.html\"\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E\u003Cb\u003E‘The Revenant’\u003C\/b\u003E\u003C\/span\u003E\u003C\/a\u003E está o facto de Iñárritu ter vencido o ano passado, se \u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2015\/05\/mad-max-fury-road.html\"\u003E\u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E\u003Cb\u003E‘Mad Max’\u003C\/b\u003E\u003C\/span\u003E\u003C\/a\u003E é um filme de acção (e portanto seria um paradoxal vencedor) e se \u003Cb\u003ESpielberg \u003C\/b\u003Ejá não atrai as multidões de outrora, então fica aqui a minha previsão de que ‘Spotlight’ bem que poderá ser o grande vencedor dos Óscares deste ano, algo que sinceramente não me chocaria. E pode ser que \u003Cb\u003ETom McCarthy\u003C\/b\u003E e \u003Cb\u003EMark Ruffalo\u003C\/b\u003E tenham alguma coisa a dizer nas suas respectivas categorias. O filme pode não ser épico nem ostensivo, mas por vezes as coisas mais poderosas são as mais subtis. ‘Spotlight’ prova isso e cativa na sua simplicidade. Nunca será tão bombástico como a peça que lhe deu origem há dez anos, mas é uma história que merecia ser contada, e ainda bem que o foi, desta maneira. Pois assim pode perdurar ainda mais.\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: center;\"\u003E\u003Cb\u003E\u003Cspan style=\"font-family: \u0026quot;helvetica neue\u0026quot; , \u0026quot;arial\u0026quot; , \u0026quot;helvetica\u0026quot; , sans-serif; font-size: x-large;\"\u003E\"O filme assume esse papel de honrar estas personagens, mas não o faz com aquela presunção de inúmeros filmes da época dos Óscares baseados em ‘heróis verídicos’ (...). Um exemplo notório é não ter qualquer texto no final a dizer-nos ‘onde estão eles agora’ (...) Tomara todos os filmes ‘socialmente relevantes’ terem a sobriedade e a qualidade de ‘Spotlight’, que mistura uma boa realização, boas interpretações e uma história com significado que se desenrola e desenvolve com inteligência e bom ritmo.\"\u003C\/span\u003E\u003C\/b\u003E\u003C\/div\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-15ioY0O3gmY\/Vr_JBuWTZUI\/AAAAAAAAHaM\/q6QYDvBG9hM\/s1600\/spotlight-movie-clip-its-time-.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"225\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-15ioY0O3gmY\/Vr_JBuWTZUI\/AAAAAAAAHaM\/q6QYDvBG9hM\/s400\/spotlight-movie-clip-its-time-.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EPor fim, uma questão para aquela seita misteriosa que adapta os títulos dos filmes para português, e que eu já parodiei no meu post\u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2013\/09\/a-profissao-do-outro-lado-do-sonho-um.html\"\u003E \u003Cspan style=\"color: blue;\"\u003E\u003Cb\u003E‘A profissão do outro lado do sonho – um olhar prazenteiro sobre a ‘indústria’ de tradução de títulos de filmes em Portugal’\u003C\/b\u003E\u003C\/span\u003E\u003C\/a\u003E. Faz algum sentido chamar a este filme ‘O Caso Spotlight’? Spotlight é o nome da equipa e da coluna do jornal que denunciou e escreveu sobre centenas de casos, não apenas este. Portanto faz tanto sentido chamar a este caso ‘O Caso Spotlight’ como a qualquer outro caso investigado por esta equipa. Só espero é que não façam um filme sobre nenhum desses outros casos. Senão como é que vamos chamar ao filme cá em Portugal?! 'O Segundo Caso Spotlight'?! Fica a dica.\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EPS: \u003C\/b\u003EAlgumas semanas depois de ter escrito esta crítica, 'Spotlight', apesar de ter perdido a categoria de Óscar de Melhor Realizador para\u0026nbsp;\u003Cb\u003EIñárritu\u003C\/b\u003E, venceu dois Óscares: Melhor Argumento e, tal como havia previsto, Melhor Filme. Para aquilo que são os Óscares hoje em dia, foi talvez inesperado, mas mais do que justo. Um filme inteligente, para rever.\u003C\/div\u003E"},"link":[{"rel":"replies","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/feeds\/4807685472493887082\/comments\/default","title":"Enviar feedback"},{"rel":"replies","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2016\/02\/spotlight.html#comment-form","title":"0 Comentários"},{"rel":"edit","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/4807685472493887082"},{"rel":"self","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/4807685472493887082"},{"rel":"alternate","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2016\/02\/spotlight.html","title":"Spotlight"}],"author":[{"name":{"$t":"Eu Sou Cinema"},"uri":{"$t":"http:\/\/www.blogger.com\/profile\/10225016188761425774"},"email":{"$t":"noreply@blogger.com"},"gd$image":{"rel":"http://schemas.google.com/g/2005#thumbnail","width":"16","height":"16","src":"https:\/\/img1.blogblog.com\/img\/b16-rounded.gif"}}],"media$thumbnail":{"xmlns$media":"http://search.yahoo.com/mrss/","url":"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-T8rKHX0BlwY\/Vr_JE6YYFzI\/AAAAAAAAHaY\/BvvNXTgx8aQ\/s72-c\/spotlight_xlg.jpg","height":"72","width":"72"},"thr$total":{"$t":"0"}},{"id":{"$t":"tag:blogger.com,1999:blog-606086995628430165.post-7515353374171236371"},"published":{"$t":"2015-04-27T16:15:00.000+01:00"},"updated":{"$t":"2016-04-08T11:05:16.472+01:00"},"category":[{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"1975"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Crítica"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Forman"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Óscar Melhor Filme"}],"title":{"type":"text","$t":"One Flew Over the Cuckoo's Nest"},"content":{"type":"html","$t":"\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/4.bp.blogspot.com\/-_QTLiJWPwvA\/VT4ZpNyp4SI\/AAAAAAAAFsw\/DE62iTEN_Oo\/s1600\/one_flew_over_the_cuckoos_nest_ver1.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"400\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-_QTLiJWPwvA\/VT4ZpNyp4SI\/AAAAAAAAFsw\/DE62iTEN_Oo\/s1600\/one_flew_over_the_cuckoos_nest_ver1.jpg\" width=\"268\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cb\u003EAno:\u003C\/b\u003E 1975\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003ERealizador:\u0026nbsp;\u003C\/b\u003EMilos Forman\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EActores principais:\u003C\/b\u003E\u0026nbsp;Jack Nicholson, Louise Fletcher, Michael Berryman\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EDuração:\u003C\/b\u003E 133 min\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cb\u003ECrítica:\u003C\/b\u003E Na história dos prémios da Academia, apenas três filmes venceram os mágicos cinco Óscares principais: Melhor Filme, Actor, Actriz, Realizador e Argumento. Foram eles ‘It Happened One Night’, o clássico de Frank Capra datado de 1935, ‘Silence of the Lambs’ (1991), com Jodie Foster e Anthony Hopkins no intenso papel de Hannibal Lecter e, de permeio, ‘One Flew Over the Cuckoo's Nest’ (1975), em português ‘Voando sobre um Ninho de Cucos’. Dos três, não tenho dúvidas nenhumas que aquele que mais merece esta honra é precisamente ‘One Flew Over the Cuckoo’s Nest’ – um filme de uma intensidade profunda, uma obra-prima com um fascínio que transcende décadas a todos os níveis que realmente interessam; realização, actuação e até (o leitor nunca esperou ouvir-me dizer isto) mensagem.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/3.bp.blogspot.com\/-RfCP9N4Cb10\/VT4ZpPrP9BI\/AAAAAAAAFss\/hD0jeLSH5jg\/s1600\/one-flew-over.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"268\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-RfCP9N4Cb10\/VT4ZpPrP9BI\/AAAAAAAAFss\/hD0jeLSH5jg\/s1600\/one-flew-over.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E‘One Flew Over the Cuckoo's Nest’ começou a sua vida como um romance de 1962 escrito por Ken Kessey. Antes da sua publicação, já o grande Kirk Douglas, o fabuloso actor de filmes como ‘The Bad and the Beautiful’ (1952), ‘Lust for Life’ (1956) ou ‘Spartacus’ (1960) tinha comprado os direitos de adaptação e consequentemente, no ano seguinte, produziu e protagonizou uma peça na Broadway que teve 82 actuações. Desde essa altura que Douglas tentou produzir um filme consigo próprio como actor principal, mas a história ousada e intensa não causou muito interesse dos estúdios. Mais tarde, Douglas conheceu na Europa o realizador checo Milos Forman, que por esta altura tinha algumas comédias de costumes no seu currículo como ‘Horí, má panenko – O Baile dos Bombeiros’ (1967) e houve o interesse de trabalhar em conjunto nesta história. Durante a Primavera de Praga, Forman mudou-se para os Estados Unidos, e aí tinha conseguido fazer apenas um filme, o esquecido ‘Taking Off’ de 1971. Mas o contacto ter-se-á mantido e o interesse de realizar este filme também. Infelizmente por esta altura, já os anos de ouro de Kirk Douglas tinham passado, e este teve o bom senso de aperceber-se que já estava demasiado velho para o papel. Assim sendo, cedeu os direitos ao seu filho, Michael Douglas, que poucos filmes tinha feito até então, mas que tinha atingido um relativo sucesso televisivo como um dos actores principais da série ‘The Streets of San Francisco’ (1972-1976). Aliás é curioso notar que Michael Douglas recebeu o seu primeiro Óscar como produtor aos 31 anos, logo no seu primeiro filme neste cargo, antes sequer de começar realmente a sua carreira como actor no cinema, e doze anos antes de receber o seu segundo Óscar, como Melhor Actor em ‘Wall Street’ (1987).\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-DaU4eVKHEBM\/VT4ZqeNL_JI\/AAAAAAAAFs4\/zIsBRj8dCjA\/s1600\/tumblr_la45h1j95Z1qabu3po1_1280.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"225\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-DaU4eVKHEBM\/VT4ZqeNL_JI\/AAAAAAAAFs4\/zIsBRj8dCjA\/s1600\/tumblr_la45h1j95Z1qabu3po1_1280.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EFinalmente, em 1975, o filme acabou por ser produzido pela pequena Fantasy Films, com a United Artists a assumir os encargos da distribuição. O produto final foi posteriormente deserdado pelo autor do romance e do primeiro argumento, Kessey (o próprio afirma que nunca o viu), pois houve ligeiras alterações à estrutura da história original que este não apreciou. Nomeadamente, Forman não queria que, tal como no livro, o filme fosse narrado da perspectiva do paciente índio Chief Bromden. O argumento final acabou por ser redigido por Lawrence Hauben e Bo Goldman, que se tornaria uma lenda de Hollywood por escrever filmes como ‘Melvin and Howard’ (1980), ou os fenomenais ‘Shoot the Moon’ (1982) e ‘Meet Joe Black’ (1997). Mas, sinceramente, e nunca tendo visto a peça ou lido o romance original, não vejo de que forma é que o filme possa ter piorado. Como está, está praticamente perfeito, e será de assumir que as escolhas de Forman tenham sido não em prol de ‘tomar liberdades criativas’ ou de ‘fazer convergir a história com os interesses do público’ (uma manobra clássica, mas muitas vezes condenável, de quem adapta livros), mas sim para o bem do produto final como forma de arte cinematográfica. E nesse sentido, na minha perspectiva, foi extremamente bem-sucedido.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EBasicamente, o filme contém o melhor retrato que alguma vez foi imortalizado em celulóide de doentes de uma instituição mental. O sucesso de ‘One Flew Over the Cuckoo's Nest’ originou inúmeros filmes em hospitais psiquiátricos, quer dramáticos quer cómicos, mas acho que ninguém, desde então, teve a subtileza suficiente para captar a verdadeira essência destes pacientes. Não se trata apenas de mostrar um monte de maluquinhos a fazer coisas maluquinhas e sugar daí um drama fácil. O que Forman consegue fazer neste filme é mostrar seres humanos, com as suas peculiaridades ‘fora’, é certo, mas que não deixam de ter credibilidade e emoções, que o espectador consegue captar sem que sejam forçadas ou espalhafatosas. Ajuda, e bastante, as brilhantes actuações do rol de actores secundários, nenhum deles vítima de \u003Ci\u003Eoveracting\u003C\/i\u003E: Danny DeVito, Christopher Lloyd, Vincent Schiavelli, Brad Dourif e claro, o silencioso Will Sampson como o chefe índio, uma figura imponente.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/4.bp.blogspot.com\/-insWQgq0fpw\/VT4ZnMJ69lI\/AAAAAAAAFsc\/SrRdQ6E-6wk\/s1600\/nurseratched.jpeg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"266\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-insWQgq0fpw\/VT4ZnMJ69lI\/AAAAAAAAFsc\/SrRdQ6E-6wk\/s1600\/nurseratched.jpeg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EComeçamos por assistir à rotina destes pacientes, o dia-a-dia passado nos corredores e salas da instituição; a toma dos medicamentos, as peculiaridades que possuem e com que se entretêm, sob o olhar atento das enfermeiras, vestidas com batas de um forte branco contrastante. É um clima austero e aparentemente rígido, quase prisional, mas do qual os pacientes parecem estar completamente alheados, vivendo nos seus próprios mundos. Esta existência “pacífica” do hospital psiquiátrico é quebrada com a entrada em cena de McMurphy. Jack Nicholson, que já trazia 15 anos de carreira à perna mas que apenas se tinha começado a destacar nos últimos anos em filmes como ‘Easy Rider’ (1969), ‘Five Easy Pieces’ (1970), ‘Carnal Knowledge’ (1971) ou ‘Chinatown’ (1974) nasceu para interpretar este papel (o Óscar, o primeiro dos seus três, é mais que merecido). Portanto parece incrível que os produtores tenham tentado contratar Marlon Brando, Gene Hackman e Steve McQueen antes de oferecer o papel a Nicholson. Hoje seria impossível imaginar mais alguém a fazê-lo, porque a insanidade inata, mas também dúbia de Nicholson, ajusta-se extraordinariamente a McMurphy. Aliás, McMurphy chega ao Hospital vindo da prisão local, e há, até ao final do filme, a dúvida nunca esclarecida de se se está a fingir de louco ou não, somente para cumprir o resto da sua pena no tranquilo Hospital e não na prisão.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EA personalidade extrovertida e talvez artificialmente insana de McMurphy revoluciona a vida dos pacientes da instituição. O filme vai-nos mostrando como McMurphy, que sempre trata os seus companheiros como ‘normais’, puxa por eles para os espevitar e sacudir do marasmo da sua existência mecânica e adormecida na rotina do Hospital. A sua antagonista principal, que representa ‘o sistema’, surge na forma da Enfermeira Chefe Ratched, uma interpretação gélida perfeita, digna de um filme de terror, de Louise Fletcher, uma ilustre ‘desconhecida’ (nunca fez muitos filmes de topo) que tem aqui a interpretação da sua vida e um igualmente bem merecido Óscar. O filme transforma-se numa disputa emocional, imbuída de tensão, entre McMurphy e Ratched, entre o rebelde e o sistema; um \u003Ci\u003Eone-on-one\u003C\/i\u003E pela lealdade e a ‘sanidade’ dos pacientes, entre a manutenção do \u003Ci\u003Estatus quo\u003C\/i\u003E e a busca da redenção.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-gNT0lmltSEQ\/VT4Zktux5JI\/AAAAAAAAFsI\/_ZY6k4JCUds\/s1600\/20130803-155538.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"250\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-gNT0lmltSEQ\/VT4Zktux5JI\/AAAAAAAAFsI\/_ZY6k4JCUds\/s1600\/20130803-155538.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EA grande falha que sinto neste enquadramento é que o filme condiciona o público para que a sua simpatia esteja toda do lado dos pacientes. A Enfermeira Ratched é retratada como uma mulher fria, possessiva e insensível, convencida que os seus pacientes são realmente maluquinhos, e portanto inferiores, e que têm de ser tratados com dureza. Aliás, o filme mais do que uma vez insinua que ela realmente aprecia causar dor aos seus pacientes e que tem um prazer sádico em dar ordens e dominá-los (os \u003Ci\u003Eclose-ups\u003C\/i\u003E da cara de Fletcher são prova disso). Já os pacientes são retratados como vitimas inocentes da sua própria doença, sobre a qual não têm controlo. Para além do mais, tal como recentemente ‘Silver Linings Playbook’ (2012) fez, embora de uma forma muito menos subtil, ‘One Flew Over the Cucko’s Nest’ é hábil a insinuar que a insanidade de muitos destes pacientes é apenas uma excentricidade, ou seja, são considerados malucos pelo sistema porque simplesmente se comportam de uma maneira diferente, apesar de inofensiva. Só quando o sistema os impede de agir e viver assim é que se tornam violentos, revoltando-se para manter a sua condição. Aí, o sistema usa isso como desculpa para ser ainda mais violento (embora protegido pelas leis da ‘sociedade sana’), usando medicamentos, terapias de choque ou lobotomias para ‘normalizar’, ou usando o termo de ‘Shawshank Redemption’ (1994) institucionalizar, os seus pacientes.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EO caso de Billy (interpretado por Brad Dourif) aquele paciente com quem McMurphy mais se liga, acaba por ser o exemplo mais pungente que o filme tem para oferecer. Após uma noite de rebeldia em que McMurphy consegue introduzir umas prostitutas no dormitório, Billy, uma criança que nunca cresceu, com um complexo de Édipo e tendências suicidas, finalmente tem o seu primeiro vislumbre de felicidade, ou pelo menos de normalidade. O seu característico gaguejar, por exemplo, até desaparece por breves momentos. Mas quando a enfermeira Ratchet aparece na manha seguinte, descobre o sucedido e ameaça Billy de que irá contar tudo à sua mãe, o gaguejar deste é célere a retornar e o pobre desgraçado, que conseguiu por uma única noite ser ‘normal’, regressa ao seu estado ‘maluco’, com consequências ainda mais graves…\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/4.bp.blogspot.com\/-dOwXxJFF_IY\/VT4ZjxzIlOI\/AAAAAAAAFsA\/y964K3tzuUI\/s1600\/1975-%2BJack%2BNicholson%2Bis%2Bpinned%2Bto%2Bthe%2Bfloor%2Bby%2Ban%2Borderly%2Bin%2Ba%2Bstill%2Bfrom%2Bthe%2Bfilm%2C%2B'One%2BFlew%2BOver%2Bthe%2BCuckoo's%2BNest%2C'%2Bdirected%2Bby%2BMilos%2BForman.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"265\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-dOwXxJFF_IY\/VT4ZjxzIlOI\/AAAAAAAAFsA\/y964K3tzuUI\/s1600\/1975-%2BJack%2BNicholson%2Bis%2Bpinned%2Bto%2Bthe%2Bfloor%2Bby%2Ban%2Borderly%2Bin%2Ba%2Bstill%2Bfrom%2Bthe%2Bfilm%2C%2B'One%2BFlew%2BOver%2Bthe%2BCuckoo's%2BNest%2C'%2Bdirected%2Bby%2BMilos%2BForman.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EO filme constrói-se assim com inteligência, intercalando os \u003Ci\u003Esketchs\u003C\/i\u003E da vida rotineira da instituição com os casos de rebeldia que McMurphy vai instigando para desafiar as regras, quebrar a ordem pré estabelecida e oferecer a si próprio e aos seus companheiros o doce sabor da liberdade. O que começa por coisas pequenas (a disputa pelos direitos de ver um jogo na televisão, por exemplo), vai escalando, tal como o filme escala, lenta mas seguramente. Primeiro, graças a McMurphy, o grupo de pacientes consegue escapar e passar um dia na cidade em liberdade, culminando num passeio de barco. É uma espécie de dia idílico, de final de segundo acto, antes de serem apanhados e regressarem à instituição, para os traumáticos eventos climáticos poderem ocorrer. (Numa nota, esta ‘fuga’ é a inspiração para a hilariante comédia dos anos 1980 ‘The Dream Team’, com Michael Keaon e Christopher Lloyd). Então, dá-se a tal noite de rebeldia, de bebida e de companhia feminina, que terá consequências irreversíveis para todos os pacientes, principalmente o trio principal; McMurphy, Billy e o silencioso Chefe Índio…\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EEm termos técnicos, adoro a fotografia de ‘One Flew Over the Cucko’s Nest’. A cor branca é constantemente destacada, dando ao filme um irónico tom esterilizado. A câmara de Forman, tal como aconteceria 9 anos mais tarde no seu genial ‘Amadeus’ (que voltaria a ganhar a dobradinha Óscar Melhor Filme \/ Realizador), é pouco intrusiva mas discretamente está sempre apontada na direcção certa, mesmo que essa direcção não seja exactamente a da linha narrativa principal. Apanha-se sempre um pequeno detalhe da vida do Hospital ou a expressão profunda e introspectiva de uma personagem à parte da cena, exactamente no momento certo, e isso é hipnotizante. Uma vez li que Forman mantinha câmaras a gravar as reacções de inúmeros actores secundários aos eventos da cena principal que estava a ser filmada. Nota-se. Na montagem final do filme, resulta na perfeição. Por outro lado, a banda sonora de Jack Nitzsche é delicada e, tal como os outros aspectos do filme, entra na altura certa e cria o ambiente perfeito, sem chamar atenção para si própria e tirar protagonismo da linha emocional principal. ‘One Flew Over the Cucko’s Nest’ é um filme de subtilezas e de soberba qualidade técnica, elementos que se misturam para contar esta história pungente mas não forçada, nem em termos de conteúdo, nem em termos de mensagem que quer passar para o espectador.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/2.bp.blogspot.com\/-mhlwoQjQTKs\/VT4ZkOUnE8I\/AAAAAAAAFr8\/JOojzBFuJ7M\/s1600\/968full-one-flew-over-the-cuckoo's-nest-screenshot.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"237\" src=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-mhlwoQjQTKs\/VT4ZkOUnE8I\/AAAAAAAAFr8\/JOojzBFuJ7M\/s1600\/968full-one-flew-over-the-cuckoo's-nest-screenshot.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EMesmo assim, o final tem pontadas de lirismo que poderão tirar algum do realismo que a história possuía até então. Depois da noite fatídica em que os pacientes levam longe demais a sua vontade de normalidade, uma série de tragédias abate-se sobre o Hospital. Mais uma vez, sem ser excessivamente forçado, a simpatia do filme está do lado dos pacientes que são retratados como seres trágicos, cujos destinos foram há muito traçados pelo ‘sistema’ que não parece querer que eles alguma vez se curem. Acontece isso no caso de Billy. Acontece isso no caso de McMurphy, que a determinada altura tem de escolher entre fugir da intuição (tem os meios para o fazer com sucesso à sua frente) ou ficar ao lado daqueles que se tornaram a família que nunca tinha tido, mesmo que isso implique perder a sua liberdade e rebeldia para sempre.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EE é aqui, e talvez só aqui, que o filme regressa ao romance de base para dar a sua moral definitiva na perspectiva do Chefe Índio, a personagem que consegue ‘salvar-se’ e ‘aprender’ com a tragédia que se abate sobre as restantes. As preconcepções e os estereótipos podem ser viciosos e deturpados por aqueles que não aceitam a diferença; ser diferente é uma escolha, por isso é um crime tentar ‘impor’ a normalidade; todos temos sonhos e segredos que ninguém pode roubar, mas que podem ser partilhados e vividos se houver um pouco de compreensão; o direito de viver está acima de todos os outros direitos, e nunca deve ser negado ou retirado. Tudo isto soa a cliché, é verdade, mas uma das maiores vantagens de ‘One Flew Over the Cucko’s Nest’ é que não recorre a um único cliché fílmico ou argumental, ou a cenas completamente desproporcionadas ou artificialmente dramáticas para passar a sua mensagem. Aliás, raramente recorre ao movimento ou à acção para a transmitir, e a subtileza é a sua maior arma já que, em grande parte, não faz juízos de valor e está aberto à interpretação. Tem o equilíbrio perfeito entre o cinema artístico e o cinema de mensagem social, ambos em voga no cinema americano dos anos 1970, não atingindo contudo nenhum destes estados. Fica a meio-termo, o meio-termo dos grandes filmes, que podem também ser grandes sucessos comerciais com públicos de toda a espécie, sem ver denegrida qualquer uma das suas outras componentes.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/4.bp.blogspot.com\/-el7S--z9Khw\/VT4Zsp__5eI\/AAAAAAAAFtE\/eTeP6p-Yb4E\/s1600\/one_flew_over_the_cuckoos_nest_mcmurphy_chief.png\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"225\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-el7S--z9Khw\/VT4Zsp__5eI\/AAAAAAAAFtE\/eTeP6p-Yb4E\/s1600\/one_flew_over_the_cuckoos_nest_mcmurphy_chief.png\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EPor isso mesmo, é inegável que ‘One Flew Over the Cucko’s Nest’ acaba por ser um poderoso ataque às convenções da sociedade dita ‘normal’ e um gigantesco apelo à insurreição. Em 1975 os restantes nomeados para Melhor Filme eram ‘Barry Lyndon’ de Kubrick, ‘Dog Day Afternoon’ de Sidney Lumet, ‘Jaws’ de Spielberg e ‘Nashville’ de Robert Altman. Todos filmes intensos, mas nenhum com a profundidade e as repercussões emocionais e sociais que ‘One Flew Over the Cucko’s Nest’ contém, e ainda facilmente mantém, 40 anos (!!) volvidos.\u003C\/div\u003E"},"link":[{"rel":"replies","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/feeds\/7515353374171236371\/comments\/default","title":"Enviar feedback"},{"rel":"replies","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2015\/04\/one-flew-over-cuckoos-nest.html#comment-form","title":"0 Comentários"},{"rel":"edit","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/7515353374171236371"},{"rel":"self","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/7515353374171236371"},{"rel":"alternate","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2015\/04\/one-flew-over-cuckoos-nest.html","title":"One Flew Over the Cuckoo's Nest"}],"author":[{"name":{"$t":"Eu Sou Cinema"},"uri":{"$t":"http:\/\/www.blogger.com\/profile\/10225016188761425774"},"email":{"$t":"noreply@blogger.com"},"gd$image":{"rel":"http://schemas.google.com/g/2005#thumbnail","width":"16","height":"16","src":"https:\/\/img1.blogblog.com\/img\/b16-rounded.gif"}}],"media$thumbnail":{"xmlns$media":"http://search.yahoo.com/mrss/","url":"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-_QTLiJWPwvA\/VT4ZpNyp4SI\/AAAAAAAAFsw\/DE62iTEN_Oo\/s72-c\/one_flew_over_the_cuckoos_nest_ver1.jpg","height":"72","width":"72"},"thr$total":{"$t":"0"}},{"id":{"$t":"tag:blogger.com,1999:blog-606086995628430165.post-9025906454053784614"},"published":{"$t":"2015-01-12T16:04:00.000+00:00"},"updated":{"$t":"2016-07-10T12:43:57.761+01:00"},"category":[{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"2014"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Crítica"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Iñárritu"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Óscar Melhor Filme"}],"title":{"type":"text","$t":"Birdman"},"content":{"type":"html","$t":"\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-RBFCSFX0r5I\/VLPh3hfjG7I\/AAAAAAAAE5U\/KwzkssOfOoM\/s1600\/birdman-click.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"400\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-RBFCSFX0r5I\/VLPh3hfjG7I\/AAAAAAAAE5U\/KwzkssOfOoM\/s1600\/birdman-click.jpg\" width=\"270\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cb\u003EAno:\u003C\/b\u003E 2014\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003ERealizador:\u003C\/b\u003E\u0026nbsp;Alejandro González Iñárritu\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EActores principais:\u003C\/b\u003E\u0026nbsp;Michael Keaton, Zach Galifianakis, Edward Norton\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EDuração:\u003C\/b\u003E 119 min\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cb\u003ECrítica:\u003C\/b\u003E A história do cinema possui uma série de obras-primas passadas nos bastidores do teatro, onde actores dão tudo o que têm (e por vezes o que não têm) para produzir a sua derradeira peça, para interpretar o seu derradeiro papel, obtendo assim reconhecimento (do público mas também pessoal) e saciar os seus demónios interiores. Filmes onde, facilmente, a história da peça de teatro se começa a confundir com a história do próprio filme, e o mesmo paralelismo ocorre entre o actor principal e a personagem que está a interpretar na peça dentro do filme, levando muitas vezes a uma tragédia no, passe o trocadilho, acto final. Estou a falar de filmes como ‘A Double Life’ (1947) onde Ronald Colman ganhou o seu Óscar de Melhor Actor; ‘Opening Night’ (1977) de John Cassavetes; o fantástico ‘The Dresser’ (1983) com Albert Finney ou, se passarmos para o mundo do ballet, ‘The Red Shoes’ (1948) e mais recentemente ‘Black Swan’ (2011).\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/3.bp.blogspot.com\/-yiC3wjGulfA\/VLPh5x1wRKI\/AAAAAAAAE5k\/pREjVDaCrN4\/s1600\/BIRDMAN_gallery_cover_photo.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"266\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-yiC3wjGulfA\/VLPh5x1wRKI\/AAAAAAAAE5k\/pREjVDaCrN4\/s1600\/BIRDMAN_gallery_cover_photo.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E‘Birdman’, o novo filme do mexicano Alejandro González Iñárritu, entra facilmente, mas muito facilmente, para esta pequena lista de grandes obras passadas nos bastidores do teatro. Com um argumento fluído e bem escrito, uma realização íntima e a salientar o trabalho dos actores (que é de primeira água), ‘Birdman’, que ostenta o subtítulo de ‘The Unexpected Virtue of Ignorance’ (a inesperada virtude da ignorância), tem virtude e não é nada ignorante do ponto de vista cinematográfico, mas isso, conhecendo o trabalho anterior de Iñarritu, não é inesperado. O que é inesperado é a forma como ele consegue ser tão focado, negando o comercialismo excessivamente dramático que tem caracterizado as suas obras. O que é inesperado, é que ‘Birdman’ não só reflecte com interesse e dinâmica a semana na vida destas personagens (a semana antes da estreia da sua peça), dando ainda por cima a ilusão de que o filme está todo a ser filmado num único take, como ainda consegue ser uma semi-sátira bastante interessante à cultura moderna e ao comercialismo cinematográfico. Porquê semi? Já vamos perceber.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/2.bp.blogspot.com\/-Sk-WPBeQlvU\/VLPh5DriFoI\/AAAAAAAAE5c\/71IKA4QEaME\/s1600\/birdman-movie-still-13.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"215\" src=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-Sk-WPBeQlvU\/VLPh5DriFoI\/AAAAAAAAE5c\/71IKA4QEaME\/s1600\/birdman-movie-still-13.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EConfesso que nunca fui grande fã do trabalho de Iñarritu. A prova é que tenho o DVD de ‘Biutiful’ (2010), o seu filme anterior, na estante já há uns bons dois anos, e ainda não o vi. Os seus outros três filmes: ‘Amores Perros’ (2000), ’21 Grams’ (2003) e ‘Babel’ (2006), na minha opinião foram ficando cada vez mais comerciais, e cada vez piores. Se em ‘Amores Perros’ ainda ficamos envolvidos na estrutura Tarantinesca em mosaico, nas personagens peculiares, e no \u003Ci\u003Epathos\u003C\/i\u003E trágico da história, já ’21 Grams’ tem um excessivo dramatismo, completamente artificial, forçado pela goela abaixo do espectador, e ‘Babel’ pega em tudo o que de bom havia no trabalho de Iñarritu e mastiga-o muito bem mastigadinho, troca-o por miúdos, para ‘chocar comodamente’ e seduzir as massas. Nunca critiquei a sua capacidade técnica como realizador. Essa é inegável. Mas sempre achei que os seus argumentos eram pretensiosamente ambiciosos, como telenovelas excessivamente bem filmadas ao estilo de um Douglas Sirk da era moderna. Por isso sempre gostei mais de ‘Amores Perros’, porque ainda tinha aquela inocência do realizador estreante. Mas agora, com ‘Birdman’, encontro um novo filme preferido de Iñarritu. E a mudança de tom, a focagem mais nas personalidades e menos no drama que estão a viver, seduz e é bastante bem vinda no trabalho deste realizador.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E‘Birdman’ foca-se na personagem de Riggan Thomas (destramente protagonizado por Michael Keaton), um actor que 20 anos antes havia alcançado fama mundial ao interpretar o super-herói Birdman em blockbusters de Hollywood, mas que agora é só uma celebridade já quase esquecida. O filme, que se passa todo dentro de um teatro da Broadway, e nos passeios da própria Broadway, retrata a preparação de uma peça dramática ‘séria’, escrita, produzida, realizada e protagonizada pelo próprio Riggan – a sua última tentativa desesperada de ser aceite como actor verdadeiro, de voltar à fama e de cair nas boas graças dos críticos.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/--fOMKGrMWcI\/VLPh-OpDJxI\/AAAAAAAAE6Q\/s11cIHyEQ3s\/s1600\/hr_Birdman_16.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"216\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/--fOMKGrMWcI\/VLPh-OpDJxI\/AAAAAAAAE6Q\/s11cIHyEQ3s\/s1600\/hr_Birdman_16.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EOs críticos do filme, e a própria publicidade do filme, foram céleres a formar os paralelismos desta personagem com o próprio Michael Keaton, que foi o primeiro Batman da era moderna nos filmes de Tim Burton, assinalando ‘Birdman’ como o seu \u003Ci\u003Ecomeback\u003C\/i\u003E. Mas estes são os críticos que nunca olharam para Keaton como um actor, e sempre o viram e negligenciaram como “um cómico”. Eu sempre gostei de Keaton, acho que ele é incrivelmente engraçado, ainda é o melhor Batman até hoje, e fui um acérrimo defensor de que lhe roubaram rudemente um Óscar de Melhor Secundário em 1993, pela sua interpretação do guarda Dogberry em ‘\u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2013\/04\/much-ado-about-nothing.html\"\u003EMuch Ado About Nothing\u003C\/a\u003E’ de Kenneth Branagh.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/4.bp.blogspot.com\/-7zG4AJ9tz20\/VLPh8lMijHI\/AAAAAAAAE6A\/74NxJh4hjXc\/s1600\/birdman82.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"216\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-7zG4AJ9tz20\/VLPh8lMijHI\/AAAAAAAAE6A\/74NxJh4hjXc\/s1600\/birdman82.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EComo Riggan, Michael Keaton não demonstra muito mais daquilo que já tinha provado que conseguia fazer, em filme dramáticos anteriores. A sua intensidade e versatilidade facial, o seu leque de emoções, a incrível naturalidade, tudo já foi visto antes. A diferença, realmente, é que agora está a fazê-lo num filme “sério”, e portanto, como consequência, já é levado a sério. E o paralelismo de Birdman para Batman é mais que óbvio, mas é apenas um aparte, quase nada importante, em termos da linha emocional do argumento. O forçado paralelismo está mais na publicidade ao filme (tal como fizeram com Mickey Rourke em ‘Wrestler’, embora ele tenha sido boxeur e não wrestler, e já tivesse regressado ao cinema há mais de uma década), e realmente não interessa quando o começamos a ver. Keaton está brutal e merece o Globo de Ouro que recebeu ontem e é um sério candidato ao Óscar, mas é preciso assinalar que está a actuar no mesmo comprimento de onde em que sempre esteve.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-bmg9xm8Vpv4\/VLPh8IhE-_I\/AAAAAAAAE58\/qLxu1pGIqxQ\/s1600\/birdman-stills-wallpapers.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"216\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-bmg9xm8Vpv4\/VLPh8IhE-_I\/AAAAAAAAE58\/qLxu1pGIqxQ\/s1600\/birdman-stills-wallpapers.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EEm enormes planos sem cortes, Iñarritu mostra os bastidores da preparação da peça a poucos dias da estreia. Obviamente é um ambiente caótico que Riggan sustém a cuspo. Ele próprio está por um fio, amaldiçoado pelas memórias de quando era rico e famoso, ouvindo a voz do seu alter-ego Birdman em momentos de insanidade e imaginado que tem superpoderes, perdido na sua busca por alguma verdade de interpretação, procurando ser mais do que uma estrela esquecida. O elenco da sua peça de teatro inclui uma jovem estreante interpretada por Naomi Watts, um arrogante actor famoso do teatro interpretado por Edward Norton (fantástico), cujo ego choca com o de Riggan, e outra actriz ingénua interpretada por Merritt Wever, que poderá estar grávida de Riggan. Orbitam ainda pelo teatro a sua rebelde filha, que acabou de sair de uma clínica de reabilitação por dependência de drogas e sofre da síndrome clássica dos filhos das celebridades (finalmente um papel em que vemos Emma Stone a Actuar com A maiúsculo), a mãe desta e sua ex-mulher (Amy Ryan), o seu nervoso agente (Zach Galifianakis), e finalmente uma poderosa crítica de teatro (Lindsay Duncan) que odeia estas estrelas de Hollywood que vêm para a Broadway brincar aos teatros e que ameaça seriamente destruir a peça na sua crítica.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EO filme é uma poderosa \u003Ci\u003Etour de force\u003C\/i\u003E de actuação e de organização cénica, onde vamos compreendendo, através de monólogos extremamente bem escritos, o íntimo destas personagens (talvez o melhor argumento do ano a par do de ‘Grand Budapest Hotel’). Claro que Iñarritu não consegue resistir à tentação de apimentar estes monólogos com tácticas cinematográficas para parecerem melhores do que são. Com tão bons actores secundários neste filme, vemos constantemente as nomeações nas cerimónias de prémios a irem apenas para Emma Stone. Porquê? Porque no seu monólogo fulcral a câmara está a dez centímetros do seu rosto e não há um único corte em mais de dois minutos! Mas porque quer monólogos quer actores são bons, perdoamos a ofensa.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-_B1jmMWViA8\/VLPh_BbZE-I\/AAAAAAAAE6g\/WvRBMjwB7fk\/s1600\/transferir.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"280\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-_B1jmMWViA8\/VLPh_BbZE-I\/AAAAAAAAE6g\/WvRBMjwB7fk\/s1600\/transferir.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EInteragindo com as várias personagens à vez, Riggan vai-se afundando cada vez mais emocional e psicologicamente, à medida que nos aproximamos do dia da estreia. O seu arco emocional é soberbo e a forma como a sua personalidade Birdman (que obviamente representa a ilusão da celebridade) começa a tomar conta dele é magnífica, provocando algumas sequências fantasiosas. Ao mesmo tempo, o filme vai-se desviando apenas levemente para uma ou outra história secundária, como por exemplo a relação que começa a surgir entre Emma Stone e Edward Norton. Mas numa manobra de mestre, e com incrível subtileza, o filme reverte isso para o ponto de vista de Riggan, tal como faz com todos os restantes eventos. Tudo contribui para o clímax da personagem (e do filme), em acções que se vão acumulando lentamente, até o copo inevitavelmente transbordar, com um estrondo. Em que altura? Obviamente, na noite de estreia.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/2.bp.blogspot.com\/-iUDaKK4I740\/VLPh1WgiblI\/AAAAAAAAE5M\/pvGgv1U1aUw\/s1600\/Birdman-Stills-HD-Wallpapers.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"266\" src=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-iUDaKK4I740\/VLPh1WgiblI\/AAAAAAAAE5M\/pvGgv1U1aUw\/s1600\/Birdman-Stills-HD-Wallpapers.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EO filme mistura este retrato credível e profundo das personagens, esta fantástica edificação argumental, com momentos de comédia negra e uma crítica acutilante, mas nunca azeda, aos lugares comuns da indústria cinematográfica, das suas estrelas e da fama instantânea dos dias de hoje através da internet. No início chamei a ‘Birdman’ uma semi-sátira, precisamente porque esta vertente crítica está pouco explorada. Iñarritu não consegue, mesmo perante um drama muito bem construído, lagar o inerente comercialismo nem morder a mão que o alimenta. A crítica é sempre \u003Ci\u003Esoft\u003C\/i\u003E, bem como as bocas diversas a George Clooney ou Robert Downey Jr, por exemplo. São piadas inofensivas para o público sorrir. A paródia ao twitter, ao facebook e ao youtube (por exemplo na cena hilariante em que Riggan fica preso, em cuecas, na rua e tem que dar a volta ao quarteirão para voltar a entrar no teatro), é também muito superficial e ironicamente (ou não) foram coisas como estas que ajudaram a alimentar o sucesso do próprio filme. Quando a crítica de teatro faz um longo monólogo a acusar as estrelas dos blockbusters de Hollywood de não serem actores verdadeiros, até podia parecer que o filme estava a tocar um ponto muito sensível. Mas como resposta, Michael Keaton debita um longo monólogo, muito mais espectacular (ou filmado para o ser), a denunciar todos os críticos, de cinema e de teatro, como artistas falhados, convencidos e amargurados. No final da cena, quem sai por cima é o actor, e não o crítico, e o público aplaude (e alguns críticos mais auto-conscientes também!).\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EDo mesmo modo, o final do filme, mais dramático à primeira vista do que acaba por ser, é totalmente comercial, afastando-se dos finais pungentes de ‘A Double Life’, ‘The Dresser ou ‘Black Swan’, para atingir uma moral que está taco a taco com a de ‘\u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2014\/08\/scream-4.html\"\u003EScream 4\u003C\/a\u003E’ (2011). Ou seja, a fama de tablóide poderá ser suficiente para curar um espírito quebrado e obter a redenção. Acho que nem o final aberto consegue afastar esta moral dúbia, o que poderá ser uma crítica simpática à indústria, mas não abona muito em favor da personagem de Riggan e da soberba construção de que foi alvo ao longo de todo o filme.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/4.bp.blogspot.com\/-BzfCAgZYj6g\/VLPh_23feWI\/AAAAAAAAE6k\/t5zKEFLSJOo\/s1600\/x011-bm-sg-00315-r.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"216\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-BzfCAgZYj6g\/VLPh_23feWI\/AAAAAAAAE6k\/t5zKEFLSJOo\/s1600\/x011-bm-sg-00315-r.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EPessoalmente, não gostei mesmo nada do final, nem da sua moral. Por outro lado, exceptuando o final, pouco encontrei que pudesse criticar em ‘Birdman’. Filme ‘musical ou comédia’ (como estava inscrito nos Globos de Ouro) é que não é de certeza, mas para um drama humano e íntimo sobre os bastidores do teatro, é um filme extremamente bem conseguido. E mais, nesta era moderna, ‘Birdman’ destaca-se por ser diferente. Diferente da estrutura clássica que têm os usuais filmes nomeados para estas cerimónias de prémios. E isso é óptimo, pois ao ver o filme, sente-se o sabor desse ar fresco, dessa irreverência, que apesar de truncada pelas convenções, realmente existe.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003ETalvez haja mais filmes como ‘Birdman’ por aí, mas estão do lado dos ‘filmes independentes’, e não têm uma distribuição alargada nem um exacerbado mediatismo. ‘Birdman’ convence e é um justo vencedor das actuais cerimónias de prémios pois consegue apontar para ambos os públicos; o mais comercial, com os seus momentos de sátira e com as suas piadas à indústria e às estrelas que todos podem perceber; e o mais cinéfilo, com a sua forte mestria técnica, a sua estrutura bem erguida e as suas fortes actuações. Que venham os Óscares e que Michael Keaton ganhe finalmente o reconhecimento que merece. E que Iñarritu faça mais filmes como este, e menos como ‘Babel’.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/2.bp.blogspot.com\/-fXLjo6YnlTY\/VLPh7JBDrDI\/AAAAAAAAE50\/Lq9rFlzd8Xg\/s1600\/birdman-movie-still-9.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"215\" src=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-fXLjo6YnlTY\/VLPh7JBDrDI\/AAAAAAAAE50\/Lq9rFlzd8Xg\/s1600\/birdman-movie-still-9.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EAh, e quase me esquecia. Aquela banda sonora quase toda em bateria… chega a ser pesada, chega a ser enervante, chega a ser dinâmica, mas parece sempre, propositadamente, descompassada em relação à imagem. Uma opção estranha e ousada, que parece ser o equivalente ao \u003Ci\u003Edrumroll\u003C\/i\u003E antes de uma piada, e o bater de pratos na \u003Ci\u003Epunchline\u003C\/i\u003E…\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003C\/div\u003E"},"link":[{"rel":"replies","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/feeds\/9025906454053784614\/comments\/default","title":"Enviar feedback"},{"rel":"replies","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2015\/01\/birdman.html#comment-form","title":"1 Comentários"},{"rel":"edit","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/9025906454053784614"},{"rel":"self","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/9025906454053784614"},{"rel":"alternate","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2015\/01\/birdman.html","title":"Birdman"}],"author":[{"name":{"$t":"Eu Sou Cinema"},"uri":{"$t":"http:\/\/www.blogger.com\/profile\/10225016188761425774"},"email":{"$t":"noreply@blogger.com"},"gd$image":{"rel":"http://schemas.google.com/g/2005#thumbnail","width":"16","height":"16","src":"https:\/\/img1.blogblog.com\/img\/b16-rounded.gif"}}],"media$thumbnail":{"xmlns$media":"http://search.yahoo.com/mrss/","url":"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-RBFCSFX0r5I\/VLPh3hfjG7I\/AAAAAAAAE5U\/KwzkssOfOoM\/s72-c\/birdman-click.jpg","height":"72","width":"72"},"thr$total":{"$t":"1"}},{"id":{"$t":"tag:blogger.com,1999:blog-606086995628430165.post-4062935712320429445"},"published":{"$t":"2014-12-31T11:02:00.000+00:00"},"updated":{"$t":"2016-04-08T11:05:31.223+01:00"},"category":[{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"1980"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Crítica"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Redford"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Óscar Melhor Filme"}],"title":{"type":"text","$t":"Ordinary People"},"content":{"type":"html","$t":"\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/4.bp.blogspot.com\/-tuEvW78zAhk\/VKPK_KEBYgI\/AAAAAAAAE10\/2zRogfWLnfE\/s1600\/OrdinaryPeople.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"400\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-tuEvW78zAhk\/VKPK_KEBYgI\/AAAAAAAAE10\/2zRogfWLnfE\/s1600\/OrdinaryPeople.jpg\" width=\"262\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cb\u003EAno:\u003C\/b\u003E 1980\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003ERealizador:\u0026nbsp;\u003C\/b\u003ERobert Redford\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EActores principais:\u003C\/b\u003E\u0026nbsp;Donald Sutherland, Mary Tyler Moore, Timothy Hutton\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EDuração:\u003C\/b\u003E 124 min\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cb\u003ECrítica: \u003C\/b\u003E‘Ordinary People’, em português ‘Gente Vulgar’ não é, nem de perto nem de longe, um filme vulgar. É um daqueles filmes simples mas extremamente eficazes, extremamente bem-feitos, extremamente pungentes e comoventes. Isto sem alguma vez ser artificial, excessivamente dramático ou estar sempre a puxar a brasa à sua sardinha. Ou seja, é um filme que prova que a vida – a vida real – é o drama supremo, e que não necessita de grandes embelezamentos cinematográficos para ser profundo, cativante ou sensibilizar o espectador. É um filme que facilmente poderia cair na tentação de um exacerbado dramatismo e de uma descabida teatralidade, e que portanto tem ainda mais qualidade por não cair, o que só pode ser obtido através de uma grande contenção do realizador, uma contenção que esconde uma incrível capacidade técnica. Por todas estas coisas ‘Ordinary People’ vai muito mais além daquilo que a sua fachada poderia deixar antever. Por todas estas coisas ‘Ordinary People’ é muito mais do que um drama familiar de puxar à lágrima. É muito mais do que um filme para comover, e devido ao seu tema social, conquistar prémios (que conquistou é certo, mas merecidamente). Por todas estas coisas ‘Ordinary People’ é, acima de tudo, um grande filme.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/2.bp.blogspot.com\/-3RWsIr8G9R0\/VKPK7rUXvfI\/AAAAAAAAE1Y\/a8reSQKnaOg\/s1600\/Conrad%2B%26%2BCalvin%2BJarrett-Ordinary%2BPeople.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"291\" src=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-3RWsIr8G9R0\/VKPK7rUXvfI\/AAAAAAAAE1Y\/a8reSQKnaOg\/s1600\/Conrad%2B%26%2BCalvin%2BJarrett-Ordinary%2BPeople.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EDos vencedores do Óscar de Melhor Filme dos últimos 30 anos, ‘Ordinary People’ é, injustamente, um dos mais esquecidos, um dos menos recordados, um dos que menos passam na televisão. Em anos recentes tivemos entradas ainda mais descartáveis, como ‘Slumdog Millionaire’ ou ‘The King’s Speach’, que em meia década já toda a gente se esquecerá que ganhou o Óscar, mas ‘Ordinary People’ não deve estar neste pacote. Outros nomeados em 1980, como ‘Ragging Bull’ de Martin Scorsese ou ‘Elephant Man’ de David Lynch hoje ainda são populares e têm legiões de seguidores, enquanto que apenas um punhado de pessoas se recorda de ‘Ordinary People’. Mas o leitor poderá ficar surpreendido de eu achar que a vitória deste filme é completamente justa (a Academia acertou, parece incrível!). Tal como foram completamente justos os outros três Óscares que o filme recebeu, Melhor Realizador, Melhor Argumento Adaptado e, principalmente, Melhor Actor Secundário para um jovem, então quase estreante, Timothy Hutton (que, apesar do Óscar, nunca deu o salto para o cinema popular, mas mantém uma carreira digna até hoje).\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-01TI9z1P1iw\/VKPK_a6n1HI\/AAAAAAAAE14\/LhVTBlMB5ss\/s1600\/OrdinaryPeople018_jpg.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"223\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-01TI9z1P1iw\/VKPK_a6n1HI\/AAAAAAAAE14\/LhVTBlMB5ss\/s1600\/OrdinaryPeople018_jpg.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EMas a maior surpresa de todas, para mim, quando há muitos anos vi o filme pela primeira vez, foi olhar para o nome do realizador e ler Robert Redford. Esta cara bonita, mas talentosa, da sétima arte, havia surgido na década de 1960 como actor e fizera história com filmes como ‘Barefoot on the Park’ (1957), ‘Butch Cassidy and the Sundance Kid’ (1969), ‘The Sting’ (1973, vencedor do Óscar de Melhor Filme), ‘The Way We Were’ (1973) ou ‘All the President’s Man’ (1976). Mas aparentemente, Redford também tinha ambições de realização. Aliás, pode-se dizer que Redford criou um precedente, pois foi o primeiro de um conjunto de actores populares que nunca ganharam Óscares por actuação, mas que ganharam por realização: Warren Beatty, Clint Eastwood, Kevin Costner, Mel Gibson. E, tal como estes, Redford decidiu estrear-se na realização com um filme longe do perfil típico dos seus trabalhos como actor, muito mais simples, muito menos ambicioso, muito mais íntimo. E é surpreendente ver como a sua abordagem ao tema e ao material foi incrivelmente bem-sucedida.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E‘Ordinary People’ é uma história simples, humilde e sentida sobre como uma família; o pai, a mãe, e o filho mais novo, lida com a morte do filho mais velho, um rapaz extremamente popular no liceu e na comunidade, num acidente de barco. O pai é interpretado pelo fabuloso Donald Sutherland, um homem que tenta manter uma aparente calma, agradar a toda a gente e que se afasta de qualquer tipo de confronto e discussão, na esperança de assim conseguir ultrapassar a sua dor e resolver os problemas à sua volta. A mãe é interpretada por Mary Tyler Moore, uma então popular actriz de televisão, que aqui tem uma performance extraordinária como uma mulher algo possessiva e amargurada, que se importa mais com as aparências do que com os sentimentos, e que lida com a morte do seu primogénito privando-se de qualquer emoção, e escondendo-se na rotina, nos eventos sociais, e numa obsessiva lida da casa.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/3.bp.blogspot.com\/-5TcPm1k5Fng\/VKPK9UARE8I\/AAAAAAAAE1k\/M035ZisaQNc\/s1600\/Ordinary-People-23-11-09-kc.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"223\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-5TcPm1k5Fng\/VKPK9UARE8I\/AAAAAAAAE1k\/M035ZisaQNc\/s1600\/Ordinary-People-23-11-09-kc.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EMas o filme toma o ponto de vista do terceiro elemento desta família, o filho mais novo, que sobreviveu ao acidente de barco e cujo trauma da morte do irmão é muito mais profundo. O actor Timothy Hutton tinha apenas 20 anos de idade quando filmou este tão exigente papel, mas a sua actuação é a de um mestre consumado. Roubando todas as cenas em que aparece, mesmo perante actores de grande bagagem como Sutherland ou Tyler Moore, Hutton é a chama que alimenta o filme, a força motriz que o faz avançar. A sua interpretação é poderosa e intensa, mas ao mesmo tempo é delicada, e imbuída de uma invejável humanidade. Estamos a falar do actor que recusou o papel principal em ‘Risky Business’ (1983), que eventualmente lançaria a carreira de Tom Cruise, para poder trabalhar com Sideny Lumet em ‘Daniel’ (1983), passando assim provavelmente ao lado de uma carreira estelar. No papel de Conrad em ‘Ordinary People’ vê-se que Hutton não nasceu para ser uma estrela. Nasceu para ser um \u003Ci\u003Eactor\u003C\/i\u003E.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EAo longo do filme percebemos que, antes dos eventos que nos são mostrados, Conrad tinha-se tentado suicidar após a morte do irmão e que passou, depois disso, quatro meses num Hospital. O filme inicia-se pouco depois de ele regressar a casa, e vai-nos mostrando como procura readaptar-se, sem grande sucesso, à vida familiar e à escolar. Quer em casa quer na escola, Conrad sente-se assombrado pela sombra do irmão, melhor atleta, melhor filho, melhor aluno. Na equipa de natação, Conrad nunca será tao rápido como o irmão foi. Em casa, tem que enfrentar igualmente a dor dos pais, que, mesmo sem intenção, descarregam nele. Principalmente a mãe, que sempre gostou mais do filho que morreu e que agora não consegue transferir o afecto para aquele que ainda está vivo. E depois há ainda o próprio sentimento de culpa de Conrad, procurando encontrar-se, ligar-se aos pais, e afastar os seus pesadelos em que revive vezes sem conta aqueles minutos fatídicos no barco.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/3.bp.blogspot.com\/-vVrW3Lpv-_4\/VKPLAAp-kgI\/AAAAAAAAE2A\/GdnHdFcoAIU\/s1600\/ordinary-people-judd-hirsch-timothy-hutton.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"213\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-vVrW3Lpv-_4\/VKPLAAp-kgI\/AAAAAAAAE2A\/GdnHdFcoAIU\/s1600\/ordinary-people-judd-hirsch-timothy-hutton.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EOs pais não conseguem lidar com a sua inadaptação, já que nem eles próprios conseguem ultrapassar o trauma da perda do filho, por isso Conrad vai ser salvo por duas novas relações na sua vida. A primeira é com um novo psicólogo, de métodos pouco ortodoxos, interpretado de forma convincente por Judd Hirsch. O público de hoje estará certamente muito mais familiarizado com a interpretação de Robin Williams em ‘Good Will Hunting’ (1997), como o psicólogo que ajuda Matt Damon. Pois bem, a personagem e a performance de Hirsch em ‘Ordinary People’ existe nos mesmos moldes; um homem também com amarguras próprias mas que trata, não com condescendência, mas estimulando e inspirando. A segunda grande relação nova na vida de Conrad surge pela bela actuação da então jovem Elizabeth McGovern, a actriz de olhos grandes, brilhantes e voz grave que pouco depois seria Deborah na derradeira obra-prima de Sergio Leone, ‘Once Upon a Time in America’ (1984), e que hoje em dia vive um novo surto de popularidade como a Condessa Cora de ‘Downton Abbey’. Em ‘Ordinary People’ McGovern é uma colega de liceu de Conrad, que se começa a interessar-se por ele, e que acaba por ser um apoio emocional que poderá desembocar em amor.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/2.bp.blogspot.com\/-U7d7ACwkoIE\/VKPK7b80rZI\/AAAAAAAAE1U\/YhpRJ_-yalY\/s1600\/89979_full.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"287\" src=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-U7d7ACwkoIE\/VKPK7b80rZI\/AAAAAAAAE1U\/YhpRJ_-yalY\/s1600\/89979_full.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EPouco mais se pode contar em termos de história sobre este filme, a não ser que se comece a descrever os diálogos. Basicamente, centrado em Conrad, o filme oscila entre os vários estados emocionais e as várias discussões\/ conversas\/ revelações sentimentais que se processam entre estas cinco personagens principais: Conrad, os seus pais, o seu psicólogo e a sua namorada. Sendo que os dois últimos servem principalmente como desabafos emocionais para Conrad e catalisadores da sua catarse, é no seio da família que o filme mais se foca, e mais pontos ganha na sua brilhante exploração (como disse em cima nunca de uma forma artificial), das consequências emocionais da perda de um familiar. Cada um tem que lidar com os restantes e consigo próprio. Cada um tem que fazer as pazes com os restantes e consigo próprio. Cada um tem que aceitar os restantes e a si próprio. E só assim podem aceitar a morte, e seguir em frente com as suas vidas.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-vwmlsB_i8dg\/VKPK_IfsP5I\/AAAAAAAAE2U\/e_QDmOoFnt0\/s1600\/Ordinary-People-McGovern.png\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"220\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-vwmlsB_i8dg\/VKPK_IfsP5I\/AAAAAAAAE2U\/e_QDmOoFnt0\/s1600\/Ordinary-People-McGovern.png\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EDestramente, o filme faz esta ponte emocional com o espectador. Há uma enorme contenção cinematográfica, mesmo nas cenas mais delicadas, mesmo nas cenas mais emocionalmente tensas. Raramente se ouve música. Raramente há berros, gritos, discussões, choradeira desenfreada, diálogos infinitos a explicar as emoções. Redford nega tudo isso. As emoções não precisam de ser explicadas, se a câmara as captar e os actores as transmitirem através das suas actuações. E neste filme, como poucos, tal acontece, o que é maravilhoso. É a câmara que descobre as emoções escondidas nas personagens, e os actores não estão a actuar para a câmara; estão a viver a sua história, credivelmente, com \u003Ci\u003Eperformances\u003C\/i\u003E incrivelmente humanas com as quais nos conseguimos identificar.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003ENão há aqui aquela teatralidade poderosa dos grandes dramas familiares que o cinema dos anos 1960 e 1970 viu, como ‘Who’s Affraid of Virginia Wolf’ (1966), por exemplo. Não há aqui excessos de emoção, sentimentos mastigados e explicados um a um ao público, como em qualquer drama da Julia Roberts. Há sim um minimalismo abissal, sem \u003Ci\u003Etwists\u003C\/i\u003E, sem surpresas, sem cenas para a casa vir abaixo com aplausos ou choro. Aqui, temos (quase) a vida real, um conjunto de seres humanos a tentar seguir em frente, a tentar lidar com uma sensação de vazio, a tentar preencher esse vazio com qualquer coisa, com amor, com uma emoção, com qualquer sensação de vida que valha a pena. Redford extrai dos seus actores e do enquadramento de cada cena o estritamente necessário para conseguir obter este efeito. Nem mais, nem menos. Há filme melhor sobre a morte de um familiar? Poucos ou nenhuns na América (não será certamente '\u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2013\/06\/the-descendants.html\"\u003EOs Descendentes\u003C\/a\u003E' (2011), já criticado neste blog). Pelo resto do mundo, ‘La stanza del figlio’ (2001) de Nanni Moretti, por exemplo, adopta o mesmo tipo de abordagem. De repente, não me vem mais nenhum melhor à cabeça.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/3.bp.blogspot.com\/-9LBKHKZ4lo8\/VKPLAVp58JI\/AAAAAAAAE2E\/Hfm1YgFirAQ\/s1600\/ordinary-people.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"266\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-9LBKHKZ4lo8\/VKPLAVp58JI\/AAAAAAAAE2E\/Hfm1YgFirAQ\/s1600\/ordinary-people.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EE no epicentro de toda esta subtileza está a poderosa interpretação de Hutton. Ainda hoje detém o título do mais jovem vencedor do Óscar de Melhor Actor Secundário de sempre. Mas ao mesmo tempo é de espantar o prémio, não por uma questão de ele o merecer ou não (merece, e de que maneira) mas pelo prémio em si. Hutton é o actor principal do filme, então porquê a categoria de Actor Secundário? Bem, porque são os estúdios que inscrevem os filmes nas categorias e não a Academia. E neste caso a Paramount decidiu inscrever Hutton na categoria de Secundário. Provavelmente acharam que este jovem desconhecido, de 20 anos e no seu primeiro filme que não para a televisão, teria mais hipóteses de ser nomeado assim (o que traria publicidade ao filme) e, sendo-o, não teria hipótese nenhuma de ganhar se estivesse a competir com Robert de Niro, e a sua interpretação de Jake LaMotta em ‘Ragging Bull’. Assim, todos saíram contentes. DeNiro ganhou o Óscar de Actor Principal e Hutton o de Secundário. Mas por mais intensa que seja a performance de DeNiro, a de Hutton é melhor. É magnífica e de tirar o fôlego, e merecia estar nos rankings das melhores de sempre da história do cinema. A de DeNiro costuma estar. A de Hutton nunca vi. É só estatística. E quando ele aparece num filme moderno é sempre com espanto que alguém me olha quando eu digo “\u003Ci\u003Eeste tipo já ganhou um Óscar\u003C\/i\u003E”. É uma pena…\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EApós ganhar o Óscar e o Globo de Ouro de Melhor Realizador e Melhor Filme na sua estreia na realização, Redford continuou a sua carreira de actor (com ‘Out of Africa’, 1985, fez parte pela terceira vez de um vencedor do Óscar de Melhor filme, o que é um feito), e esperou 8 anos até voltar a realizar, o que deve ser um recorde. E depois de ‘The Milagro Beanfield War’ (1988) apenas realizou mais 8 filmes nos 25 anos que se seguiram até hoje, que incluem ‘A River Runs Through It’ (1992), ‘Quiz Show’ (1994), talvez o seu melhor a seguir a ‘Ordinary People’, ‘The Horse Whisperer’ (1998), que ‘descobriu’ Scarlett Johansson, ou mais recentemente ‘Lions for Lambs’ (2007) e ‘The Company You Keep’ (2012). Mas a simplicidade pura e incisiva inerente a ‘Ordinary People’, parece-me, não mais voltou a brilhar nos seus filmes.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/2.bp.blogspot.com\/-NmJxEB7RFxI\/VKPK92AO88I\/AAAAAAAAE1s\/aksOOQUaAm0\/s1600\/9a3bc-screen-shot-2012-08-29-at-14-30-51.png\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"215\" src=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-NmJxEB7RFxI\/VKPK92AO88I\/AAAAAAAAE1s\/aksOOQUaAm0\/s1600\/9a3bc-screen-shot-2012-08-29-at-14-30-51.png\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EContudo, na sua estreia, Redford legou à história do cinema o filme definitivo sobre a perda, no contexto da classe alta da América suburbana. Um filme com interpretações magistrais, uma realização delicada e contida, e que deixa as personagens, o argumento e os actores brilharem, num brilho que atinge directamente o coração do espectador. Um filme fantástico e comovente.\u003C\/div\u003E"},"link":[{"rel":"replies","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/feeds\/4062935712320429445\/comments\/default","title":"Enviar feedback"},{"rel":"replies","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2014\/12\/ordinary-people.html#comment-form","title":"0 Comentários"},{"rel":"edit","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/4062935712320429445"},{"rel":"self","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/4062935712320429445"},{"rel":"alternate","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2014\/12\/ordinary-people.html","title":"Ordinary People"}],"author":[{"name":{"$t":"Eu Sou Cinema"},"uri":{"$t":"http:\/\/www.blogger.com\/profile\/10225016188761425774"},"email":{"$t":"noreply@blogger.com"},"gd$image":{"rel":"http://schemas.google.com/g/2005#thumbnail","width":"16","height":"16","src":"https:\/\/img1.blogblog.com\/img\/b16-rounded.gif"}}],"media$thumbnail":{"xmlns$media":"http://search.yahoo.com/mrss/","url":"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-tuEvW78zAhk\/VKPK_KEBYgI\/AAAAAAAAE10\/2zRogfWLnfE\/s72-c\/OrdinaryPeople.jpg","height":"72","width":"72"},"thr$total":{"$t":"0"}},{"id":{"$t":"tag:blogger.com,1999:blog-606086995628430165.post-5309722118180776896"},"published":{"$t":"2014-06-26T23:04:00.001+01:00"},"updated":{"$t":"2016-04-08T11:05:38.457+01:00"},"category":[{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"1966"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Crítica"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Zinnemann"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Óscar Melhor Filme"}],"title":{"type":"text","$t":"A Man for All Seasons"},"content":{"type":"html","$t":"\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/4.bp.blogspot.com\/-bYuj09oYQ8g\/U6m41efLPYI\/AAAAAAAADuU\/x3PshAcT770\/s1600\/man_for_all_seasons_ver2_xxlg.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"400\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-bYuj09oYQ8g\/U6m41efLPYI\/AAAAAAAADuU\/x3PshAcT770\/s1600\/man_for_all_seasons_ver2_xxlg.jpg\" width=\"263\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cb\u003EAno:\u003C\/b\u003E 1966\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003ERealizador:\u003C\/b\u003E\u0026nbsp;Fred Zinnemann\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EActores principais:\u003C\/b\u003E\u0026nbsp;Paul Scofield, Wendy Hiller, Robert Shaw\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EDuração:\u003C\/b\u003E 120 min\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cb\u003ECrítica:\u003C\/b\u003E ‘A Man for All Seasons’ (em português ‘Um Homem para a Eternidade’) foi o grande vencedor dos Óscares no ano de 1966, arrecadando seis galardões. Ganhou Melhor Fotografia, Melhor Guarda-Roupa, Melhor Argumento e também o trio de prémios principais; Melhor Actor (para Paul Scofield, um actor de teatro inglês, não uma estrela de Hollywood), Melhor Realizador (Fred Zinnemann) e claro, Melhor Filme. Para Zinnemann foi o atingir de algo só acessível a um punhado de realizadores: repetir o duplo Óscar de Melhor Filme \/ Realizador, após tê-lo conseguido 13 anos antes por ‘From Here To Eternity’. Pelo caminho, Zinnemann não foi muito prolifero, mas realizou obras como o expansivo musical ‘Oklahoma’ (1955) ou ‘The Nun’s Story’ (1959) com Audrey Hepburn. Pessoalmente, acho que os melhores filmes de Zinnemann estão imediatamente antes e imediatamente depois das suas grandes vitórias nos Óscares: ‘High Noon’ (1952), a sua primeira longa-metragem, o seminal western com Gary Cooper, e ‘The Day of the Jackal’ (1973), uma fantástica obra de espionagem e o seu regresso ao cinema sete anos depois de ‘A Man for All Seasons’. Mas duas coisas são certas. Primeiro que Zinnemann era incrivelmente versátil. Segundo que a sua segunda grande vitória nos Óscares surgiu num filme bem mais completo que a sua primeira.\u0026nbsp;\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/3.bp.blogspot.com\/-CK_7VW3Ho30\/U6m4vAVa7SI\/AAAAAAAADuA\/FqS4xBoNYcE\/s1600\/manallseasons-syn.png\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"225\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-CK_7VW3Ho30\/U6m4vAVa7SI\/AAAAAAAADuA\/FqS4xBoNYcE\/s1600\/manallseasons-syn.png\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EOlhando para os restantes nomeados nesse ano; ‘Alfie’, ‘The Russians are Coming, the Russians are Coming’, o horrível ‘The Sand Pebbles’ e ‘Who’s Afraid of Virginia Wolf’ (outra \u003Ci\u003Etour de force\u003C\/i\u003E de actuação e o único concorrente directo, a meu ver), esta vitória não é muito surpreendente, mesmo se o filme fosse pior do que aquilo que realmente é. Mas olhando de uma forma mais abrangente, e com algum distanciamento temporal, essa vitória torna-se de facto digna de registo. ‘A Man for All Season’ é um filme de ideias e ideais, não um filme de movimento e acção. É um filme contemplativo, introspectivo, onde o seu maior atributo, e a sua força motriz, provêm única e exclusivamente dos actores, e da forma como eles interpretam os papéis, e vociferam ou sussurram os diálogos delicados e extremamente bem trabalhados, como se fossem uma rara peça de ourives ou uma escultura da Renascença. É um daqueles filmes que hoje em dia lutaria por conseguir uma distribuição alargada pelas salas mundiais e que muito dificilmente ganharia fosse o que fosse, Óscares incluídos. ‘From Here to Eternity’, esse sim, está muito mais perto de um estilo ‘King’s Speech’ (embora com infinita mais qualidade); um melodrama romântico e pungente, com uma pseudo-base histórica que se torna a fundação da sua trama pastosa. Já ‘A Man for All Season’ também tem uma pseudo-base histórica, mas o filme não precisa de depender disso, nem de impingi-la ao público, para surtir efeito.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/4.bp.blogspot.com\/-GSHBWz8o9u0\/U6m4oKR050I\/AAAAAAAADtg\/QQW2nAOuO0Q\/s1600\/A_Man_For_All_Seasons_26775_Medium.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"287\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-GSHBWz8o9u0\/U6m4oKR050I\/AAAAAAAADtg\/QQW2nAOuO0Q\/s1600\/A_Man_For_All_Seasons_26775_Medium.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003ETudo gira à volta das emoções subjacentes aos diálogos, que são mais poderosas que armas. O filme depende única e exclusivamente desse poder, que vibra imponente se for bem conseguido (e neste caso é), e da energia e talento dos actores para nos transmitirem esse poder. Estamos a falar de um filme sobre os últimos anos de vida de Thomas Moore, um filósofo do século XVI, e convenhamos que isto poderá não ser o tema mais apelativo para o cinéfilo que não tenha um gosto pela História. Mas por algum motivo a peça ganhou o Tony (os Óscares do Teatro) para Melhor Peça, e também para Melhor Actor (igualmente para Scofield que repetiu o seu papel no cinema, no qual era quase um estreante - entrara em 'The Train', 1964, de John Frankenheimer). É assim tão boa. E estamos a falar de uma altura (anos 1950 e 1960) em que este tipo de filmes poderosos de actuação, baseados em peças de teatro igualmente poderosas de actuação, atingiu o seu clímax, encimadas por estrelas da Hollywood clássica, rostos novos e vibrantes saídos do Actor’s Studio, ou nomes dos palcos ingleses. Estou a falar de pessoas como Marlon Brando, Katherine Hepburn ou Elizabeth Taylor. Pensemos em qualquer adaptação das peças de Tenesse Williams, ‘A Streetcar Named Desire’ (1951), ‘Cat on a Hot Tin Roof’ (1957), ‘Night of the Iguana’ (1964) ou ‘Sweet Bird of Youth’ (1962). Pensemos em ‘Suddenly Last Summer’ (1959), ‘Long Day’s Journey into Night’ (1962) ou ‘The Lion in Winter’ (1968). Aos melhores elementos destas entradas ‘A Man for All Season’ acrescenta a vertente do filme de época, os seus ideais e o facto de ser baseado, até certo ponto, em factos verídicos, elementos estes que são sempre do gosto dos críticos e que, verdade seja dita, ajudam a acomodar o espectador na trama, embora neste caso nunca a esganem.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EComo disse, o filme retrata os últimos anos de vida de Sir Thomas Moore, desde a altura em que ele disputa publicamente o direito do rei Henrique VIII de desposar Ann Boleyn, e a instituição da nova Igreja de Inglaterra, que a mando desse monarca quebrou os laços com o catolicismo do Vaticano. Um filósofo e um grande pensador, um influente membro da corte, e até então sempre nas boas graças da família real, Moore leva o seu direito a uma opinião até ao extremo, e a sua indignação para com a atitude do rei até à morte. Nunca cedendo às pressões que o apertam por todos os lados, recusando-se a assinar uma nova lei contra as suas convicções para justificar os caprichos do monarca, o Moore de Scofield usa uma calma e um controlo invejáveis, e com inteligência, honestidade e uma ponta de sarcasmo vai-se defendendo, até ao ponto em que é preso e finalmente julgado por traição.\u0026nbsp;\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/2.bp.blogspot.com\/-WpqrYr3JGpw\/U6m4n2MHJ5I\/AAAAAAAADtc\/4-ipdnCMnXo\/s1600\/Orson-Welles-and-Paul-Sco-001.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"240\" src=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-WpqrYr3JGpw\/U6m4n2MHJ5I\/AAAAAAAADtc\/4-ipdnCMnXo\/s1600\/Orson-Welles-and-Paul-Sco-001.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EO filme vai desfiando este novelo lentamente, com enorme paciência, e uma mestria no qual o segredo para o íntimo das personagens está nos diálogos e nas suas expressões. No inicio, Moore até recebe a corte em sua casa, e o que começa como quase uma contrariedade ligeira, uma infantil disputa entre amigos, vai-se revelando muito mais tensa, muito mais séria. Aliás, é essa a atitude do rei para com a opinião de Moore. Mas é por essa opinião existir, essas palavras, que se tornam, literalmente, mas fortes que espadas, estarem subjacentes, que o Rei, um homem de orgulho ferido e com poder, se vê obrigado a responder e a defender-se da única forma que sabe como. Instigado por outros conselheiros da corte que não vêm, nem nunca viram, as filosofias e a utopia de Moore com bons olhos, o Rei assina a sentença de morte de um homem que outrora havia considerado um amigo. Uma tragédia de corte a que qualquer fã de Shakespeare está bem habituado, mas que não tira intensidade dramática nem profundidade à performance aveludada e animalesca de Robert Shaw como Henrique VIII. É de notar também que o novelo explode numa brilhante cena de julgamento, de suster a respiração, digna de rivalizar com os maiores filmes do género de tribunal. Isto apesar de inevitavelmente convergir para um monólogo algo estereotipado da luta do homem conta o sistema, mas que permite libertar uma esperança, não para quem esta à sua volta, nesse tribunal, mas para o público que está do outro lado da tela. Esta pode ser uma artimanha clássica mas aqui realmente há a ponte, a conexão, com o publico, e o filme completa o seu ciclo e exprime a sua beleza, que não é conceptual nem visual (apesar obviamente de todo o design de época ser magnifico), mas que é sobretudo emocional.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/3.bp.blogspot.com\/-dtZmTezP130\/U6m4r2xtykI\/AAAAAAAADt0\/atg3P_6Km4A\/s1600\/amanforallseasons.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"222\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-dtZmTezP130\/U6m4r2xtykI\/AAAAAAAADt0\/atg3P_6Km4A\/s1600\/amanforallseasons.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EComo muitos filmes baseados em peças de teatro, a peça foi aberta. Mas Zinemman conseguiu ser suficientemente subtil nesta forma de tornar a peça mais rítmica. Há algumas sequências de transição, necessárias para assentar as cenas de diálogos, mudanças de cenários e enquadramentos para belas paisagens medievais inglesas (muitas mais do que aquelas que a peça provavelmente tinha), e um ou outro escape cómico que têm a dual função de servir como subtis críticas sociais (como a filmagem excessiva de toda a comitiva da corte que tem de seguir uns passos atrás do Rei para onde quer que ele vá). Por um lado estes elementos adicionam continuidade e fluidez ao filme. Por outro servem apenas para o enquadrar, para o moldar num padrão mais clássico e menos fechado. Zinemman é, no geral, pouco intrusivo no seu estilo de realização, deixando para os actores a função de formar a essência da película. E, apesar de eu ter dito em cima que o enquadramento era o menos importante, a verdade é que, desdizendo-me, o filme tem uma extraordinária atenção ao pormenor, ao nível das roupas, dos acessórios, dos espaços abertos e dos interiores, da arquitectura, da arte e do edificado do século XVI. Sim, se o espectador é fascinado por grandes actuações nem vai notar nestes elementos e estes não tem nenhum destaque fílmico. Mas estão lá. Sem eles o filme ficaria manco e por os ter a sua qualidade aumenta ainda mais.\u0026nbsp;\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/3.bp.blogspot.com\/-4irApm45rVo\/U6m4sCmd3wI\/AAAAAAAADt4\/h_U14jp45ig\/s1600\/man-for-all-seasons.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"400\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-4irApm45rVo\/U6m4sCmd3wI\/AAAAAAAADt4\/h_U14jp45ig\/s1600\/man-for-all-seasons.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EMas falar deste filme é inevitavelmente falar dos actores. Scofield está absolutamente soberbo como Moore (um justo vencedor do Óscar), numa performance quase zen; a sua voz sempre delicada e tranquila, que apenas lhe falha, lhe fica presa na garganta, mesmo no final. Sempre correcto e cívico, sempre dado, sempre utópico, sempre fiel aos seus princípios, esta \u003Ci\u003Eperformance \u003C\/i\u003Epode muito bem ser acusada de idealista, de se focar na lenda de Moore, como fazem muitos filmes desta natureza. Contudo, é impossível ficar indiferente a Scofield, porque no cerne da sua personagem está uma vertente humana muito forte, e isso é que o torna transcendente. Pode ser difícil de acreditar que ele mantenha a compostura mesmo quando está prestes a perder a cabeça (literalmente), mas é essa a moral dos seus escritos. Há quem opte por tornar as suas personagens nuns mártires. Outros tornam-nas heróis. O Moore concebido por Scofield e por Zinemman não é uma coisa nem outra, e é isso que é surpreendente.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/4.bp.blogspot.com\/-Y_WzbI__sxw\/U6m4x8HYjMI\/AAAAAAAADuQ\/HoGUuRjVmvo\/s1600\/manfor1.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"222\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-Y_WzbI__sxw\/U6m4x8HYjMI\/AAAAAAAADuQ\/HoGUuRjVmvo\/s1600\/manfor1.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EO filme também conta com Leo McKern, que interpreta o maior opositor de Moore, Cromwell, o homem que o julga e que ataca como um bulldog; uma presença possante, extremamente ameaçadora e quase a deitar baba de raiva. Robert Shaw é um Rei superficialmente animado e brincalhão, uma criança com um grande poder e um grande porte, mas que não tem interesses em nada nem em ninguém, excepto em si próprio, o que o torna implacável nas suas decisões, que são sempre subtilmente insinuadas e ditadas. Destaco também mais três nomes. John Hurt tem um pequeno papel (o primeiro da sua carreira do cinema, diz-nos o imdb), como o homem que trai Moore. A gloriosa Wendy Hillier, a imponente senhora gelada, mas altamente emotiva, do cinema inglês, faz maravilhas com o papel de Mrs. Moore. Por fim, e mais surpreendente, um gordo e pesado Orson Wells (quem já o viu em filmes do final dos anos 1950, e dos anos 1960 sabe de que é que eu estou a falar) entra em apenas uma cena, no início, no papel de um Cardeal da igreja, e o seu poder é tanto, o seu controlo sobre a cena e a situação é tanto, que a sua presença reverbera por todo o filme e ainda é sentida no final, apesar de ele não voltar a aparecer.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-vWMQKe0RT00\/U6m4xM4mFHI\/AAAAAAAADuI\/DGRpnr7KzWw\/s1600\/manforallseasons_7.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"225\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-vWMQKe0RT00\/U6m4xM4mFHI\/AAAAAAAADuI\/DGRpnr7KzWw\/s1600\/manforallseasons_7.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003ENo final, pode-se dizer que ‘A Man for All Season’ é, tal como o seu título indica, sobre um homem que é mais do que aquilo do que foi, sobre um homem que se tornou um ideal, uma mensagem, um homem que se tornou eterno. Um cristão no verdadeiro sentido da palavra, um visionário à frente do seu tempo, é esta personalidade de Moore que sustêm o filme. No início mencionei ‘O Discurso do Rei’. A figura histórica aí retratada pouco tinha de humano. Era um \u003Ci\u003Epastiche\u003C\/i\u003E de memórias desconexas e embelezada de revistas cor de rosa, com eventos semi-históricos interpretados visualmente com rigor mas com uma moral artificial e impingida. E o mesmo se passa quando se fazem filmes sobre estrelas de Hollywood famosas ou outras personalidades do século XX. É um \u003Ci\u003Ebest of \u003C\/i\u003Ede lugares comuns sobre essa personalidade. Mas nada disso se passa aqui. Sobre Thomas Moore, felizmente, não há uma memória distorcida do público nem das revistas cor de rosa. Há apenas os documentos históricos e os livros que publicou, portanto os argumentistas da peça e do filme podem partir daí para construir a memória do homem, que pode não ser fidedigna, mas é emocionalmente correcta. Confesso que é estranho este Moore nunca hesitar, nunca ter dúvidas, nunca sentir por um momento que pode contrariar as suas convicções para salvar a pele. O filme destramente evita falar sobre isso para manter a imagem de Moore imaculada. Contudo, quando o filme chega ao final e os créditos rolam, o espectador descobre que esse ‘esquecimento’ do filme não lhe tira uma grama do poder da sua moral, nem do extraordinário fascínio que a sua personagem principal exerce, personagem esta que, por incrível que possa parecer, nunca faz nada de elaborado, de desafiador (não é cá um William Wallace), excepto falar. Moore cativou a humanidade com as suas palavras. Scofield fá-lo com a voz e o seu coração, que é o do filme. ‘A Man for All Season’ fá-lo com o seu argumento fantástico, nunca enfadonho. E é isso que é memorável. O poder da palavra. Da palavra com que se escreve a lei. As leis são só uma sucessão de palavras ou são algo mais? ‘A Man for All Seasons’ obriga-nos a pensar sobre isso. Não nos dá as respostas, embora seja, obviamente, um pouco tendencioso. Acima de tudo, dá-nos o material para podermos construir, a partir daí, a nossa própria opinião.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/4.bp.blogspot.com\/-B6Mvmnhhxqk\/U6m4nxZo7AI\/AAAAAAAADto\/i5glI8spDL4\/s1600\/Seasons+edit.JPG\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"223\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-B6Mvmnhhxqk\/U6m4nxZo7AI\/AAAAAAAADto\/i5glI8spDL4\/s1600\/Seasons+edit.JPG\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EE ao dar todas estas coisas, ‘A Man for All Seasons’ é muito mais do que um filme de ‘estudiosos’, um filme ‘histórico’, um filme de actores e de estrutura clássica, ou um filme com uma sub-corrente politica com paralelos nos dias de hoje. Por causa disto ‘A Man for All Seasons’ é também um filme ‘inspiracional’, na sua expressão mais artística e universal. Tem todos os elementos para cativar os ‘especialistas’ e os críticos da arte cinematográfica. Mas o seu coração é humano e com isso todos se conseguem relacionar. ‘A Man for All Seasons’ é também um filme para todas as estações, um filme para a eternidade, um clássico ‘inglês’ que pode ser visto em qualquer altura sem nunca ser datado nem a sua mensagem perder o poder. De quantos filmes podemos dizer o mesmo? De quantos filmes que ganharam o Óscar de Melhor Filme podemos dizer o mesmo? Quando o cinema é usado para transmitir uma mensagem, não precisa necessariamente de ser perfeito como ‘A Man for All Seasons’ também não o é. Mas precisa de ter o poder que este filme tem.\u003C\/div\u003E"},"link":[{"rel":"replies","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/feeds\/5309722118180776896\/comments\/default","title":"Enviar feedback"},{"rel":"replies","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2014\/06\/a-man-for-all-seasons.html#comment-form","title":"0 Comentários"},{"rel":"edit","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/5309722118180776896"},{"rel":"self","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/5309722118180776896"},{"rel":"alternate","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2014\/06\/a-man-for-all-seasons.html","title":"A Man for All Seasons"}],"author":[{"name":{"$t":"Eu Sou Cinema"},"uri":{"$t":"http:\/\/www.blogger.com\/profile\/10225016188761425774"},"email":{"$t":"noreply@blogger.com"},"gd$image":{"rel":"http://schemas.google.com/g/2005#thumbnail","width":"16","height":"16","src":"https:\/\/img1.blogblog.com\/img\/b16-rounded.gif"}}],"media$thumbnail":{"xmlns$media":"http://search.yahoo.com/mrss/","url":"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-bYuj09oYQ8g\/U6m41efLPYI\/AAAAAAAADuU\/x3PshAcT770\/s72-c\/man_for_all_seasons_ver2_xxlg.jpg","height":"72","width":"72"},"thr$total":{"$t":"0"}},{"id":{"$t":"tag:blogger.com,1999:blog-606086995628430165.post-8747840193661279699"},"published":{"$t":"2014-03-02T19:46:00.001+00:00"},"updated":{"$t":"2016-04-08T11:05:44.952+01:00"},"category":[{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"1956"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Crítica"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"MAnderson"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Óscar Melhor Filme"}],"title":{"type":"text","$t":"Around the World in Eighty Days"},"content":{"type":"html","$t":"\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/4.bp.blogspot.com\/-3QBpyrTJ-50\/UxOGDSkZwHI\/AAAAAAAADAI\/zuSP6k2YXg4\/s1600\/around_the_world_in_eighty_days_ver2_xlg.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"400\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-3QBpyrTJ-50\/UxOGDSkZwHI\/AAAAAAAADAI\/zuSP6k2YXg4\/s1600\/around_the_world_in_eighty_days_ver2_xlg.jpg\" width=\"265\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cb\u003EAno:\u003C\/b\u003E 1956\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003ERealizador:\u003C\/b\u003E\u0026nbsp;Michael Anderson\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EActores principais:\u003C\/b\u003E\u0026nbsp;David Niven, Cantinflas, Finlay Currie\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EDuração:\u003C\/b\u003E 175 min\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cb\u003ECrítica:\u003C\/b\u003E No dia 27 de Março de 1957 na 29ª edição dos Óscares, ‘Around the World in Eighty Days’ (em português ‘A Volta ao Mundo em 80 Dias’) foi o grande vencedor, arrecadando cinco estatuetas, Melhor Argumento Adaptado (obviamente do clássico romance de Júlio Verne), Melhor Fotografia Cor, Melhor Montagem, Melhor Banda Sonora e claro, Melhor Filme. Isto não foi um feito banal. Nesse ano, os candidatos a Melhor Filme incluíam dois dos meus filmes preferidos, ‘Friendly Persuasion’ e ‘Giant’ (considero ambos bem melhores que ‘Around the World in Eighty Days’), bem como o épico ‘The Ten Commandments’ e o bem amado musical ‘The King and I’. Mas a vitória é plenamente justificada. Este filme é tudo aquilo que o cinema de espectáculo e de entretenimento pode proporcionar, não olhando a despesas. É, acima de tudo, um produto de exibição; de cenários, de localizações exóticas (e reais), de actores conhecidos (carradas deles), de elementos que hoje damos de barato (touradas, safaris, templos budistas), mas que em 1956 raramente tinham sido vistos quer no cinema quer na televisão. E ‘Around the World in Eighty Days’, num pacote de 3 horas, oferece esse magnifico espectáculo, aventureiro, cómico, de brilhante fotografia, milhares de extras e de um mundo inteiro encapsulado numa tela de cinema. É uma experiência, se não profunda, se não artística, pelo menos de deleite visual e enorme entretenimento.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EMas era nesse sentido que o cinema caminhava em meados da década de 1950. Nunca na história da televisão os programas e as séries desafiaram tanto a sétima arte como no seu início (talvez só agora, pós 2000, o mesmo esteja a acontecer). Perdendo espectadores, actores e técnicos, o cinema de Hollywood começou a tentar oferecer um espectáculo que a pequena televisão, 4:3 e a preto e branco não poderia dar. O formato alargado, widescreen, foi massificado e tornou-se norma em todas as produções de Hollywood desde ‘The Robe’ em 1953. As produções tornaram-se mais ousadas, maiores, mais custosas. Tudo tornou-se épico, excêntrico, visualmente avassalador. Os épicos bíblicos, os musicais da Broadway, os westerns, todos contribuíram para que o cinema se tornasse um espectáculo de cor, som, grandes planos, magníficos cenários, e emparelhamentos de estrelas. Um dos produtores que mais contribuiu nos bastidores para esta forma de cinema foi Michael Todd, embora a sua produção cinematográfica se tenha reduzido a um único filme, ‘Around the World in Eighty Days’. Todd era um megalómano produtor de teatro, que já fizera e perdera fortunas. No início da década de 1950, trabalhou directamente com a American Optical Company, para desenvolver um formato alargado de uma única câmara (o Cinerama, então em voga, precisava de 3). O resultado foi o sistema Todd-AO, que fez a sua estreia no musical ‘Oklahoma’ de 1955. Pouco depois, Todd tomou as rédeas para fazer ele próprio um filme com este formato. Uma década antes fizera uma versão de ‘Around the World in Eighty Days’ para o teatro com Orson Wells como Fogg, que fora um épico descarrilamento financeiro. Agora iria transpô-la para o cinema.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/4.bp.blogspot.com\/-o_pN2G3p4RA\/UxOGAc8JNOI\/AAAAAAAAC_w\/yzKhxsGyW2U\/s1600\/around-the-world-balloon-0c2ufyb.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"177\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-o_pN2G3p4RA\/UxOGAc8JNOI\/AAAAAAAAC_w\/yzKhxsGyW2U\/s1600\/around-the-world-balloon-0c2ufyb.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003ETal como Selznick fizera em ‘Gone With the Wind’, Todd foi tudo no filme. O filme é como se fosse dele, apesar de não ser o realizador creditado. Este papel ficou a cargo do inglês Michael Anderson (que perdeu o Óscar de Realizador, justificadamente, para George Stevens em ‘Giant’), e que nem sequer foi a primeira escolha, tendo outro realizador inglês pouco reputado internacionalmente, Jonh Farrow, sido despedido após a primeira semana. Anderson acabara de realizar o épico da Segunda Guerra Mundial ‘The Dam Busters’, um dos seus filmes mais conhecidos, e o público poderá recordá-lo como o realizador do filme de culto de ficção científica ‘Logan’s Run’ (1976) ou do filme papal ‘The Shoes of the Fisherman’ (1968) com Anthony Quinn. O maior trabalho que Anderson faz neste filme, a meu ver, é menos no aspecto técnico e artístico da realização, e mais na gestão da visão megalómana de Todd, que se reflectiu na gestão das filmagens em estúdios e das equipas de segunda unidade por esse mundo fora, dos milhares de extras, dos gigantescos cenários e das centenas de egos de todos os grandes actores que entram no filme. Contudo sinto que o trabalho de Anderson deve ter sido muito restringido. Em todas estas coisas, as directivas vêm de cima, do produtor. O realizador, num espectáculo destes, apenas tem que cumprir. Se não cumprir é substituído por outro que o faça…\u0026nbsp;\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-8tAjnF2eDx0\/UxOGDkgxqrI\/AAAAAAAADAY\/xZ0O_B6Rt5c\/s1600\/protectedimage.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"241\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-8tAjnF2eDx0\/UxOGDkgxqrI\/AAAAAAAADAY\/xZ0O_B6Rt5c\/s1600\/protectedimage.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EPara Fogg, Todd queria Cary Grant, mas quando este recusou (várias vezes, diz-se) Todd abordou o seminal David Niven. Aqui há uns anos em Londres folheei numa livraria a autobiografia de Niven, ‘The Moon’s a Baloon’, e deparei-me com os parágrafos deliciosos em que ele descreve como Todd o abordou. Sentado numa cadeira ao pé da piscina de sua casa, Todd pergunta a um Niven que acabara de chegar “Conheces Júlio Verne?”, com um ar de quem acabou de descobrir há pouco tempo quem Verne era. “Claro” diz Niven. “Conheces A Volta ao Mundo em 80 Dias?”, pergunta Todd exactamente com o mesmo ar, como se achasse que saber isso era ser imensamente culto. “Claro” continua a responder Niven. “Que acharias de interpretar Phileas Fogg?”. Niven escreve que respondeu “Até o faria de graça”, ao que Todd arregalou os olhos, como se estivesse já a pensar no dinheiro que iria poupar. Bem, Niven não o interpretou de graça, mas tornar-se-ia o papel preferido de toda a sua carreira. Niven é contido, clichezadamente birtânico, e até algo cómico (como iria provar, por exemplo, em ‘Casino Royale’ de 1966, que podia ser). Mas ao mesmo tempo Niven dá ao papel uma profundidade que o argumento não tem, nem as cenas supostamente permitiriam, pelo menos em papel, que pudesse ter. É algo quase subconsciente, como se na sua contenção houvesse uma chama de realidade, como se houvesse algo de trágico na batida fórmula do ser artificialmente pontual, que quer as torradas sempre a uma temperatura específica, que come sempre a mesma refeição à terça-feira, quer esteja em Londres quer esteja no meio da Índia. E esta forma de interpretar Fogg raramente ou nunca se viu. Não foi certamente Pierce Brosnan na série dos anos 1980 que o fez, nem Steve Coogan na mais recente versão com Jackie Chan (brrrrrr…..).\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/2.bp.blogspot.com\/-POVJn4Pn9-w\/UxOGDyQJ7PI\/AAAAAAAADAc\/N0kP6umhyGM\/s1600\/around-the-world-in-80-days.png\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"175\" src=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-POVJn4Pn9-w\/UxOGDyQJ7PI\/AAAAAAAADAc\/N0kP6umhyGM\/s1600\/around-the-world-in-80-days.png\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003EMas para retratar a história do misterioso milionário inglês do Reform Club, que um dia a jogar às cartas aposta que a volta ao Mundo pode ser dada em precisamente 80 dias, e nesse mesmo dia inicia a sua viagem para provar que isso é verdade, Todd não se ficou por Niven nem pelo romance tão bem escrito por Verne. Todd viu, justificadamente, que a história, passada à volta do Mundo, em centenas de países, com milhares de povos, culturas e conceitos, tinha um potencial cinematográfico infinito. ‘Around the World in Eighty Days’ bateu na altura o recorde de animais utilizados num único filme, bateu o recorde de peças de guarda-roupa criadas, bateu o recorde de extras utilizados, foi filmado em 13 países diferentes e é ainda hoje considerado por muitos o mais ambicioso, mais expansivo e mais ousado projecto cinematográfico de sempre em Hollywood. E eu sou talvez capaz de concordar. É só ver o filme para crer. Tirando a cena em que Fogg e Passepartout (o actor mexicano Cantinflas, que na altura era um dos actores mais bem pagos do Mundo, graças ao sucesso das suas comédias latinas) voam num balão, não há um único efeito especial. A equipa técnica e os actores deram a volta ao Mundo, e nós damos com eles. Vamos realmente a Espanha, vamos ao Suez, vamos à India, vamos à América. São filmados os templos, os oceanos, as montanhas, as selvas, as cidades. São filmados os barcos, os comboios, os elefantes, os búfalos. São filmados os índios da américa e os indianos. E todos os interiores (cenários em Hollywood) são gigantescos, expansivos. Em cada plano, passam-se milhares de coisas. A atenção ao pormenor é notável. Há sempre dança, movimento, cor local. Nesse sentido a história muitas vezes é relegada para segundo plano, bem como algumas ligações. A passagem de Fogg de Londres até Paris, por exemplo, não é mostrada, e num salto avança-se da Ásia Menor até Hong Kong. Ao contrário de outras adaptações, em que há uma necessidade de movimento constante, de ritmo, de luta contra o tempo, neste filme isso não acontece. Rara é a altura em que nos dizem quantos dias já passaram e quantos dias faltam. Raro é o momento em que sentimos a pressão. O que interessa para Todd são os locais que são visitados e o que lá se pode encontrar, e o sumo, o espectáculo do filme, está aí.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EUma das cenas mais, diga-se, ‘polémicas’, que é totalmente inventada, é a passagem por Espanha, que não está no livro. Dura mais de um quarto de hora e assistimos a toda a intensidade de uma tourada. Para quê? É um bocado difícil de acreditar que Fogg fique placidamente a assistir a uma tourada quando está cheio de pressa. Mas é um cinema que o público nunca tinha visto e arrisco-me a dizer que deve ser uma das primeiras touradas filmadas a cores e difundida a nível mundial. E é esta lógica que persegue todo o filme. Só na última meia hora, na travessia do Atlântico de volta a Inglaterra, é que o filme acaba por abandonar o tom exibicionista e foca-se na necessidade de cumprir o prazo, de chegar no dia certo. E também aí, o filme é grandioso. A destruição quase total do barco, para obtenção de lenha para a fornaça, é tão épica como foi o safari de elefante pela Ásia, o exotismo de Hong Kong, a travessia de comboio pela América, o ataque dos Índios, etc. O filme vai de \u003Ci\u003Eset piece\u003C\/i\u003E em \u003Ci\u003Eset piece\u003C\/i\u003E e nunca abranda, e cada sequência ultrapassa a seguinte em grandiosidade. Esta é a sua grande riqueza. O filme nunca perde o interesse, nunca perde o lustro, nunca perde a capacidade de surpreender como o visual. É como um enorme espectáculo de circo. Era nisso que Todd era um mestre.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/2.bp.blogspot.com\/-0X_hxurLa5k\/UxOGApvjOBI\/AAAAAAAAC_0\/4dtlQQ_UCZs\/s1600\/MV5BMTY1MzQ4MDg0MV5BMl5BanBnXkFtZTcwOTc3NTIyNw%2540%2540._V1_SX640_SY720_.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"216\" src=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-0X_hxurLa5k\/UxOGApvjOBI\/AAAAAAAAC_0\/4dtlQQ_UCZs\/s1600\/MV5BMTY1MzQ4MDg0MV5BMl5BanBnXkFtZTcwOTc3NTIyNw%2540%2540._V1_SX640_SY720_.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EE Todd tinha ainda mais uma ideia na manga, que capitalizou como ninguém na promoção do filme, e é algo que ainda hoje suscita interesse. Todd contratou toda a gente que conseguiu para fazer pequenos papéis, participações especiais, em todo o filme. Aliás, a palavra ‘\u003Ci\u003Ecameo\u003C\/i\u003E’ para expressar estas aparições, popularizou-se aqui. A promoção do filme dizia que 50 estrelas de Hollywood (rezam as crónicas que são um pouco menos) iriam aparecer de surpresa no filme. Por isso mesmo o filme só tem o genérico no final, e mesmo aí não revela o jogo completamente. Mostra os nomes com apenas uma pista visual para a cena em que poderão ter aparecido. Todo o filme desenrola-se como um espectáculo de ‘Onde está o Wally?!’. Acredito que para o público de hoje pouco versado em estrelas de Hollywood dos anos 1950 isto não tenha grande interesse. Mas para o cinéfilo dedicado é mais um motivo de excitação em relação ao filme. E mesmo hoje, após já ter visto este filme meia dezena de vezes, ainda descubro alguém que não me lembrava de ter visto antes. Se peca por às vezes fazer muita pompa e circunstância pelo \u003Ci\u003Ecameo\u003C\/i\u003E (por exemplo a aparição de Frank Sinatra como o pianista do velho oeste, filmado umas cinco vezes de costas sem se ver o rosto, até que à sexta se vira e, olha, olha, é o Frank!), por outras é tão subtil que se torna genial. Para além de ter o brilhante Robert Newton como Inspector Fix (no seu último papel), Shirley MacLaine como a Princesa (um papel pouco trabalhado ao qual MacLaine não acrescenta nada e que poderia ter sido interpretado por qualquer menina bonita) e Finlay Currey, Trevor Howard e Robert Morley como os principais membros do Reform Club, vão aparecendo ao longo do filme pessoas como Buster Keaton, Marlene Dietrich, George Raft, a gloriosa Glynis Johns, Ronald Colman, Victor Maclaglen, John Gielgud, Noel Coward, Charles Coburn, etc, etc, etc.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-HSg5p_mMYCc\/UxOGCKio2pI\/AAAAAAAAC_8\/5AkdN4BJCOY\/s1600\/aroundtheworldin80days.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"183\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-HSg5p_mMYCc\/UxOGCKio2pI\/AAAAAAAAC_8\/5AkdN4BJCOY\/s1600\/aroundtheworldin80days.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003ETudo somado, ‘Around the World in Eighty Days’ vale pelo seu espectáculo. O produto apresentado é demasiado vistoso para ser profundo e está pouco preocupado em desenvolver as personagens, justificar razões e ser inteiramente fiel ao livro. Aliás, o filme está muito mais preocupado em mandar bocas em relação aos hábitos dos ingleses (tudo desde a pontualidade, ao chá das 5, às expressões coloquiais são alvo de chacota) e em que as aparições especiais também sejam sempre imbuídas de humor, do que em propriamente a desenvolver a história e os seus intervenientes. Parece que o filme parte do princípio que o público já sabe a história de Fogg (o que é mais que provável). Até os eventos de tensão do livro (a perseguição de Fix, que acha que Fogg é o homem que acabou de roubar o banco de Inglaterra) aparecem muito pouco acentuados no filme. O que o filme mostra ao público é outra coisa, é tudo aquilo que a imaginação nem do leitor, nem de Verne conseguiriam materializar, mas que a magia do cinema, especialmente a da década de ouro em Hollywood, bem sabia. Mas quase miraculosamente, quer a \u003Ci\u003Eperformance\u003C\/i\u003E de Niven, quer a de Cantinflas (uma escolha totalmente descabida para Passepartout, mas que surrealmente acaba por resultar no filme), conseguem coser toda esta amálgama, e acabam por ser bem conseguidos fios condutores.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E‘Around the World in Eighty Days’ não é nem tão emocionalmente épico como ‘Giant’, nem tão massivo como ‘Ten Commandments’, nem uma lição tão simples mas tão fabulosa de cinema como ‘Friendly Persuasion’, mas é um filme que é um espectáculo, no duplo sentido que a palavra portuguesa lhe pode dar. É um filme de massas, é certo, mas é um dos filmes de massas com maior qualidade que alguma vez saíram das fornaças de Hollywood. E, por todas as suas valências, acaba por ser um excelente filme de família, um excelente filme de \u003Ci\u003Ematiné\u003C\/i\u003E, um excelente filme de aventura (passa do drama de época para o exotismo asiático para o western para a comédia), um excelente filme ‘de viagem’ (quando tal praticamente não existia) e finalmente, é também um excelente filme para os cinéfilos, pelo seu conjugar de estrelas, pela mestria na gestão das participações especiais, que apesar do seu espalhafato nem nunca estragam a história, nem nunca tiram protagonismo à verdadeira essência do filme: o seu visual, e tudo aquilo que os seus planos largos, e o seu rácio de imagem, conseguem (realmente, e sem recorrer a qualquer artifício) captar.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EApós inúmeras visualizações desde a infância em VHS, ontem vi este filme pela primeira vez com ele deveria ser sempre visto, na sua edição de DVD de aniversário de dois discos. Aqui, não só pude desfrutar de todo o esplendor da imagem, como descobri a interessante cena inicial, que é geralmente retirada das exibições na TV (e aparentemente também o foi dos VHS). Esta cena mostra-nos um senhor a falar um pouco sobre Julio Verne, a sua obra, e como ela já havia sido passada ao cinema, nomeadamente por Meliés em ‘Voyage dans la lune’ (1902), da qual se mostram largos minutos. Daqui, e da imagem de um foguetão a descolar (também das primeiras imagens que o público alguma vez viu) se passa para a primeira cena do filme, na Inglaterra vitoriana. Brilhante.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/2.bp.blogspot.com\/-qBZSt2eIdPo\/UxOGDKnC7wI\/AAAAAAAADAE\/Cw2MpPUOB2o\/s1600\/aroundtheworldin80days3.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"241\" src=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-qBZSt2eIdPo\/UxOGDKnC7wI\/AAAAAAAADAE\/Cw2MpPUOB2o\/s1600\/aroundtheworldin80days3.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EApós o sucesso de ‘Around the World in Eighty Days’, Todd entrou para a lista de grandes produtores de Hollywood. No ano seguinte casaria com a rainha de Hollywood, Elizabeth Taylor, mas em 1958 iria falecer num desastre de avião. ‘Around the World in Eighty Days’ acabou por ser o seu único filme como produtor, mas o Óscar que recebeu (os Óscares de Melhor Filme são dados aos produtores) é a digna homenagem a um homem que tinha olho para o negócio e para o espectáculo, um Ziegfeld da sétima arte, e que poderia ter produzido inúmeras outras obras de enorme entretenimento e grandiosidade visual. Resta-nos ‘Around the World in Eighty Days’ como prova da sua grande visão, um filme que quebrou barreiras e que inspirou tantos outros, e que, como disse, poderá não figurar nas listas dos melhores filmes (nem o merece), nem dos filmes de uma vida, mas é sempre uma delícia de ver, e é um filme a revisitar, de tantos em tantos anos, em família, com os amigos, nunca desapontando. O cinema pode ter substituído o circo como o maior espectáculo na terra, e nesse sentido, ‘Around the World in Eighty Days’ é um dos maiores espectáculos que o cinema já produziu.\u003C\/div\u003E"},"link":[{"rel":"replies","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/feeds\/8747840193661279699\/comments\/default","title":"Enviar feedback"},{"rel":"replies","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2014\/03\/around-world-in-eighty-days.html#comment-form","title":"0 Comentários"},{"rel":"edit","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/8747840193661279699"},{"rel":"self","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/8747840193661279699"},{"rel":"alternate","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2014\/03\/around-world-in-eighty-days.html","title":"Around the World in Eighty Days"}],"author":[{"name":{"$t":"Eu Sou Cinema"},"uri":{"$t":"http:\/\/www.blogger.com\/profile\/10225016188761425774"},"email":{"$t":"noreply@blogger.com"},"gd$image":{"rel":"http://schemas.google.com/g/2005#thumbnail","width":"16","height":"16","src":"https:\/\/img1.blogblog.com\/img\/b16-rounded.gif"}}],"media$thumbnail":{"xmlns$media":"http://search.yahoo.com/mrss/","url":"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-3QBpyrTJ-50\/UxOGDSkZwHI\/AAAAAAAADAI\/zuSP6k2YXg4\/s72-c\/around_the_world_in_eighty_days_ver2_xlg.jpg","height":"72","width":"72"},"thr$total":{"$t":"0"}},{"id":{"$t":"tag:blogger.com,1999:blog-606086995628430165.post-6017617496191935344"},"published":{"$t":"2014-01-13T20:03:00.000+00:00"},"updated":{"$t":"2016-04-08T11:05:52.997+01:00"},"category":[{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"2013"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Crítica"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"McQueen"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Óscar Melhor Filme"}],"title":{"type":"text","$t":"12 Years a Slave"},"content":{"type":"html","$t":"\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-ppRQFFKQ45Q\/UtRDPjKviWI\/AAAAAAAACqk\/6qn_9EjbLqw\/s1600\/twelve_years_a_slave_xlg.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"400\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-ppRQFFKQ45Q\/UtRDPjKviWI\/AAAAAAAACqk\/6qn_9EjbLqw\/s400\/twelve_years_a_slave_xlg.jpg\" width=\"272\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cb\u003EAno:\u003C\/b\u003E 2013\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003ERealizador:\u003C\/b\u003E\u0026nbsp;Steve McQueen\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EActores principais:\u0026nbsp;\u003C\/b\u003EChiwetel Ejiofor, Michael K. Williams, Michael Fassbender\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EDuração:\u003C\/b\u003E 134 min\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cb\u003ECrítica:\u003C\/b\u003E Imagine, caro leitor, se todos os filmes sobre a Segunda Guerra Mundial fossem iguais. Se a sua história fosse sempre: (i) há um judeu; (ii) esse judeu é levado para um campo de concentração onde sofre horrores indescritíveis; e por fim (iii) é salvo pelos aliados ou então morto tragicamente às mãos dos Nazis. E imagine o leitor que sempre que se fizesse um filme assim esse filme ganharia todos os prémios existentes, somente porque é sobre um judeu, vítima de horrores indescritíveis. Pois bem, infelizmente, a maior parte dos filmes sobre o escravo afro-americano, ou sobre os conflitos raciais pre-1960 na América, seguem uma fórmula semelhante, pouco oferecem de novo uns em relação aos outros, mas são, invariavelmente, sempre referenciados como grandes obras, menos pelo que oferecem, e mais pelo seu tema, pelo seu conceito teórico. E isso não pode ser. Agora que começo a escrever estas linhas, na manhã de segunda feira, já sabemos que ’12 Years a Slave’ (em português '12 Anos Escravo') ganhou ontem à noite o Globo de Ouro de Melhor Filme, o que é, obviamente, uma grande palermice, e permitam-me que explique, brevemente porquê.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-ADtbVwdLLOA\/UtRDPxNWx5I\/AAAAAAAACq0\/TLHmu7Lyg7k\/s1600\/20131128-TwelveYears.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"225\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-ADtbVwdLLOA\/UtRDPxNWx5I\/AAAAAAAACq0\/TLHmu7Lyg7k\/s400\/20131128-TwelveYears.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003EMas antes permitam-me que faça um ponto prévio. Quero começar por dizer que não sou, nunca fui e nunca serei racista. Mas não tenho um único problema de consciência em dizer mal de um filme sobre o racismo, porque sei que não estou a atacar o seu tema, mas sim o filme. Como já disse várias vezes neste blog, um tema de um filme não é o filme. Um filme não é bom porque é sobre drogados ou homossexuais ou a escravatura. Pode ser sobre estas coisas e ser bom, uma obra-prima, mas também pode ser sobre estas coisas e ser mediano, ou mau. Agora na América existe um grande problema. A escravatura acabou há 200 anos, e a discriminação racial há mais de meio século (claro que haverá sempre racistas e xenófobos em todo o lado, mas isso não significa que estas excepções falem pelo todo), mas continua a haver um grande complexo em relação a estas questões. Como diz a personagem de Edward Norton em ‘25th Hour’ (2002) sobre este tema ‘\u003Ci\u003ESlavery ended one hundred and thirty seven years ago. Move the f#*k on\u003C\/i\u003E!’. Mas a verdade é que na América muitos membros da comunidade afro-americana não querem avançar. E o facto de continuarem a fazer este tipo de filmes é menos para homenagear o passado, para retratar uma história interessante e inspiradora de um negro período histórico (que se poderia passar em qualquer lugar, em qualquer altura – afinal escravatura existiu noutros séculos, noutros pontos do mundo!), mas mais uma forma de continuar a chantagear a rica comunidade branca americana com a memória do que os seus antepassados fizeram. Alguns membros influentes da comunidade afro-americana, como Oprah Winfrey, não querem que os Americanos alguma vez esqueçam. Porque então podem exercer sempre a chantagem. A chantagem que permite, por exemplo, que um filme mediano como ’12 Years a Slave’ ganhe o prémio principal dos Globos de Ouro. A chantagem que gera o medo: o medo de criticar um filme destes. A divisa é: criticar um filme destes é ser racista. Errado. Criticar um filme destes é simplesmente criticar um filme. Ser racista é outra coisa. E aí está a diferença. Por exemplo, ainda o ano passado ‘Django Unchained’ (2012) foi fortemente criticado por esta comunidade. Porquê? Que tem Django de mal? Pensei um pouco sobre isto e a conclusão que cheguei foi que, pura e simplesmente, ‘Django Unchained’ tem um afro-americano (Samuel L. Jackson) que está satisfeito com a sua condição de escravo, quer ser como os brancos, e odeia os outros escravos. E isso não pode ser. Estes filmes têm regras claras, que ’12 Years a Slave’ segue à risca. Todos os afro-americanos são bons. Todos os brancos (excepto o ocasional para criar o contraponto e também não ofender completamente a comunidade caucasiana) são maus. Portanto é uma afronta ‘Django Unchained’ ter um afro-americano mau. Há brancos bons e brancos maus, afro-americanos bons e afro-americanos maus, como em todo o lado, em todas as raças, em todo o Mundo. Mas é um tabu do lobby afro-americano dizer isto. Todos os escravos têm que ser bons. Independentemente de isso ser real ou não. Samuel L. Jackson retractou um escravo mau, como de certeza houve muitos. Sacrilégio.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/2.bp.blogspot.com\/-_EHCHabeLV4\/UtRDHWaEGXI\/AAAAAAAACpk\/NQa4Nn-NSMc\/s1600\/12-years-a-slave-6.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"300\" src=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-_EHCHabeLV4\/UtRDHWaEGXI\/AAAAAAAACpk\/NQa4Nn-NSMc\/s400\/12-years-a-slave-6.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EA grande infelicidade deste tipo de cinema americano é que os filmes não passam para além deste estereótipo e sentam-se à sombra da bananeira (leia-se ‘o seu tema’) para serem reputados. Esquecem-se de todas as qualidades cinematográficas que um filme tem, pode e deve ter. Por outro lado, felizmente, há filmes que sobem (ligeiramente) acima desta condição. ‘The Help’ (2011), por exemplo, foi uma surpresa agradável, porque ultrapassava a estereotipização para se focar no aspecto humano. ’12 Years a Slave’ também, mais pelo seu brilhantismo técnico e de actuação. Contudo, ambos estes exemplos, e outros mais, acabam por se sentir compelidos a seguir as regras estipuladas pelo lobby e revertem, mais cedo ou mais tarde, para a unidimensionalidade da história padrão que estão a retratar. Neste contexto, a simplicidade do argumento de ’12 Years a Slave’ é quase absurda. Há um afro-americano livre, do Norte (Chiwetel Ejiofor) que é raptado e levado para o Sul onde é vendido como escravo. Aí salta de dono em dono, tratado como todos os escravos eram tratados, até ao dia, 12 anos depois, em que é posto em liberdade, quando as autoridades provam quem ele na realidade é. Praticamente só interessa ao filme a parte do meio, ou seja, a forma como ele é tratado, neste caso mal tratado; espancado, chicoteado, forçado a trabalhar, tratado como um cão. Qual o objectivo? Inspirar? Uma história de coragem e perseverança? Não digo totalmente que não, mas o principal que extravasa a tela é quase simplesmente a mensagem: ‘\u003Ci\u003Evejam o que os brancos faziam aos afro-americanos antes da guerra da secessão\u003C\/i\u003E’.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-5H54W6angnA\/UtRDOxAU-BI\/AAAAAAAACqs\/mjRaP84jfk0\/s1600\/still-of-chiwetel-ejiofor-in-12-years-a-slave-large-picture.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"266\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-5H54W6angnA\/UtRDOxAU-BI\/AAAAAAAACqs\/mjRaP84jfk0\/s400\/still-of-chiwetel-ejiofor-in-12-years-a-slave-large-picture.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003EComo disse, o que mais me surpreendeu no filme foi a técnica de realização de Steve McQueen (não confundir com o famoso actor dos anos 1960). Não tendo visto ‘Hunger’ (2008) nem ‘Shame’ (2011) foi para mim uma estreia em filmes realizados por McQueen e tenho a dizer que fiquei muito impressionado com a capacidade do realizador em captar o pormenor, na sua escolha estética de planos de câmara e do fluir das cenas, e na sua visível capacidade na direcção de actores. Do ponto de vista técnico e cenográfico, ’12 Years a Slave’ tem para mim uma das notas mais altas, se não a mais alta, dos filmes deste ano. McQueen não tem medo em pausar quando é preciso, para assentar as emoções. Não tem medo de ficar 45 segundos a focar simplesmente um rosto e isso dá humanidade e qualidade ao filme. E isto funciona porque o filme está rico em grandes interpretações. Se relegarmos para segundo plano a carrada de estrelas que pontilha o filme em papeis secundários (Brad Pitt, Paul Giamatti, Benedict Cumberbatch) – uma táctica clássica para vender este tipo de filmes – descobrimos na performance de Ejiofor, na de Michael Fassbender com o maléfico dono da plantação e da jovem Lupita Nyong'o no papel de outra escrava, 3 actuações de peso, cada uma enveredando por um caminho diferente e nenhuma vítima do overacting (que ‘The Help’, por exemplo, tinha em demasia). Ejiofor está incrivelmente contido (tem muito menos falas do que aqueles que estão à sua volta), mas expressa-se muito bem através de milimétricas flutuações da face (as tais que os planos de McQueen captam). Fassbender equilibra as várias facetas e as contradições da sua personagem e Nyong'o é tão frágil mas tão incisiva quanto deve ser. Na relação destas três personagens, na plantação, está o cerne emocional do filme, muito mais, por exemplo, do que na relação de Ejiofor com a sua família, que aparecem apenas no início e no fim do filme, e que supostamente são o seu motivo principal para sobreviver a tudo o que lhe acontece. Aliás, o filme nunca nos mostra o que fez a mulher dele durante 12 anos. Foi à polícia? Denunciou o desaparecimento? Tentou encontrá-lo? Não se sabe. Aparentemente não. Ficou em casa à espera que ele aparecesse de volta, como acontece no final (não é surpresa, está em qualquer sinopse, até a mais curta, do filme).\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/2.bp.blogspot.com\/-ICMS1bT9r9w\/UtRDMs5nZ1I\/AAAAAAAACp8\/9VRViA239lY\/s1600\/12_years_a_slav.9c4b6150409.original.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"225\" src=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-ICMS1bT9r9w\/UtRDMs5nZ1I\/AAAAAAAACp8\/9VRViA239lY\/s400\/12_years_a_slav.9c4b6150409.original.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EAgora, mais uma vez infelizmente, apesar da qualidade da realização e das actuações principais, apesar daquilo que o filme poderia ser, quase sem esforço (e aí merecer os prémios todos), acaba por ser inevitavelmente atraído para o vulgar, para o banalismo dos lugares comuns característicos de todos os vários ‘filmes de escravo’ que já foram feitos (e que certamente irão continuar a ser), e acaba por se subjugar aos dogmas do tal lobby. Não há um único afro-americano ‘mau’ em todo o filme. Têm todos excelentes personalidades, são todos vítimas e poucos ou nenhuns têm desejos de vingança sangrenta contra os brancos. Apresentam, em vez disso, um ódio ligeiríssimo e contido, que se manifesta através da compreensão e da aceitação trágica e heróica da sua situação. Ejiofor salta, de uma forma ciclicamente enervante, entre um ‘dono mau’ e um ‘dono bom’, sempre alternadamente, sendo que as partes com o ‘dono bom’ são rapidamente despachadas, para que o filme mostre o que verdadeiramente lhe interessa. E a linha da história é previsível, unidimensional e com pouco significado. As personagens retratam uma era sem serem exactamente estereotipadas, mas o filme não consegue evoluir para além do seu monótono enquadramento histórico. Temos que ver o homem a sofrer e a levar chicotadas durante 2h. E basicamente é isto.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-SX6oNJ5HcX0\/UtRDNmw9ItI\/AAAAAAAACqM\/2eKlJMd_5uY\/s1600\/12_years_a_slave_3-620x437.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"285\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-SX6oNJ5HcX0\/UtRDNmw9ItI\/AAAAAAAACqM\/2eKlJMd_5uY\/s400\/12_years_a_slave_3-620x437.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003ENão vi ‘Shame’, mas foi famoso pelas suas cenas explícitas de depravação. Como tal esperava que McQueen filmasse cenas de tortura a escravos com um enorme realismo, estilo ‘Passion of the Christ’ no Sul Americano. Mas tal não acontece. Há cenas fortes, é certo, mas sempre, ‘para a família’, 'para o público alargado’. Ou seja, para render na bilheteira e todos poderem ver sem ficarem muito chocados. A reacção do público esperada é aquela exactamente que ocorreu ontem atrás de mim no cinema. A rapariga passou o filme todo a dizer coisas como ‘Coitadinho’, ‘Ai Jesus’, ‘Ai Meu Deus’, cada vez que um afro-americano era chicoteado ou tratado como gado. E é este o tipo de reacção que o filme quer gerar, especialmente para o público pouco familiarizado com História Mundial. Mas este retrato, tirando ser feito por um realizador de qualidade, pouco se afasta, em termos de argumento, ritmo e significado, daquilo que se pode encontrar num documentário do Canal de História. Aliás, não vejo grande diferença entre outras reconstituições que já vi nesse canal e este filme. A única diferença é que esta adaptação custou muito mais dinheiro e chega a um público mais alargado. O mesmo público que está apenas interessado em ficar ‘comodamente chocado’ com estas cenas, mas que depois exclama, como exclamou esta menina atrás de mim ‘Ai que seca’, no tal plano de 45 segundos, belíssimo, sem diálogo, sem música, da cara de Ejiofor.\u0026nbsp;\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-iG8lwg_1rCE\/UtRDOz2LGeI\/AAAAAAAACqg\/i-xtVh2nl8I\/s1600\/twelve-years-a-slave-sarah-paulson.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"300\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-iG8lwg_1rCE\/UtRDOz2LGeI\/AAAAAAAACqg\/i-xtVh2nl8I\/s400\/twelve-years-a-slave-sarah-paulson.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EPortanto, resumindo, para mim ’12 Years a Slave’ é um filme que me deixa um sabor amargo. A realização e actuação são excelentes. Consegue reproduzir emoções somente por imagens, como na extraordinária cena em que Ejiofor começa a cantar com convicção após todo o mal que lhe foi feito (a melhor cena do filme), em vez de o fazer com frases infindáveis (e inevitavelmente ocas) de argumento. Mas por outro lado debita cena após cena no mesmo tom, não sai de uma rota já há décadas pre-estabelecida para este tipo de filme, por mais enfoque que tenha no emocional\/humano acaba sempre por descair para o lado do histórico, e por fim estraga tudo com a sua necessidade de ‘transmitir a mensagem’ – aquela mensagem que o lobby nunca quer deixar ninguém esquecer, para poder continuar a exercer a sua chantagem. A personagem de Brad Pitt, por exemplo, nem sequer é introduzida filmicamente. Simplesmente aparece a meio de uma cena, prontinha para debitar um conjunto de frases anti-escravatura (ainda ninguém o tinha feito), completamente artificiais mas que farão certamente chorar a Oprah.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-y1n520l68Ag\/UtRDLH_RkcI\/AAAAAAAACp0\/4yEZN4m4HVM\/s1600\/12-years.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"300\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-y1n520l68Ag\/UtRDLH_RkcI\/AAAAAAAACp0\/4yEZN4m4HVM\/s400\/12-years.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EAcho que este é um filme que poderá merecer ser visto. Não para educar, não para chamar a atenção para um drama social, não porque é uma obra-prima. Mas apenas porque tem qualidade, nomeadamente ao nível da técnica cinematográfica. Ao nível da história, do arco da personagem e da mensagem já está mais que batido. Mas é daqueles filmes que simplesmente é crime criticar, é crime não galardoar. Será apregoado como uma maravilha, ganhará prémios e chocará comodamente o seu público, como o conto de fadas social, ostensivamente inspirado numa história verídica, que é, e isso certamente fará os produtores muito felizes. Mas para mim perdeu-se aqui uma excelente oportunidade de criar um filme com uma enorme dimensão, cinematográfica, emocional, humana. Depois de ter começado tão bem, deixou-se cair no cliché, no conforto do lugar comum. E quando isso acontece não há nada a fazer. \u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003EE já agora, será que alguém pode tocar o tema do filme 'World Trade Center' (2006), composto por Craig Armstrong, a Hans Zimmer, compositor de '12 Years a Slave'? É que as semelhanças entre os temas dos dois filmes são, no mínimo, suspeitas...\u003C\/div\u003E"},"link":[{"rel":"replies","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/feeds\/6017617496191935344\/comments\/default","title":"Enviar feedback"},{"rel":"replies","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2014\/01\/12-years-slave.html#comment-form","title":"1 Comentários"},{"rel":"edit","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/6017617496191935344"},{"rel":"self","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/6017617496191935344"},{"rel":"alternate","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2014\/01\/12-years-slave.html","title":"12 Years a Slave"}],"author":[{"name":{"$t":"Eu Sou Cinema"},"uri":{"$t":"http:\/\/www.blogger.com\/profile\/10225016188761425774"},"email":{"$t":"noreply@blogger.com"},"gd$image":{"rel":"http://schemas.google.com/g/2005#thumbnail","width":"16","height":"16","src":"https:\/\/img1.blogblog.com\/img\/b16-rounded.gif"}}],"media$thumbnail":{"xmlns$media":"http://search.yahoo.com/mrss/","url":"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-ppRQFFKQ45Q\/UtRDPjKviWI\/AAAAAAAACqk\/6qn_9EjbLqw\/s72-c\/twelve_years_a_slave_xlg.jpg","height":"72","width":"72"},"thr$total":{"$t":"1"}},{"id":{"$t":"tag:blogger.com,1999:blog-606086995628430165.post-8243513865966160627"},"published":{"$t":"2013-12-16T20:02:00.001+00:00"},"updated":{"$t":"2016-08-14T23:57:19.423+01:00"},"category":[{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"1981"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Crítica"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Hudson"},{"scheme":"http://www.blogger.com/atom/ns#","term":"Óscar Melhor Filme"}],"title":{"type":"text","$t":"Chariots of Fire"},"content":{"type":"html","$t":"\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-Ba_WvemIBDw\/Uq9Xdkg7N6I\/AAAAAAAACaI\/0hvnGizV9NQ\/s1600\/4-chariots-of-fire.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"400\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-Ba_WvemIBDw\/Uq9Xdkg7N6I\/AAAAAAAACaI\/0hvnGizV9NQ\/s400\/4-chariots-of-fire.jpg\" width=\"271\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cb\u003EAno:\u003C\/b\u003E 1981\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003ERealizador:\u003C\/b\u003E\u0026nbsp;Hugh Hudson\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EActores principais:\u003C\/b\u003E\u0026nbsp;Ben Cross, Ian Charleson, Nicholas Farrell\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cb\u003EDuração:\u003C\/b\u003E 124 min\u003Cbr \/\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cb\u003ECrítica:\u003C\/b\u003E “\u003Ci\u003ELet us praise famous man\u003C\/i\u003E”.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EEsta é a primeira frase que se ouve neste filme. Estamos em 1978, no funeral de Harold Abrahams, o homem que ganhou a medalha de ouro na corrida dos 100 metros nos Jogos Olímpicos de Paris, em 1924. Um dos últimos membros vivos dessa comitiva dá o seu elogio fúnebre e pede aos presentes para recordarem os homens com esperança no coração, e asas nos calcanhares. E neste ponto há o \u003Ci\u003Efade\u003C\/i\u003E para uma praia, onde dezenas de atletas, constituindo a comitiva britânica, correm em câmara lenta ao longo da linha onde as ondas beijam a areia, ao som de uma música electrónica que se tornou um hino do desporto do século XX, naquela que é uma das sequências de genérico mais icónicas de que há memória no cinema. Talvez por se aperceberem disso, os produtores decidiram repetir a cena no genérico final, e a repetição não a faz perder, muito pelo contrário, a sua essência bela, poética e inspiradora.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/3.bp.blogspot.com\/-su3DGwv1Fjo\/Uq9XeBF9i1I\/AAAAAAAACag\/lIPA1fUGwQM\/s1600\/ChariotsOfFireStill02B.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"266\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-su3DGwv1Fjo\/Uq9XeBF9i1I\/AAAAAAAACag\/lIPA1fUGwQM\/s400\/ChariotsOfFireStill02B.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E‘Chariots of Fire’ (em português ‘Momentos de Glória’), o filme surpresa de 1981, que se tornou um sucesso, e que acabou por ganhar 4 Óscares – para Melhor Filme (batendo a concorrência de peso de ‘Atlantic City’, ‘Raiders of the Lost Arc’ ou ‘\u003Ca href=\"http:\/\/eusoucinemapt.blogspot.pt\/2013\/11\/reds.html\"\u003EReds\u003C\/a\u003E’), Melhor Argumento Original, Melhor Guarda Roupa e claro, Melhor Banda Sonora – tinha uma concepção teórica suficientemente ousada para passar completamente despercebido. Era uma produção Inglesa até à medula, sobre a campanha da Grã-Bretanha nos JO de 60 anos antes, com uma equipa de produção inglesa, com um realizador inglês estreante e virtualmente desconhecido (Hugh Hudson), e uma série de actores ingleses também desconhecidos mas sólidos, que se misturavam com alguns actores de palco reputados em breves aparições (John Gielgud, Ian Holm). Para além do mais, apesar do filme se passar na década de 1920, alguém tomou a decisão de contratar um tal de Vangelis Papathanassiou (tal como é creditado), um compositor grego de música electrónica que pouco ou nenhum trabalho tinha feito até então no cinema.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-wvTst5xcwic\/Uq9XgTKKVfI\/AAAAAAAACbA\/UA0rzzpjIGk\/s1600\/587667_005.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"300\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-wvTst5xcwic\/Uq9XgTKKVfI\/AAAAAAAACbA\/UA0rzzpjIGk\/s400\/587667_005.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EMas, tal como outras reputadas produções inglesas da década de 1980, ‘Chariots of Fire’ é menos um produto de individualidades, e mais de uma sólida colectividade. Desta amálgama, surge uma obra de arte, que detém alguma inocência mas muito coração, que detém muita verdade e realismo dramático apesar de constantes adulterações históricas, que tem um apelo universal porque é um hino ao desporto, aos atletas, que são, acima de tudo, seres humanos. ‘Chariots of Fire’ resultou e tornou-se o filme nº1 do desporto, para mim menos pelas suas cenas poéticas de corrida, menos por falar de uma campanha olímpica, menos por ser sobre corredores, mas porque subjacente a tudo isto, como um fio condutor, como a verdadeira força da sua história está o atleta como pessoa, que sofre e luta para atingir a glória, mas quando a atinge não se vangloria desse feito. É uma afirmação pessoal, e não apenas um desejo de ganhar para ser o melhor. ‘Chariots of Fire’ é realmente sobre \"\u003Ci\u003Ehomens famosos\"\u003C\/i\u003E, mas não é o facto de serem famosos que interessa ao filme. É muito mais o facto de terem esperança no coração, asas nos pés, e uma vontade de correr que lhes vem de dentro, não pela fama e fortuna, mas para saciarem os seus demónios interiores e experienciarem um infinito prazer. E isto está tão bem exteriorizado no filme que apela a todas as pessoas que alguma vez praticaram desporto por prazer. É essa qualidade que o torna tão bom e tão universal.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/4.bp.blogspot.com\/-ky2XTYsOH40\/Uq9XhGm6uDI\/AAAAAAAACbM\/0To3yE5BlgM\/s1600\/chariots-of-fire-bfi-00m-w43.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"300\" src=\"https:\/\/4.bp.blogspot.com\/-ky2XTYsOH40\/Uq9XhGm6uDI\/AAAAAAAACbM\/0To3yE5BlgM\/s400\/chariots-of-fire-bfi-00m-w43.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EO filme começa nos anos após a Primeira Grande Guerra e segue, durante a primeira hora, as proezas de dois atletas, Abrahams (interpretado com alguma rigidez por Ben Cross) e Liddell (interpretado com humildade e coração por Ian Charleson). Abrahams é o filho de um financeiro Judeu e é caloiro na Universidade de Cambridge. Desde cedo quer provar o seu valor e lutar contra o anti-semitismo que ainda está enraizado na sociedade inglesa. Torna-se o primeiro homem a completar, nas doze badaladas do meio dia, a volta ao claustro da faculdade e o filme vai acompanhado um pouco da sua vida pessoal e universitária, a sua senda por afirmação, em pequenos sketches inteligentemente construídos, que contam menos uma história mas definem perfeitamente uma personagem. Ao mesmo tempo, é-nos dada a oportunidade de conhecer outros colegas seus de Cambridge que acabarão também por fazer parte da comitiva olímpica, bem como o espírito de camaradagem universitária que reinava numa época em que os JO eram competições de supostos ‘amadores’.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-rq5UwJMjj-M\/Uq9Xd4lYaZI\/AAAAAAAACaY\/nmRaRnBjQ_E\/s1600\/Chariots+of+Fire_2.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"225\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-rq5UwJMjj-M\/Uq9Xd4lYaZI\/AAAAAAAACaY\/nmRaRnBjQ_E\/s400\/Chariots+of+Fire_2.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EDepois de se debruçar quase meia hora em Abrahams, o filme muda para Liddell. Liddell é um escocês nascido na China, filho de missionários, e que é devotado à Missão e a Deus. De regresso à Escócia tornou-se famoso como jogador de rugby e como corredor. Enquanto Abrahams corre nos mais prestigiados círculos, Liddell corre nas belas paisagens escocesas. Abrahams é técnica, treino e, pelo menos inicialmente, vontade de vencer. Até acaba por contratar o treinador Sam Mussabinbi (Ian Holm) - algo controverso já que amadores não deviam ter treinadores - e que se torna uma espécie de figura paternal. Já Liddell é paixão, devoção e coração. Tal como ele diz, a vontade de conseguir levar a corrida até ao fim vem de dentro e, quando corre, sente o prazer de Deus a correr-lhe pelo corpo. Se o ‘dilema’ de Abrahams é uma afirmação contra a sua condição étnica e uma vontade de se provar, como diz, à família, à sua faculdade e ao seu país, o ‘dilema’ de Liddell surge sobre a forma da sua irmã, que vê nas suas corridas algo maléfico que o afasta de Deus e da sua Missão. Mas enquanto a fama de Abrahams é boa para Cambridge e o director da escola (Gielgud) engole o sapo pelo facto de Abrahams não ser inglês de gema e mostrar alguma arrogância, também os directores da Missão de Liddell vêm nele um instrumento poderoso para propagar a vontade de Deus. Quase após todas as corridas, Liddell dá um sermão, honesto, sincero, puro (tal como o actor que o protagoniza, que tragicamente também morreu jovem aos 40 anos). E o filme vai fazendo lentamente que ambos convirjam, à medida que o Verão olímpico se aproxima.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-2GpkS4LISCo\/Uq9Xen2aCbI\/AAAAAAAACao\/a1tFYB2NWio\/s1600\/MV5BMTM5MDE0OTEzMF5BMl5BanBnXkFtZTcwNDI0MjkwNw%2540%2540._V1._SX640_SY424_.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"265\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-2GpkS4LISCo\/Uq9Xen2aCbI\/AAAAAAAACao\/a1tFYB2NWio\/s400\/MV5BMTM5MDE0OTEzMF5BMl5BanBnXkFtZTcwNDI0MjkwNw%2540%2540._V1._SX640_SY424_.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003EE depois, na segunda hora do filme, os Jogos começam. O filme mostra, de uma forma contrastante, a simplicidade da cerimónia de abertura da altura com a intensidade dos treinos, o silêncio dos balneários pré-corrida com o barulho extasiado da multidão, a vontade simples dos atletas de correrem com os interesses políticos de afirmação nacional que fervilham nos bastidores. E no centro, dois atletas, Abrahams e Liddell, os vencedores, respectivamente, da prova dos 100 e dos 400 metros. Apesar de vermos outras corridas e termos o vislumbre de outros atletas, a verdade é que estas outras provas pouco interessam e pouca atenção lhes é dada. Tudo converge para as duas provas principais e tudo se foca nos dois vencedores. Ambos têm os seus dilemas e os seus arcos pessoais rumo à imortalidade olímpica. Liddell inicialmente também está inscrito nos 100 metros (rival de Abrahams sob a mesma bandeira) mas como uma das qualificações é ao domingo ele recusa-se a correr, já que o domingo é um dia que deve ser dedicado a Deus. Após muito drama e pressão política, a solução surge na forma da camaradagem do desporto. O membro da comitiva inglesa que ia disputar os 400 metros e que havia ganho uma medalha de prata numa prova menor cede o seu lugar a Liddell, pelo “\u003Ci\u003Eprazer de o ver correr\u003C\/i\u003E”. Isto dá ainda mais epicidade à corrida dos 400 metros, já que supostamente Liddell não tem treino nesta distância. Já os dilemas de Abrahams são consigo próprio; o seu medo da derrota, o seu desejo de se provar, mais a si (como o filme vai revelando) do que propriamente aos outros (como parece ser quando o conhecemos). Os seus rivais americanos são o principal obstáculo, especialmente depois de ter perdido uma prova nos primeiros dias dos Jogos que o filme não especifica bem qual é (já me referirei a ela daqui a pouco). Os dois momentos de cada uma destas finais, a dos 100 e a dos 400 metros, constituem momentos altos de cinema; a música de Vangelis, o \u003Ci\u003Eslow motion\u003C\/i\u003E, a tensão no balneário, e depois a explosão. E as provas reflectem a natureza das personagens. A prova de Liddell é muito mais poética. Na de Abrahams há a decisão genial do realizador de a mostrar sem \u003Ci\u003Eslow motion\u003C\/i\u003E e sem música (os 100 metros são mostrados na íntegra e o filme faz o mesmo silêncio que os espectadores à espera do resultado). Abrahams está concentrado, focado, e o filme também. Só na ‘repetição’, quando Abrahams vive o seu sonho, é que entra de novo Vangelis, e a câmara lenta.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/2.bp.blogspot.com\/-K7ktaNxtbAY\/Uq9Xf8zZ6cI\/AAAAAAAACa4\/rZe7zjXA3eo\/s1600\/cap032.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"300\" src=\"https:\/\/2.bp.blogspot.com\/-K7ktaNxtbAY\/Uq9Xf8zZ6cI\/AAAAAAAACa4\/rZe7zjXA3eo\/s400\/cap032.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EA verdade pura e dura é que qualquer livro sobre as olimpíadas ou qualquer pesquisa rápida na internet revelará as grandes inconsistências históricas do filme. Abrahams nunca venceu a corrida à volta do pátio de Cambridge. Liddell já sabia que a eliminatória dos 100 metros era no domingo meses antes das Olimpíadas e passou esse tempo a treinar-se nos 400 metros. A ordem das corridas nas Olimpíadas está trocada para efeitos dramáticos do filme. Quer Abrahams, quer Liddell ganharam mais uma medalha cada um, em corridas que nunca são mostradas. Abrahams ganhou prata na estafeta dos 4*100 metros, e Liddell ganhou Bronze nos 200 metros, prova essa ganha pelos americanos e em que Abrahams ficou em 6º (a tal derrota que o filme refere de soslaio sem explicar o que está a mostrar, quando quer definir o desespero emocional de Abrahams antes da corrida dos 100 metros). A tal rivalidade olímpica entre Abrahams e Liddell que o filme vai espicaçando quando ainda estão em Inglaterra, e depois se perde porque Lidell passa para a prova dos 400, realmente aconteceu e o filme faz de conta que não.\u0026nbsp;\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/3.bp.blogspot.com\/-tqTYh4f5NFI\/Uq9XiPHDYLI\/AAAAAAAACbc\/vEhRqNCpDkg\/s1600\/Scene-from-Chariots-of-Fi-001.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"240\" src=\"https:\/\/3.bp.blogspot.com\/-tqTYh4f5NFI\/Uq9XiPHDYLI\/AAAAAAAACbc\/vEhRqNCpDkg\/s400\/Scene-from-Chariots-of-Fi-001.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003EPessoalmente, não sou fã de incongruências históricas no cinema, exceptuando obviamente as estritamente necessárias para dar interesse dramático ao filme. Mas as deste filme têm objectivos tão claros (não são meros artifícios para criar emoções artificiais) que é um pecado que facilmente se pode perdoar. Na realidade não interessa muito se Abrahams ganhou outra medalha, ou se a passagem de Liddell para os 400 metros não foi assim tão repentina. Não interessa porque o filme não vangloria as vitórias destes atletas. O objectivo não é idolatrar o vencedor, nem mostrar o rumo para a conquista. Esta conquista faz parte de algo muito mais íntimo. Era essencial para estes homens terem o ouro para poderem seguir com as suas vidas, para tirarem esse peso da consciência, para saberem que o fizeram, que o conseguiram fazer. Não para contarem aos outros, mas para sentirem dentro deles essa verdade. E é nisso que o filme se foca. Liddell voltou para o seu trabalho de missionário na China, onde acabaria por morrer após a Segunda Guerra Mundial, tendo apenas regressado ao atletismo muito esporadicamente. Abrahams, por seu lado, tornou-se jornalista desportivo da BBC. Mas aquele momento, aquela corrida em Paris no Verão de 1924 em que cada um ganhou ouro, foi a sua razão de existir. Na realidade ‘Chariots of Fire’ é sobre a alma dos homens. E é por isso que é tão bom.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-aL13kZvxwXo\/Uq9XhrO2NTI\/AAAAAAAACbU\/ypnrhE1TWeQ\/s1600\/chariots-of-fire.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"288\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-aL13kZvxwXo\/Uq9XhrO2NTI\/AAAAAAAACbU\/ypnrhE1TWeQ\/s400\/chariots-of-fire.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003EHugh Hudson nunca mais realizou um filme britânico tão internacionalmente bem sucedido ou bem conseguido, e a maior parte destes actores nunca fez o salto para outras produções que não britânicas. Mas em ‘Chariots of Fire’ alcançaram, sem dúvida alguma (e perdoem-me o trocadilho) a medalha de ouro. É um filme tão honesto e tão puro que às vezes até soa estranho. A simplicidade da cerimónia de abertura dos Jogos Olímpicos, por exemplo, é tão evidente que salta à vista. Hoje seria impossível filmar uma cena assim, tão desprovida de \u003Ci\u003Eglamour\u003C\/i\u003E e efeitos visuais, mas em defesa de Hudson a verdade é que em 1924 é bem provável que essa cerimónia tenha sido tal como está aqui retratada. É esta verdade, inerente a todo o filme, que mais permanece no espectador, e que o permite perdoar a deturpação histórica. Porque esta verdade que o filme contém não é histórica, mas sentimental. É por o seu significado ser intemporal, por exemplo, que a banda sonora fora de época se adequa perfeitamente. Vangelis liberta rugidos e melodias electrónicas que são declamações da alma, e quando a música deste se funde com o hino britânico secular ‘Jerusalem’ de William Blake (cujos versos \u003Ci\u003E‘Bring me my bow of burning gold! Bring me my arrows of desire! Bring me my spear! O clouds, unfold! Bring me my chariot of fire!’\u003C\/i\u003E inspiraram o título do filme) a metamorfose não soa absolutamente nada artificial, pois é aí que a alma chega ao seu êxtase.\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E\u003Cbr \/\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv class=\"separator\" style=\"clear: both; text-align: center;\"\u003E\u003Ca href=\"http:\/\/1.bp.blogspot.com\/-pzs_2q9IjPY\/Uq9XfG3PkRI\/AAAAAAAACas\/xQomvRvhFJU\/s1600\/MV5BMTYxMzU2OTM1NV5BMl5BanBnXkFtZTcwMzI0MjkwNw%2540%2540._V1._SX640_SY426_.jpg\" imageanchor=\"1\" style=\"clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;\"\u003E\u003Cimg border=\"0\" height=\"266\" src=\"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-pzs_2q9IjPY\/Uq9XfG3PkRI\/AAAAAAAACas\/xQomvRvhFJU\/s400\/MV5BMTYxMzU2OTM1NV5BMl5BanBnXkFtZTcwMzI0MjkwNw%2540%2540._V1._SX640_SY426_.jpg\" width=\"400\" \/\u003E\u003C\/a\u003E\u003C\/div\u003E\u003Cdiv style=\"text-align: justify;\"\u003E‘Chariots of Fire’ é um filme inspiracional que não se estrutura como tal e um filme de desporto que não deifica a vitória, ou seja, desenrola-se ao contrário daquela que é a norma em Hollywood. Mas isso só lhe dá mais valor. É um clássico humano e intemporal, que até pode ser visto em parte como filme britânico ‘de época’, e que merece inteiramente o seu lugar de destaque na história do cinema. Ascende humilde mas focado como os atletas que retrata, e explode numa perfeita glória vitoriosa cinematográfica. E resta dizer que a nova versão digital restaurada, lançada em blu-ray no seu 30º aniversário, a tempo dos Jogos Olímpicos de Londres (aquela que já faz parte da minha biblioteca e que originou esta crítica) está fabulosa e apinhada de extras.\u003C\/div\u003E"},"link":[{"rel":"replies","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/feeds\/8243513865966160627\/comments\/default","title":"Enviar feedback"},{"rel":"replies","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2013\/12\/chariots-of-fire.html#comment-form","title":"0 Comentários"},{"rel":"edit","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/8243513865966160627"},{"rel":"self","type":"application/atom+xml","href":"https:\/\/www.blogger.com\/feeds\/606086995628430165\/posts\/default\/8243513865966160627"},{"rel":"alternate","type":"text/html","href":"https:\/\/eusoucinemapt.blogspot.com\/2013\/12\/chariots-of-fire.html","title":"Chariots of Fire"}],"author":[{"name":{"$t":"Eu Sou Cinema"},"uri":{"$t":"http:\/\/www.blogger.com\/profile\/10225016188761425774"},"email":{"$t":"noreply@blogger.com"},"gd$image":{"rel":"http://schemas.google.com/g/2005#thumbnail","width":"16","height":"16","src":"https:\/\/img1.blogblog.com\/img\/b16-rounded.gif"}}],"media$thumbnail":{"xmlns$media":"http://search.yahoo.com/mrss/","url":"https:\/\/1.bp.blogspot.com\/-Ba_WvemIBDw\/Uq9Xdkg7N6I\/AAAAAAAACaI\/0hvnGizV9NQ\/s72-c\/4-chariots-of-fire.jpg","height":"72","width":"72"},"thr$total":{"$t":"0"}}]}});